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TIO BOONMEE, QUE PODE RECORDAR SUAS VIDAS PASSADAS
½
Diário de Filmes 2021: 11
Vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes, o filme tailandês é um exercício livre sobre memórias e tradições, episódico e em tom de fábula. E metaforizando, segundo o diretor, as transformações pelas quais o cinema vinha passando ali naquela época (o digital substituindo a película, o que influía no próprio jeito de filmar). É aparentemente enigmático, esquisito, mas talvez porque para nossa sociedade ocidental não seja tão natural a ideia de fantasmas que nos visitam quando a morte se aproxima, entre outros elementos fantásticos como homens-macacos e sexo com peixes. O mais interessante é que o filme trata tudo isso com naturalidade e serenidade.
Onde ver: DVD
Loong Boonmee Raleuk Chat, 2010
Direção: Apichatpong Weerasethakul. Elenco: Thanapat Saisaymar, Jenjira Pongpas, Wallapa Mongkolprasert
O REI LEÃO
⭐⭐⭐
Animais viraram bando de ‘ciganos Igor’
por Renato Félix
A Disney achou uma mina de ouro nessa franquia em que cata em seus clássicos da animação material para adaptações com atores em carne-e-osso. O Rei Leão não é um live action, mas a ideia é parecer o máximo com um: todos os animais são animações por computador extremamente realistas. Mas, em geral, é como as experiências anteriores: em que pese o grande sucesso de bilheteria e alguma atualização das personagens femininas, artisticamente tudo parece desnecessário e sem chegar aos pés do original.
A trama do novo filme segue muito de perto o original. Na verdade, a cena de abertura — com o número “Circle of life” e os animais se encaminhando para a apresentação do herdeiro do trono — é um decalque plano a plano da original. Em termos de narrativa, a maior parte do filme é por aí, como uma cópia xerox ou aproximada da animação feita majoritariamente à mão em 1994.
Isso, claro, garante que o filme seja um bom entretenimento e mantenha as mensagens sobre responsabilidade e contra a tirania. O problema é que a vontade de parecer “de verdade” (mesmo que seja com animais que falam e cantam) distancia este filme daquilo que o original tinha de melhor.
Para começar, o carisma dos personagens. A animação à mão de 1994 tinha a liberdade de recorrer ao cartunesco quando quisesse. Esta se limita a abrir e fechar a boca dos personagens para os diálogos e canções. Emoções dependem exclusivamente da dublagem e de alguma expressão corporal. Fora isso, qualquer sentimento é expresso pela mesma cara: os ricos personagens de O Rei Leão parecem todos interpretados pelo cigano Igor.
Isso também se reflete nos números musicais. “Circle of life” impressiona visualmente pela transposição fiel e aspecto realista. Mas esse impacto não demora a se tornar mera curiosidade. E nos momentos em que a animação de 1994 passava a uma esfera mais expressionista, o novo filme não tem coragem de dar esse passo. Não demora a acontecer: em “I just can’t wait to be king”, a própria animação de 1994 sai de um registro mais realista para se tornar ainda mais colorido e movimentado. Isso não ocorre na versão de 2019, aprisionada em sua vontade de aparentar realidade.
Outro número que sofre especificamente com isso é “Be prepared”, em que o vilão Scar canta seus planos de traição para um séquito de hienas que, na versão de 1994, não demoram a desfilar como numa parada nazista. Essa referência totalitária é limada da adaptação e o número perde bastante de sua força dramática.
As maiores mudanças na trama dizem respeito ao maior espaço dado a Nala, que ganha uma cena em que escapa do reinado de terror de Scar, e a uma conversão de Simba ao vegetarianismo. Nesse caso, na animação de 1994, ele passa a comer insetos porque “aqui não tem zebra nem antílopes”, como informava Timão, depois de encontrá-lo do outro lado do deserto. Agora há: a região é povoada com todo tipo de animais, mas o pequeno Simba é que escolhe não comê-los.
Nesse ponto, ele não seguiu o papo do pai sobre o ciclo da vida lá no começo: “A gente come os antílopes, quando morremos viramos grama e o antílope come ela”. Era uma compensação estranha mesmo (do ponto de vista do antílope).
O REI LEÃO. The Lion King. EUA, 2019. Direção: Jon Favreau. Vozes na dublagem original: Donald Glover, Chiwetel Ejiofor, Billy Eichner, Seth Rogen, Beyoncé, James Earl Jones, Alfre Woodard, JD McCrary. Vozes na dublagem brasileira: Ícaro Silva, Rodrigo Miallaret, Ivan Parente, Glauco Marques, Iza, Saulo Javan.
Renn Woods em “Aquarius”, de “Hair” (1979)
70. ‘THE SHORTY GEORGE’, de Bonita como Nunca (1942)
Com Fred Astaire, Rita Hayworth (voz de Nan Wynn) e Xavier Cugat e sua orquestra. Direção: William A. Seiter. Direção de dança: Val Raset. Coreografia: Fred Astaire e Nicanor Molinare. Canção de Jerome Kern e Johnny Mercer.
Fred Astaire e Rita Hayworth tinham mesmo alguma coisa mágica entre eles. Basta a graça, a química entre eles, o bom humor e essa grande música para transformar esse número simples numa delícia de ver. Infelizmente o símbolo sexual impressionante que Rita se tornaria dali a pouco parece que eclipsou um pouco esse seu talento como dançarina. Mas olha como ela era ótima! O número é uma homenagem a George “Shorty” Snowden, dançarino negro do Harlem nos anos 1920 e 1930.
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69. ‘LET IT GO’, de Frozen — Uma Aventura Congelante (2013)
Com Idina Menzel. Direção: Chris Buck e Jennifer Lee. Canção de Kristen Anderon-Lopez e Robert Lopez.
Um dos maiores sucesso musicais da Disney dos últimos tempos, inevitável Oscar de melhor canção, é uma poderosa canção de autoafirmação que começa praticamente do zero e vai num crescendo: no ânimo da Rainha Elsa e na animação, que começa numa paisagem gelada de céu e neve para terminar num castelo erguido do gelo e a luz do sol. A sequência da ponte é particularmente bonita.
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68. ‘LULLABY OF BROADWAY’, de Mordedoras de 1935 (1935)
Com Wini Shaw, Ramon & Rosita, Dick Powell, Alice Brady e elenco. Direção e coreografia: Busby Berkeley. Canção de Harry Warren e Al Dubin.
Há muito a dizer sobre esse impressionante número de 1935, que leva 13 minutos. É outro daqueles números que no filme se passam num palco, mas impossíveis de caber em um de verdade. Um curta-metragem dentro do filme. Começa pelo incrível plano da cabecinha da cantora “flutuando” lá no fundo preto enquanto a câmera lentamente se aproxima até um superclose (recriado com Doris Day em 1951). Um show de iluminação e câmera. Depois, a girada e o rosto que se torna a Broadway. Depois começa o ruge-ruge do dia na cidade grande. Também há quem chegue da noitada. Para estes, o dia só começa de novo à noite e a noite é deles. O nightclub parece que é só do casal vivido por Dick Powell e Alice Brady. Eles são a única plateia para as dezenas de dançarinos que fazem aquelas coreografias gigantescas de Berkeley. E a câmera dança: o diretor-coreógrafo os filma em 90º de cima e até em 90º de baixo, mostrando as solas dos pés. Um delírio que cresce até terminar em tragédia.
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67. STREET DANCE TO RAISE MONEY, de A Pequena Rebelde (1935)
Com Shirley Temple e Bill “Bojangles” Robinson. Direção: David Butler.
Shriley Temple tinha 7 anos, Bill Robinson tinha 57. Eles formaram o primeiro casal de dançarinos inter-racial do cinema em cenas cheias de graça como esta, que nem foi a primeira (que aparecerá na lista mais tarde). Aqui, eles dançam na rua e passam o chapéu para arrumar fundos e salvar o pai da menina, prisioneiro na guerra civil americana. O filme tem sua dose de racismo (aquela coisa do “bom escravo”), mas, ao menos, registra o talento do genial Bojangles e ajudou a quebrar essa barreira: uma branca e um negro dançando juntos.
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66. ‘THE GOLD DIGGERS’ SONG (WE’RE IN THE MONEY)’, de Cavadoras de Ouro (1933)
Com Ginger Rogers e elenco. Direção: Mervyn LeRoy. Direção de dança e coreografia: Burby Berkeley. Canção de Harry Warren e Al Dubin.
“Estamos montadas na grana” é o que basicamente dizem as primeiras palavras de Cavadoras de Ouro, cantadas por Ginger Rogers. Do close de Ginger passamos para as outras as dançarinas e delas para o plano aberto em que vemos que se trata do ensaio de um número de teatro. A dupla ironia é que, sem o espetáculo, as dançarinas estarão quebradas; e o país inteiro estava ainda sobre os efeitos devastadores da Grande Depressão. Detalhe: em determinado trecho, Ginger canta em “pig-latin”, um jogo infantil de mudar palavras para transformá-las em código (meio como fazemos aqui com a língua do P).
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65. ‘STEP IN TIME’, de Mary Poppins (1961)
Com Dick van Dyke, Julie Andrews e elenco. Direção: Robert Stevenson. Coreografia: Marc Breaux e Dee Dee Wood. Canção de Richard M. Sherman e Robert B. Sherman.
Como as pessoas nas casas embaixo não reclamavam do barulho do incrível sapateado dos limpadores de chaminés em seus telhados? Deve fazer parte da magia de Mary Poppins, mas o fato é que a coreografia de extremo vigor tem poucas competidoras no quesito animação. A participação de Julie Andrews, na segunda metade do número, dá um charme extra e mil rodopios extras.
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64. ‘THINK’, de Os Irmãos Cara de Pau (1980)
Com Aretha Franklin, Matt Murphy, Carolyn Franklin, Brenda Bryant Corbett, Margaret Branch, Lou Marini, John Belushi, Dan Aykroyd. Direção: John Landis. Coreografia: Carlton Johnson. Canção de Ted White e Aretha Franklin.
A inigualável Aretha Franklin faz uma participação enérgica no filme com nova versão de seu sucesso de 1968. No restaurante meio fuleira do casal, Aretha dá uma prensa no maridão, Matt “Guitarra” Murphy, quando os Blues Brothers aparecem para convocá-lo (e ao sax “Blue” Lou Marini) para voltar à banda. Daqui a pouco, o plano que abre das três garotas do coro para os Blues Brothers participando da coreografia. E, sobre o balcão, Lou Marini fazendo uns passinhos. Tudo muito divertido.
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63. ‘EPILOGUE’, de La La Land — Cantando Estações (2016)
Com Emma Stone e Ryan Gosling. Direção: Damien Chazelle. Coreografia: Mandy Moore. Canção de Justin Hurwitz.
À moda de Sinfonia de Paris (1951), La La Land reservou uma fantasia musical para seu clímax. Aqui, ao reencontrar o amor do passado, a personagem de Emma Stone reimagina a própria história desde o momento em que o conheceu, mas com mudanças em que eles terminam juntos. Como o sonho é dela, ele é que abre mãos dos seus sonhos para segui-la. Diversos segmentos embalados em rebuscamento visual e citações de musicais clássicos. É lindo e é triste: uma lembrança do que poderia ter sido.
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62. ‘AQUARIUS’, de Hair (1979)
Com Renn Woods e elenco. Direção: Milos Forman. Coreografia: Twyla Tharp. Canção de Galt McDermot, Gerome Ragni e James Rado.
A música mais famosa de Hair é uma declaração filosófica na abertura, estabelecendo o que virá pela frente. O que acontecia no palco, ali ganhava o Central Park, com coreografia que inclui ironias contra a autoridade (os hippies fazendo os cavalos dos policiais dançarem). Os protagonistas do filme aparecem no número, mas sem cantar ou dançar. Quem canta é Renn Woods, com flores no cabelo (como mandava aquela canção de Scott McKenzie, mesmo que fosse sobre San Francisco e não Nova York) e câmera sempre girando em torno, ela que havia feito Raízes em 1977, na TV.
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61. ‘STORMY WEATHER’, de Tempestade de Ritmos (1943)
Com Lena Horne e Katherine Dunham. Direção: Andrew L. Stone. Direção de dança: Nick Castle. Coreografia: Clarence Robinson. Canção de Harold Arlen e Ted Koehler.
A espetacular Lena Horne foi outra vítima do racismo em Hollywood. Grande cantora e muito linda, era relegada pela MGM a participações como cantora nos filmes, para que os números pudessem simplesmente ser cortados quando exibidos para as plateias racistas do sul dos Estados Unidos. Por isso, ela raramente teve a chance de ter um papel, muito menos de protagonista. Isto aconteceu em filmes como este, com elenco negro, dirigido a um “público negro”. Sua interpretação definitiva de “Stormy weather” mostra o que o cinema muitas vezes preferiu perder. O número tem aquela curiosidade de passar de um palco para uma realidade fantasiosa que não caberia num ambiente fechado. É onde aparece a dança de Katherine Dunham. Um dos grandes nomes negros da dança também como coreógrafa, ela fez carreira acadêmica no campo da antropologia da dança.
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AQUAMAN (James Wan, 2018)
⭐⭐⭐
Diário de Filmes 2019: 15
Finalmente parece que alguém estava se divertindo num filme do Universo DC. Aquaman não sai muito do mediano, perdendo tempo como um sub-Indiana Jones em certo momento, abusando das bobagens no roteiro e se afundando numa exagerada megabatalha final. Mas tem um protagonista que tira onda, abraça sua estética muito kitsch e isso rende algumas risadas.
Julie Andrews em “I have confidence in me”, de “A Noviça Rebelde” (1965)
80. ‘SPRINGTIME FOR HITLER/ HEIL MYSELF’, de Os Produtores (2005)
Com John Barrowman, Gary Beach, Uma Thurman e coro. Direção e coreografia: Susan Stroman. Canção de Mel Brooks.
Uma ridicularização implacável do nazismo na figura de um musical da Broadway que o glorifica, a primeira parte é a refilmagem encorpada do número do filme original de 1968, Primavera para Hitler. Quando Hitler entra em cena, interpretado na peça pelo diretor gay Roger DeBris (por sua vez, vivido por Gary Beach), é a parte nova para Os Produtores e igualmente antológica e hilariante. O uso da expressão “Heil myself” é um tributo de Brooks a Ernst Lubitsch, que sacaneou Hitler com essa expressão em Ser ou Não Ser (1942), refilmado em 1983 como Sou ou Não Sou, com o próprio Mel Brooks no papel principal.
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79. ‘WE BOTH REACHED FOR THE GUN’, de Chicago (2002)
Com Richard Gere, Renée Zellweger, Christine Baranski. Direção e coreografia: Rob Marshall. Canção de John Kander e Fred Ebb.
Primor de metáfora, uma coletiva de imprensa manipulada por um advogado espertalhão é retratada como um show de ventriloquismo e marionetes, através de um delicioso ragtime, ritmo muito identificado com a época em que o filme se passa. Como acontece na narrativa de Chicago, o filme alterna entre o registro realista e o de fantasia, como musical.
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78. ‘THE RAIN IN SPAIN’, de My Fair Lady — Minha Bela Dama (1964)
Com Audrey Hepburn (com voz de Marni Nixon), Rex Harrison e Wilfrid Hyde-White. Direção: George Cukor. Coreografia: Hermes Pan. Canção de Frederick Loewe e Alan Jay Lerner.
Massacrada pelo tirânico professor de fonética, a florista pobre Eliza Doolittle finalmente consegue articular uma frase corretamente: “The rain in Spain stays mainly in a plain”. A euforia que toma conta de todos é um momento muito especial de My Fair Lady e o ponto de virada da trama da florista que o professor quer fazer virar dama.
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77. ‘THEY ALL LAUGHED’, de Vamos Dançar? (1937)
Com Ginger Rogers e Fred Astaire. Direção: Mark Sandrich. Coreografia: Hermes Pan e Harry Losee. Canção de George Gerswhin e Ira Gershwin.
Na trama de Vamos Dançar?, Fred dança balé clássico e finge que é russo. O encontro com Ginger é o choque de dois mundos, e esse choque acontece para valer em “They all laughed”, delicinha de canção dos Gershwin. Ginger canta na primeira parte, depois os dois se estranham na dança, depois Fred mostra quem é e o que sabe. Depois, o que vem é magia.
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76. ‘A HARD DAY’S NIGHT’, de A Hard Day’s Night (1964)
Com The Beatles. Direção: Richard Lester. Canção de John Lennon e Paul McCartney.
A abertura de A Hard Day’s Night é antológica, reproduzindo a histeria da beatlemania com toques de nonsense e dando o tom do que virá no filme: a reprodução cômica do que seria um dia no cotidiano agitado dos Beatles, com um ar meio de documentário. O apuro visual de Richard Lester fez essas imagens ficarem clássicas.
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75. ‘JUMPIN JIVE’, de Tempestade de Ritmos (1943)
Com Cab Calloway e os Nicholas Brothers. Direção: Andrew L. Stone. Direção de dança: Nick Castle. Coreografia: Clarence Robinson. Canção de Cab Calloway, Jack Palmer e Frank Froeba.
Você nunca vai ver no cinema alguma coisa igual aos Nicholas Brothers. De uma agilidade inacreditável eles faziam coisas que nem superstars do calibre de Ferd Astaire e Gene Kelly se atreviam. Infelizmente, o racismo jogava contra: para não incomodar as plateias segregacionistas de alguns estados, os grandes filmes reservavam a eles apenas participações especiais, que podiam ser cortadas nas exibições nesses lugares. Eles tinham melhor espaço em filmes de elenco negro e destinados ao público negro como este Tempestade de Ritmos. Antecedidos pelo inimitável Cab Calloway, os Nicholas sapateiam e saltam um sobre o outro, saltam por cima da orquestra, saltam subindo e descendo uma escada. Um assombro.
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74. ‘BLACK BOYS/ WHITE BOYS’, de Hair (1979)
Com Laurie Beechman, Debi Dye, Ellen Foley, Johnny Maestro, Fred Ferrara, Jim Rosica, Vincent Carella, Nell Carter, Charlayne Woodard, Trudy Perkins, Chuck Patterson, H. Douglas Berring, Russell Costen, Kenny Brawner e The Stylistics. Direção: Milos Forman. Coreografia: Twyla Tharp. Canção de Galt McDermot.
O número mais irreverente e iconoclasta de Hair faz um paralelo genial entre garotas num parque falando abertamente sobre seus desejos a respeito de rapazes de outra cor… e militares numa junta de alistamento avaliando os novos recrutas. A seriedade na face de alguns dos militares enquanto cantam o que cantam dá ainda mais graça à coisa toda.
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73. ‘SUDDENLY SEYMOUR’, de A Pequena Loja dos Horrores (1986)
Com Rick Moranis, Ellen Greene, Michelle Weeks, Tichina Arnold e Tisha Campbell-Martin. Direção: Frank Oz. Coreografia: Pat Garrett. Canção de Alan Menken e Howard Ashman.
Dois sofredores do mundo, o funcionário de uma floricultura testemunha o desencanto da mulher que ama, mas que só se envolve com homens abusivos. Sua declaração de amor é uma pérola de sentimento dentro da galhofa deste ótimo musical cômico. Rick Moranis está ótimo, mas Ellen Greene (reprisando seu papel dos palcos) é sensacional.
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72. ‘ANOTHER DAY OF SUN’, de La La Land — Cantando Estações (2016)
Com Reshma Gajjar, Hunter Hamilton, Damian Gomez, Candice Coke e elenco (vozes de Angela Parrish, Nick Baxter, Marius De Vries, Briana Lee e Sam Stone). Direção: Damien Chazelle. Coreografia: Mandy Moore. Canção de Justin Hurwitz, Benj Pasek e Justin Paul.
Quantos sonhos a chatice de um engarramento esconde? Em outro dia comum de sol e carros parados em Los Angeles, as aspirações ganham vida quando os motoristas saem de seus carros e começam a contar daquilo que os levaram até a cidade: o sonho de vencer em Hollywood. Filmado numa autoestrada real, com três planos-sequência com cortes escondidos para que pareça tudo um único plano. É uma declaração de intenções do filme: abrindo com este número, sem qualquer dos personagens principais, já estão aqui o estilo narrativo, o estilo visual e o tema central.
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71. ‘I HAVE CONFIDENCE’, de A Noviça Rebelde (1965)
Com Julie Andrews. Direção: Robert Wise. Coreografia: Marc Breaux e Dee Dee Wood. Canção de Richard Rogers e Oscar Hammerstein II.
O carisma avassalador de Julie é combinado com a paisagem de tirar o fòlego de Salzburgo, captada através dos enquadramentos rigorosos e incríveis de Wise. Reparem, no começo, o recuo da câmera que mostra que a fraulein Maria está enquadrada entre as grades do portão. Ou quando ela vem do fundo do quadro, com os prédios ao fundo, e a câmera faz outro recuo para mostrar o ônibus para onde ela vai. Ou ela cantando na janela, com a paisagem refletida no outro vidro. Ou quando ela desde do ônibus e dá meia volta indo para o fundo do quadro. Fora a música, um canto de otimismo com violão na mão e saltinhos meio desengonçados no ar, que começa na dúvida e termina na autoconfiança plena.
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VISAGES VILLAGES (Agnes Varda e JR, 2017)
⭐⭐⭐⭐
Diário de Filmes 2019: 13
JR é um fotógrafo e artista plástico que gosta de fazer murais com fotos gigantes. A veterana Agnes Varda é uma das grandes cineastas do mundo. Essa dupla improvável viaja por vilarejos franceses para registrar as pessoas, conhecê-las e trocar impressões. Funciona bastante bem, com um olhar carinhoso para as pessoas comuns, retratados em sua grandeza nos murais que vão ficando pelo caminho.
VIVA – A VIDA É UMA FESTA (Lee Unkrich e Adrian Molina, 2017)
⭐⭐⭐⭐½
Diário de Filmes 2019: 12
É sempre um prazer rever a bela animação da Disney, que imagina um mundo dos mortos e trata da importância da saudade.
Para mais, leia minha crítica do filme.
E leia também minha matéria sobre a arquitetura do filme na revista AE.
O PEQUENO PRÍNCIPE (Mark Osborne, 2015)
⭐⭐⭐⭐
Diário de Filmes 2019: 10
Fazer uma adaptação do clássico de Saint-Exupéry em que metade ou mais da metade é uma história nova e moderna é uma temeridade. Mas funciona aqui – e bem. O filme consegue vincular as duas tramas, fazer uma influenciar a outra e as demarca com inteligência através do uso de duas técnicas de animação diferentes. A parte moderna, em CGI; a adaptação direta do livro, em stop-motion com papel. A reta final é o resgate da infância para uma menininha muito adulta (em “um mundo que ficou adulto demais”) e um tom de aventura, mas sem perder a obra original de vista.
Natalie Wood em “I feel pretty”, de “Amor, Sublime Amor” (1961)
90. ‘NOW YOU HAS JAZZ’, de Alta Sociedade (1956)
Com Bing Crosby e Louis Armstrong. Direção: Charles Walters. Canção de Cole Porter.
Dois monstros sagrados da música popular, Bing Crosby e Louis Armstrong, ensinando o que é o jazz. Não há professores melhores. Bing interpreta um personagem, mas Louis interpreta ele mesmo, como o parceiro faz questão de mostrar quando apresenta a banda: “E ouçam, bem, vocês sabem quem”.
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89. ‘BE A CLOWN’, de O Pirata (1940)
Com Judy Garland e Gene Kelly. Direção: Vincente Minnelli. Direção de dança: Robert Alton, Gene Kelly. Canção de Cole Porter.
Gene e Judy subvertem o esperado final glamouroso do filme com um divertidíssimo número de palhaços — um ” anti Fred & Ginger”. É a reprise de uma canção que é cantada antes no filme por Gene e os Nicholas Brothers. E foi copiada na cara dura por Arthur Freed e Nacio Herb Brown para o espetacular “Make’em laugh” de Cantando na Chuva (1952).
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88. ‘LA VIE BOHEME’, de Rent — Os Boêmios (2005)
Com Taye Diggs, Anthony Rapp, Idina Menzel, Adam Pascal, Jesse L. Martin, Rosario Dawson, Wilson Jermaine Heredia, Tracie Thoms, Shaun Earl. Direção: Chris Columbus. Coreografia: Keith Young. Canção de Jonathan Larson e Billy Aronson.
Dividido em A e B, com outras cena no meio, esse número é uma celebração da boemia, da arte, da igualdade de direitos e do sexo sem culpa, com um número sem referências na letra e uma grande agitação rebelde em cena, com grandes passagens como “sermos ‘nós’, pelo menos uma vez, em vez de ‘eles'” ou, no meio da confusão, os personagens principais todos juntos para cantarem “não morrer da doença” (a Aids).
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87. ‘I DREAMED I DREAM’, de Os Miseráveis (2012)
Com Anne Hathaway. Direção: Tom Hooper. Coreografia: Liam Steel. Canção de Herbert Kretzmer, Claude-Michel Schönberg e Alain Boublil.
A decisão de gravar os vocais aos vivo (em vez de filmar sobre o áudio já gravado antes) captou uma interpretação visceral de Anne Hathaway da mais doída das canções de Os Miseráveis e talvez de todos os musicais (“Eu tinha um sonho de como seria minha vida/ Tão diferente deste inferno em que vivo”). São quatro minutos de cortar o coração e que renderam a ela um Oscar — e com toda a justiça.
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86. ‘OS QUINDINS DE IAIÁ’, de Você Já Foi à Bahia? (1945)
Com Aurora Miranda, Almirante, Aloysio de Oliveira e as vozes de Clarence Nash e José Oliveira. Direção: Norman Ferguson. Coreografia: Billy Daniel, Aloysio de Oliveira. Canção de Ary Barroso.
Zé Carioca apresenta a Bahia ao Pato Donald e ele cai de amores pela baiana que vende quindins. Essa baiana é a maravilhosa Aurora Miranda, irmã de Carmen, e a cantora original de “Cidade maravilhosa”, entre outras canções. O malandro é Almirante e o sujeito das tangerinas é Aloysio de Oliveira. Muito divertido, usando e abusando da interação entre atores reais e desenhos animados, do delírio inspirado pela música e com a própria Salvador sendo posta para dançar no final. (No vídeo abaixo, o número começa aos 2min30seg).
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85. ‘THE TYPEWRITER’, de Errado pra Cachorro (1963)
Com Jerry Lewis. Direção: Frank Tashlin. Música de Leroy Anderson.
“The typewriter” é uma peça para máquina de escrever e orquestra (de verdade) que Jerry Lewis transformou em um delicioso show de pantomima com um instrumento invisível. Ele o faz neste grande momento de Errado pra Cachorro e o repetiu em apresentações ao vivo e em programas de televisão.
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84. ‘LE JAZZ HOT’, de Victor ou Victoria (1982)
Com Julie Andrews. Direção: Blake Edwards. Coreografia: Paddy Stone. Canção de Henri Mancini e Leslie Bricusse.
Julie Andrews é uma cantora que finge ser um homem que faz um show de travesti. E este número é sua entrada triunfal, que dá um nó na cabeça de quem não conhece o seu segredo. Julie, com muito mais malícia do que em seus papéis icônicos de Mary Poppins ou fraulein Maria.
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83. ‘I FEEL PRETTY’, de Amor, Sublime Amor (1961)
Com Natalie Wood (com voz de Marni Nixon), Suzie Kaye, Yvonne Wilder e Joanne Miya. Direção: Robert Wise e Jerome Robbins. Coreografia: Jerome Robbins. Canção de Leonard Bernstein e Stephen Sondheim,.
Na volta do intervalo do filme, Maria canta sua felicidade, de como o amor a faz sentir mais bonita, enquanto as colegas de trabalho na loja de costura acham que ela ficou doida. Os exageros são uma delícia: “Miss América já pode renunciar”, “um comitê deveria ser formado para me homenagear”, “a cidade deveria me dar a chave”. Capitaneando tudo, todo o charme e talento de Natalie Wood.
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82. ‘YOU CAN’T STOP THE BEAT’, de Hairspray — Em Busca da Fama (2007)
Com Nikki Blonsky, Zac Efron, Amanda Bynes, Elijah Kelley, John Travolta, Queen Latifah. Direção e coreografia: Adam Shankman. Canção de Scott Wittman e Marc Shaiman.
O gran finale de Hairspray é a subversão de um concurso de popularidade da TV onde gordos e negros viram protagonistas e derrubam o racismo da emissora. “This is the future”, sentencia o apresentador num palco que une dançarinos negros e brancos. Embalando isso, a incrível vibração que é a marca desse musical, com uma música irresistível.
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81. ‘GOIN’ CO’TIN’, de Sete Noivas para Sete Irmãos (1954)
Com Jane Powell, Jeff Richards, Russ Tamblyn, Tommy Rall, Marc Platt, Matt Mattox e Jacques d’Amboise. Direção: Stanley Donen. Coreografia: Michael Kidd. Canção de Gene de Paul e Johnny Mercer.
Jane Powell está decidida a civilizar seus seis cunhados brutamontes. E um dos passos é ensiná-los a paquerar as moças da cidade. E, além das várias estratégias para usar naquele cafundó do velho oeste, existe a dança. E, como é um musical da Metro, é a aula de dança mais rápida e maravilhosa de todos os tempos. Conhecimento que eles vão usar em seguida, naquele número absolutamente sensacional que todos sabemos qual é.
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Emma Stone, Jessica Rothenberg, Sonoya Mizuno e Callie Hernandez, em “Somewhere in the crowd”, de “La La Land – Cantando Estações” (2017)
110. ‘PART OF YOUR WORLD’, de A Pequena Sereia (1989)
Com Jodi Benson. Direção: John Musker e Ron Clements. Canção de Alan Menken e Howard Ashman.
A melhor das canções “eu quero” das animações da Disney: em uma belíssima animação à mão, Ariel mostra seu refúgio secreto com sua coleção de objetos da superfície que atiçam sua curiosidade por esse lugar onde “os pais não repreendem as filhas”.
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109. ‘TICO-TICO NO FUBÁ’, de Alô, Amigos! (1942)
Com José Oliveira. Direção: Wilfred Jackson, Jack Kinney, Hamilton Luske e Bill Roberts. Canção de Zequinha de Abreu.
No Brasil, Zé Carioca apresenta o samba ao Pato Donald, numa combinação magistral do clássico “Tico-tico no fubá” e uma inspirada animação dos estúdios Disney, em que o cenário do Rio de Janeiro vai se desenhando à frente dos personagens.
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108. ‘I’M THRU WITH LOVE’, de Quanto Mais Quente Melhor (1959)
Com Marilyn Monroe. Direção: Billy Wilder. Canção de Matt Malneck, Fud Livingston e Gus Kahn.
“Estou cansada do amor”, canta Marilyn num momento baixo astral de sua personagem. A canção dos anos 1930 está conectada à época em que o filme se passa. A interpretação de Sugar Kane comove Joe, o personagem de Tony Curtis, que acaba revelando seu disfarce de Josephine — de uma maneira e tanto.
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107. ‘MOVIN’ RIGHT ALONG’, de O Mundo Mágico dos Muppets (1979)
Com Jim Henson e Frank Oz. Direção: James Frawley. Canção de Paul Williams e Kenny Archer.
Dois muppets cruzando a América a bordo de um Studebaker: Caco, o Sapo (nada de Kermit aqui) e o urso Fozzy viajam para Los Angeles para trabalhar no mundo do entretenimento. Carisma não falta, de jeito nenhum. O filme era um prólogo do The Muppet Show, da TV, mostrando como os personagens se conheceram.
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106. ‘SOMEONE IN THE CROWD’, de La La Land — Cantando Estações (2016)
Com Callie Hernandez, Sonoya Mizuno, Jessica Rothenberg e Emma Stone. Direção: Damien Chazelle. Coreografia: Mandy Moore. Canção de Justin Hurwitz, Benj Pasek e Justin Paul.
A primeira metade desse número é uma obra-prima: sem cortes, freneticamente através dos cômodos da casa, cada um com uma cor dominante, assim como os vestidos das moças. Um show de direção e coreografia parta ver e rever sempre.
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105. ‘CHIM-CHIM CHEREE’, de Mary Poppins (1964)
Com Dick van Dyke, Julie Andrews, Karen Dotrice e Matthew Garber. Direção: Robert Stevenson. Coreografia: Marc Breaux e Dee Dee Wood. Canção de Richard M. Sherman e Robert B. Sherman.
Para tranquilizar os irmãos assustados e perdidos, o agora limpador de chaminés Bert os leva para casa e mostra, na companhia de Mary Poppins, a beleza de Londres à noite vista dos telhados. A canção ganhou o Oscar daquele ano.
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104. ‘TWIST AND SHOUT’, de Curtindo a Vida Adoidado (1986)
Com Matthew Broderick (voz de John Lennon). Direção: John Hughes. Coreografia: Kenny Ortega. Canção de Bert Berns e Phil Medley.
“O que você acha que o Ferris vai fazer agora?”. É a pergunta a ser feita durante todo o Curtindo a Vida Adoidado. Neste momento do filme, ele já está sobre um carro alegórico da Von Steuben Day Parade (que, aliás, existe mesmo: é realizada anualmente em Chicago em homenagem a um barão da Prússia que deu uma força aos americanos na guerra pela independência). Sua dublagem da canção dos Beatles é tão contagiosa que faz dançar todo mundo em volta. Até quem não era ator ou figurante contratado, como os trabalhadores nos andaimes e o lavador de janelas, que se deixaram embalar pela música e foram filmados pela câmera de John Hughes.
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103. ‘THE SPANISH INQUISITION’, de A História do Mundo – Parte I (1981)
Com Mel Brooks, Jackie Mason e Ronny Graham. Direção: Mel Brooks. Coreografia: Alan Johnson. Canção de Mel Brooks e Ronny Graham.
Usar o musical como forma de demolir uma instituição é um talento particular de Mel Brooks. Aqui, o alvo é a inquisição espanhola, onde as maiores atrocidades são narradas sob o ponto de vista de saltitantes religiosos liderados por Mel em pessoa, que tentam converter judeus com citações a O Poderoso Chefão e Busby Berkeley, frades com joelhos à mostra, freiras nadadoras. Antológico.
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102. ‘SOBBIN’ WOMEN’, de Sete Noivas para Sete Irmãos (1954)
Com Howard Keel, Jeff Richards, Russ Tamblyn, Tommy Rall, Marc Platt, Matt Mattox e Jacques d’Amboise. Direção: Stanley Donen. Coreografia: Michael Kidd. Canção de Gene de Paul e Johnny Mercer.
Ao ver seus seis irmãos de baixo astral porque a paquera com seis garotas da cidade acabou numa monumental briga com outros seis caras, o irmão mais velho Adam ajuda como pode: contando a história que aprendeu num livro, a dos romanos que simplesmente raptaram mulheres sabinas e que, com o tempo, elas acabaram gostando dos raptores (ele confunde “sabine women” com “sobbin’ women”, “chorosas”). Logo, se está na história, basta fazer o mesmo, não é? Um conselho errado, claro, defendido com vigor e talento.
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101. ‘ISN’T THIS A LOVELY DAY (TO BE CAUGHT IN THE RAIN)?’, de O Picolino (1935)
Com Fred Astaire e Ginger Rogers. Direção: Mark Sandrich. Coreografia: Hermes Pan e Fred Astaire. Direção de dança: William Hetzler. Canção de Irving Berlin.
Uma vez Ginger disse: “Eu fazia tudo o que ele fazia, só que de salto alto”. Aqui, ela não está de salto alto, mas a piada nunca foi tão verdadeira. A brincadeira da cena, depois que Fred tenta quebrar o gelo cantando, é que ela aceita dançar com ele, porém imitando-o. De calças, Ginger faz quase um espelho de Fred, é uma dança de casal que não é de casal. Só no final ele a toma nos braços — mas ela também não deixa de conduzir em um momento.
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Rita Hayworth e Fred Astaire, em “I’m old fashioned”, de “Bonita como Nunca” (1942)
140. ‘WHEN THE MIDNIGHT CHOO-CHOO LEAVES FOR ALABAM’’, de O Mundo da Fantasia (1954)
Com Donald O’Connor e Mitzi Gaynor. Direção: Walter Lang. Coreografia: Robert Alton. Canção de Irving Berlin.
A delicinha Mitzi Gaynor era limitada por seu próprio estúdio, a Fox, cujo alcance nos musicais não era tanto. Mas ela sempre deu conta do recado, e um de seus momentos especialmente divertidos é esse: com Donald O’ Connor, como dois irmãos que trabalham no teatro musical, fazendo uma paródia caseira de um número apresentado no início do filme por Ethel Merman e Dan Dailey, seus pais no filme.
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139. ‘XANADU’, de Xanadu (1980)
Com Olivia Newton-John. Direção: Robert Greenwald. Coreografia: Kenny Ortega. Canção de Jeff Lynne.
Kitsch até dizer chega, explodindo em neon, Xanadu não é lá essas coisas como filme. Mas o momento bem virada anos 1970/ anos 1980 desse nímero, com uma grande música, tem uma Olivia Newton-John cheia de graça, conseguindo aparecer no meio dessa poluição visual de dançarinos, patinadores, equilibristas…
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138. ‘PUTTIN’ ON THE RITZ’, de O Jovem Frankenstein (1974)
Com Gene Wilder e Peter Boyle. Direção: Mel Brooks. Canção de Irving Berlin.
O doutor Frankenstein vai mostrar sua criatura ao público, seu prodígio científico. E como ele faz isso? Num palco, cantando e dançando com ela um clássico de Irving Berlin! Puro Mel Brooks, um apaixonado por musicais que sempre dava espaço para um número em seus filmes.
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137. ‘AUDITION (THE FOOLS WHO DREAM)’, de La La Land — Cantando Estações (2016)
Com Emma Stone. Direção: Damien Chazelle. Canção de Justin Hurwitz, Benj Pasek e Justin Paul.
Mia conta uma história de sua tia em Paris, que se torna um hino aos “tolos que sonham” — ela própria inclusa. Uma transição delicada e perfeita do diálogo para a canção, do cenário para apenas Emma Stone num foco de luz e uma câmera que, lentamente, vai até ela, dá a volta por trás dela e retorna ao ponto principal. Se feito com talento, não precisa muito mais que isso pra ser brilhante e inesquecível.
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136. ‘I’M OLD FASHIONED’, de Bonita como Nunca (1942)
Com Rita Hayworth (voz de Nan Wynn) e Fred Astaire. Direção: William A. Seiter. Diretor de dança: Val Raset. Coreografia: Fred Astaire e Nicanor Molinare. Canção de Jerome Kern e Johnny Mercer.
Bonita como Nunca foi o segundo e último filme estrelado por Astaire e Rita Hayworth, mostrando de novo que eles eram perfeitos juntos. É charme que não acaba mais e um final gracinha.
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135. ‘I’M WISHING/ ONE SONG’, de Branca de Neve e os Sete Anões (1937)
Com Adriana Caselotti e Harry Stockwell. Direção: David Hand. Canções de Frank Churchill e Larry Morey.
Sim, claro, é datado: a princesa esperando pelo seu príncipe que vai resgatá-la. Deem um desconto, é 1937. A canção se tornou um ícone que resiste, graças à elegância de uma animação que ainda bota no bolso a maioria do que é feito hoje e a encenação graciosa com o eco do poço e ao pássaro que leva o beijo da Branca de Neve ao príncipe.
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134. ‘IF I ONLY HAD A NERVE/ WE’RE OFF TO SEE THE WIZARD’, de O Mágico de Oz (1939)
Com Bert Lahr, Judy Garland, Ray Bolger, Jack Haley e a voz de Buddy Ebsen. Direção: Victor Fleming. Canção de E.Y. Harburg e Harold Arlen.
Depois de “If I only had a brain”, com o Espantalho, e “If I only had a heart”, com o Homem de Lata, é a vez do Leão covarde cantar sua canção. A diferença é que ela emenda com a icônica “We’re off to see the wizard” (onde a voz do Homem de Lata ainda é a de Buddy Ebsen, que teve alergia à maquiagem e foi substituído na filmagem por Jack Haley). “We’re off to see the wizard” já havia sido cantada três vezes antes, mas esta é a primeira em que estão os quatro juntos, por isso é um momento marcante.
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133. ‘SHALL WE DANCE?’, de Vamos Dançar (1937)
Com Fred Astaire e Ginger Rogers. Direção: Mark Sandrich. Coreografia: Hermes Pan. Canção de George Gershwin e Ira Gershwin.
Depois de ter perdido Ginger, o personagem de Fred lida com isso apresentando um número com várias dançarinas usando máscaras da amada. O que ele não espera é que a verdadeira está lá e ele vai ter que encontrá-la para fazerem, como sempre, mágica juntos. É o delicioso final de Vamos Dançar?, candidato a melhor filme da maior dupla de dançarinos do cinema.
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132. ‘HELLO, DOLLY’, de Alô, Dolly (1969)
Com Barbra Streisand e Louis Armstrong. Direção: Gene Kelly. Coreografia: Michael Kidd. Canção de Jerry Herman.
O grande momento (grande mesmo: mais de sete minutos) de Alô, Dolly, em que a casamenteira atrevida é recebida com pompa e circunstância no restaurante pela infinidade de garçons do lugar. A cereja é a pequena participação do gigante Louis Armstrong. O vídeo abaixo infelizmente não mostra o número todo, mas a canção dá pra ouvir aqui.
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131. ‘CHANSON D’UN JOUR D’ÉTÉ’, de Duas Garotas Românticas (1967)
Com Catherine Deneuve (com voz de Anne Germain) e Françoise Dorléac (com voz de Claude Parent). Direção: Jacques Demy. Coreografia: Norman Maen. Canção de Michel Legrand.
Irmãs no filme e na vida real e irresistíveis, Deneuve e Françoise Dorleac fazem essa apresentação no palco de uma quermesse. Quem resiste quando, no refrão, elas esquecem a plateia e cantam para nós, do outro lado da câmera? Demy namora muito o musical hollywoodiano nesse filme.
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“Once upon a dream”, de “A Bela Adormecida” (1959)
170. ‘YOUR SONG’, de Moulin Rouge — Amor em Vermelho (2001)
Com Ewan McGregor e Placido Domingo. Direção: Baz Luhrmann. Canção de Elton John e Bernie Taupin.
Baz Luhrmann exagerando no exagero, mas com essa belíssima canção de Elton John e o talento de McGregor e Kidman, ficou uma bela cena. Não por acaso, a primeira parte, centrada apenas nos atores dentro do quarto, é muito melhor que a segunda.
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169. ‘KISS THE GIRL’, de A Pequena Sereia (1989)
Com Samuel E. Wright. Direção: John Musker, Ron Clements. Canção de Alan Menken e Howard Ashman.
Ariel, a sereia, trocou sua bela voz por pernas para conhecer o mundo da superfície. Como num conto clássico, um beijo pode quebrar o encanto. Mas a falta de conversa atravanca o romance e os amigos animais tentam criar o clima para o beijo acontecer.
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168. ‘PIRUETAS’, de Os Saltimbancos Trapalhões (1981)
Com Chico Buarque e Os Trapalhões. Direção: J.B Tanko. Canção de Chico Buarque, Sergio Bardotti e Luis Enriquez Bacalov.
O amor pelos cirquinhos transpira nesse número que entra no filme como a viga principal da lona. Mesmo que o intervalo tenha cheirim de macarrão. Chico cantando com os Trapalhões é um incrível e saboroso encontro de dois mundos.
(No vídeo, número em 32min)
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167. ‘SINGIN’ IN THE RAIN’, de Um Amor de Pequena (1940)
Com Judy Garland. Direção: Norman Taurog. Canção de Arthur Freed e Nacio Herb Brown
Antes de Gene Kelly, “Singin’ in the rain” já era um sucesso cantado diversas vezes no cinema. E uma especial teve como uma protagonista toda faceira a “pequena com uma grande voz”: Judy Garland aos 17.
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166. ‘BOOGIE WOOGIE BUGLE BOY OF COMPANY B’, de Ordinário, Marche! (1941)
Com The Andrew Sisters. Direção: Arthur Lubin. Direção de dança: Nick Castle. Canção de Don Raye e Hugh Prince.
O filme da dupla cômica Abbott e Costello abriu espaço para um número de baixo orçamento, mas muito charme, com as Andrew Sisters lançando aqui esse clássico absoluto.
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165. ‘SKIP TO MY LOU’, de Agora Seremos Felizes (1944)
Com Judy Garland, Lucille Bremer, Tom Drake, Henry H. Daniels Jr. e elenco. Direção: Vincente Minnelli. Coreografia: Charles Walters. Canção de Hugh Martin e Ralph Blane.
Agora Seremos Felizes foi um marco por ser um musical que não era uma trama de bastidores: os protagonistas eram uma família comum na St. Louis de 1903. E esta cena reflete isso: uma festa caseira, com músicas tradicionais, que vira um número musical lindamente coreografado e filmado em apenas quatro planos.
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164. ‘THE LUMBERJACK SONG’, de E Agora, para Algo Completamente Diferente (1971)
Com Michael Palin e The Fred Tomlinson Singers. Direção: Ian MacNaughton. Canção de Michael Palin, Terry Jones e Fred Tomlinson.
O lenhador machão que canta seu cotidiano abraçado à sua beldade loura e acompanhado por um coro da polícia montada canadense é, originalmente, um número da série Monty Python’s Flying Circus. Mas vários quadros foram refilmados para este primeiro filme do grupo inglês. O mais engraçado são os guardas surpreendidos e se entreolhando durate a canção. Oh, Beavis, nós achávamos que você era durão!
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163. ‘SO NEAR AND YET SO FAR’, de Ao Compasso do Amor (1941)
Com Fred Astaire e Rita Hayworth. Direção do filme: Sidney Lanfield. Coreografia: Robert Alton. Canção de Cole Porter.
Rita Hayworth foi uma das melhores parceiras de Fred Astaire, em dois filmes na Columbia. Rita com a responsabilidade cruel e suceder Ginger Rogers (cuja parceria com Astaire havia acabado dois anos antes): dançando demais, linda de morrer e antes ainda de virar um sex symbol supremo com Gilda, diga-se.
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162. ‘ONCE UPON A DREAM’, de A Bela Adormecida (1959)
Com Mary Costa e Bill Shirley. Direção: Clyde Geronimi. Canção de Sammy Fain e Jack Lawrence, baseado em Tchaikovsky.
Uma das animações mais lindas da Disney, a conclusão de uma era de ouro do estúdio, tem essa cena que é uma canção de “eu quero”, baseada no balé A Bela Adormecida de Tchaikovsky, e que é também um espécie de releitura de “Some day my prince will come”, de Branca de Neve e os Sete Anões. Visualmente é espetacular.
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161. ‘SHOES WITH WINGS ON’, de Ciúme, Sinal de Amor (1949)
Com Fred Astaire. Direção do filme: Charles Walters. Coreografia: Hermes Pan. Canção de Harry Warren e Ira Gershwin.
Fred Astaire gostava de experimentar com efeitos especiais. Aqui, ele trava um duelo de sapateado com vários pares de sapatos.
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Liza Minnelli e Joel Grey em “Money, money”, de “Cabaret” (1972)
180. ‘ON MY OWN’, de Os Miseráveis (2012)
Com Samantha Barks. Direção: Tom Hooper. Canção de Herbert Kretzmer, Claude-Michel Schönberg e Alain Boublil.
Eponine cai em si, debaixo d’água: o alvo de sua paixão ama outra. O mundo dela vai mudar para sempre, mas o dele vai continuar. Samantha Barks vem da versão do palco e explora bem o fato de que os vocais foram gravados ao vivo, na filmagem.
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179. ‘MONEY, MONEY’, de Cabaret (1972)
Com Liza Minelli e Joel Grey. Direção: Bob Fosse. Canção de John Kander e Fred Ebb.
Os números no palco, no filme, são comentários da trama. E aqui, Liza e Grey fazem um jocoso canto à grana, que faz o mundo girar.
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178. ‘HERE’S TO LOVE’, de Abaixo o Amor (2003)
Com Ewan McGregor e Renée Zellweger. Direção: Peyton Reed. Canção de Marc Shaiman e Scott Wittman.
Um filme feito como se tivesse sido produzido nos anos 1960 termina com um número musical cheio de graça, como se tivesse sido feito para a TV — se no começo é “abaixo o amor”, agora é “um brinde ao amor”. A produção do filme aproveitou bem o fato de que era estrelado pelo astro de Moulin Rouge e a estrela de Chicago.
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177. ‘CAMELOT SONG (KNIGHTS OF ROUND TABLE)’, de Monty Python em Busca do Cálice Sagrado (1975)
Com Graham Chapman, Eric Idle, John Cleese, Michael Palin, Terry Jones e Terry Gilliam. Direção: Terry Gilliam e Terry Jones. Canção de Graham Chapman, John Cleese e Neil Innes.
Nos anos 1960, Camelot fez sucesso no teatro musical. O Monty Python não deixou passar, na sua versão nonsense da lenda do Rei Arthur. O número é uma farra, com seus cavaleiros “infatigáveis” e que “imitam Clark Gable”. Destaque para o solitário preso à parede, na masmorra, entrando no clima deste “silly place”.
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176. ‘TAKING A CHANCE OF LOVE’, de Uma Cabana no Céu (1943)
Com Ethel Waters, Eddie “Rochester” Anderson e Bill Bailey. Direção: Vincente Minnelli, Busby Berkeley. Canção de Vernon Duke e John La Touche.
A maravilhosa Ethel Waters foi uma grande dama do blues e do jazz, a segunda negra a ser indicada ao Oscar, a primeira a ter seu próprio show de TV e primeira a ser indicada ao Emmy. Foi vítima do racismo em Hollywood, que relegava os negros a pequenos papeis em grandes filmes ou, na melhor das hipóteses, bons papeis em filmes de elenco negro. Aqui, dirigida pelo genial Minnelli, ela mostra seu carisma ao lado do comediante Rochester Anderson. E, se você olhar bem, vai ver Bill Bailey fazendo um moonwalk, 40 anos antes de Michael Jackson.
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175. ‘FASCINATING RHYTHM’, de Se Você Fosse Sincera (1941)
Com Eleanor Powell. Direção: Norman Z. McLeod, Busby Berkeley. Canção de George Gershwin e Ira Gershwin.
Eleanor Powell pode muito bem ser a melhor dançarina de todos os tempos no cinema. Foi estrela de primeira grandeza na Metro dos anos 1930 e 1940. Neste número, a perícia dela e da equipe: ela sapateia para trás, a câmera acompanha, cortinas se abrem revelando um pianista, depois outro. Olho no relógio: São 2 minutos e 50 segundos de dança ininterrupta, coreografia complexa, até vir o primeiro corte. Veja aqui, nesse cena de bastidor, que deu um trabalhinho…
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174. ‘HISTÓRIA DE UMA GATA’, de Os Saltimbancos Trapalhões (1981)
Com Lucinha Lins e os Trapalhões. Direção: J.B. Tanko. Canção de Chico Buarque, Sergio Bardotti e Luis Bacalov.
O filme meio que sabota o número, cortando no meio para mostrar uma cena longe dali, deixando de fora uma estrofe inteira da música. Mas quem resiste ao charme de Lucinha, à anarquia dos Trapalhões, à graça da canção? É uma memória afetiva tão forte na vida de tanta gente.
(No vídeo, número em 39min35s)
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173. ‘FIT AS A FIDDLE’, de Cantando na Chuva (1952)
Com Gene Kelly e Donald O’Connor. Direção: Gene Kelly e Stanley Donen. Canção de Arthur Freed, Al Hoffman e Al Goodhart.
Originalmente de um musical dos palcos de 1932, é o primeiro número musical de Cantando na Chuva (descontando a rápida sequência pré-créditos): uma memória dos personagens de Kelly e O’Connor em um número bem-humorado de vaudeville, os dois cheios de vontade, no começo de carreira. Mas olha como a plateia no filme é exigente!
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172. ‘NOWHERE FAST’, de Ruas de Fogo (1984)
Com Diane Lane (voz de Laurie Sargent). Direção: Walter Hill. Canção de Jim Steinman.
“Uma fábula rock’n’roll”, setencia o filme logo em seu créditos de abertura. E a princesa aparece como a vocalista de uma banda de rock. A deslumbrante Diane Lane dubla, mas a voz é de Laurie Sargent, à frente da banda Fire Inc., que só existiu para gravar as canções deste filme. É uma cena de show, como tantas, mas tem um diretor aí: Walter Hill joga bem demais com os planos e as luzes.
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171. ‘HOLLYWOOD’, de Os Saltimbancos Trapalhões (1981)
Com Lucinha Lins e Os Trapalhões. Direção: J.B Tanko. Canção de Chico Buarque, Sergio Bardotti e Luis Enriquez Bacalov.
O cowboy: “The girl is mine”. Didi: “Cuma?”. Os Trapalhões foram até Hollywood para gravar as cenas deste número. Mas isso é menos importante que a desconstrução que eles fazem do glamour.
(No video, número começa em 59min10s).
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200. ‘PREHISTORIC MAN’, de Um Dia em Nova York (1949)
Com Ann Miller, Gene Kelly, Frank Sinatra, Jules Munshin e Berry Garrett. Direção: Gene Kelly e Stanley Donen. Coreografia: Gene Kelly. Canção de Adolph Green, Betty Comden e Roger Edens.
Em uma das canções feitas diretamente para o filme (parte da trilha original do teatro foi substituída), este é o momento de brilho de Ann Miller. A maravilhosa sapateadora interpreta uma antropóloga que, no Museu de História Natural, se apaixona por um dos três marinheiros porque ele se parece demais com um homem pré-histórico. E canta, sapateia e dá rodopios sobre essa preferéncia bem particular.
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199. ‘PROLOGUE (LITTLE SHOP OF HORRORS)’, de A Pequena Loja dos Horrores (1986).
Com Michelle Weeks, Tichina Arnold e Tisha Campbell-Martin. Direção: Frank Oz. Canção de Howard Ashman e Alan Menken.
Sabe aquele coro que agoura todo mundo nas tragédias gregas? É transformado num girl group estilo Supremes na versão musical escrachada de A Pequena Loja dos Horrores. Atenção: duas das moças do trio no futuro viriam a ser as mães duronas dos sitcons Todo Mundo Odeia o Chris e Eu, a Patroa e as Crianças.
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198. ‘LET’S DO IT (LET’S FALL IN LOVE)’, de De-Lovely – Vida e Amores de Cole Porter (2004).
Com Alanis Morrisette. Direção: Irwin Winkler. Canção de Cole Porter.
Na cinebiografia de Cole Porter, uma de suas canções mais maravilhosas ganha uma interpretação ótima de Alanis Morisette. Primeiro, é uma passagem de tempo: da composição, à escolha da atriz/ cantora, aos ensaios e, finalmente, no fim, o número musical de concretiza.
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197. ‘DO YOU HEAR THE PEOPLE SING?’, de Os Miseráveis (2012).
Com elenco. Direção: Tom Hooper. Canção de Herbert Kretzmer, Claude-Michel Schönberg e Alain Boublil.
Os jovens estudantes tomam as ruas de Paris para começar uma revolução com esta, que é “a canção de um povo que não será mais escravo”.
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196. ‘SALVE REGINA (HAIL HOLY QUEEN)’, de Mudança de Hábito (1992)
Com Whoopi Goldberg, Kathy Najimy, Andrea Robinson e elenco. Direção: Emile Ardolino. Hino mariano.
Há muito carisma no coro da freirinhas de Mudança de Hábito. A transformação do hino religioso em música pop é construída em degraus e é um resumo perfeito do filme.
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195. ‘ELEPHANT LOVE MEDLEY’, de Moulin Rouge – Amor em Vermelho (2001)
Com Ewan McGregor, Nicole Kidman e Placido Domingo. Direção: Baz Luhrmann. Medley com “All you need is love”, de John Lennon e Paul McCartney; “I was made for lovin’ you”, de Paul Stanley, Desmond Child e Vini Poncia; “One more night”, de Phil Collins; “Pride (In the name of love)”, de Bono e The Edge; “Don’t leave me this way”, de Kenny Gamble, Leon Huff e Cary Gilbert; “Silly love songs”, de Paul McCartney e Linda McCartney; “Up where we belong”, de Jack Nitzsche, Buffy Sainte-Marie e Will Jennings; “Heroes”, de David Bowie e Brian Eno; “I will always love you”, de Dolly Parton; “Your song”, de Elton John e Bernie Taupin.
Todo mundo sabe que acho Moulin Rouge superestimado, mas gosto de alguns números: acho criativo esse diálogo que costura trechos de músicas românticas famosas.
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194. ‘I’M PUTTING ALL MY EGGS IN ONE BASKET’, de Nas Águas da Esquadra (1936)
Com Ginger Rogers e Fred Astaire. Direção: Mark Sandrich. Canção de Irving Berlin.
Primeiro tem a canção: uma pérola de Irving Berlin, cantada com a maior classe por Fred. Depois, a dança, que é algo à parte. Não é uma extensão do romantismo da canção, mas um número cômico. E o melhor é que a comédia está quase toda apoiada em Ginger: ela “deixa de acompanhar” as mudanças de passos do parceiro e fica presa em loopings.
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193. ‘THE KING WHO COULDN’T DANCE (THE WORRY SONG)’, de Marujos do Amor (1945)
Com Gene Kelly e Sara Berner. Direção: George Sidney. Coreografia: Gene Kelly e Stanley Donen. Direção de dança: Jack Donohue. Canção de Sammy Fain e Arthur Freed.
Uma das primeiras grandes sequências a misturar um ator real e um desenho animado. E a química entre Gene Kelly e o rato Jerry funciona super bem.
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192. ‘MAMMA MIA’, de Mamma Mia — O Filme (2008)
Com Meryl Streep. Direção: Phyllida Lloyd. Canção de Benny Andersson, Björn Ulvaeus & Stig Anderson.
Muita entrega de Meryl Streep, em um filme irregular, mas que é muito divertido em seus melhores momentos. E a canção-título é o melhor deles.
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191. ‘AND ALL THAT JAZZ’, de Chicago (2002)
Com Catherine Zeta-Jones e Renée Zellweger. Direção: Rob Marshall. Canção de John Kander e Fred Ebb.
A abertura firme e movimentada que condensa Velma Kelly brilhando após ter matado a irmã, Roxie Hart num breve delírio querendo o lugar dela, sexo e mais assassinato.
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26 de julho, há 50 anos: Nasce, em 1967, o ator inglês Jason Statham. Um dos principais astros de filmes de ação no mundo atualmente, ele teve uma parceria de sucesso com o diretor Guy Ritchie, em filmes como Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes (1998). Estrelou a série Carga Explosiva (2002/ 05/ 08), o ótimo Efeito Dominó (2008) e participa das franquias Os Mercenários (2010/ 12/ 14) e Velozes e Furiosos (2013/ 15/ 17).
25 de julho, há 50 anos: Nasce, em 1967, o ator e produtor americano Matt LeBlanc. Para sempre conhecido por interpretar o conquistador bobalhão Joey Tribbiani no seriado Friends (1994-2004), LeBlanc não obteve o mesmo sucesso ao levar o personagem para uma série própria, Joey (2004-2006). Depois de cinco anos sem atuar, voltou bem ao interpretar a si mesmo na série Episodes, que terá sua quinta temporada e pelo qual ganhou o Globo de Ouro de ator em série de comédia ou musical, em 2012. Foi indicado cinco vezes ao Globo de Ouro (duas por Friends, um por Joey e duas por Episodes) e sete vezes ao Emmy (três por Friends, quatro por Episodes).
13 de julho, 75 anos: Nasce, em 1942, o ator americano Harrison Ford. Um dos atores mais populares de todos os tempos, estrelando duas das franquias de maior sucesso do cinema: Star Wars (como Han Solo, aparecendo em quatro filmes) e Indiana Jones (no papel-título, também em quatro filmes). Também protagonizou outros filmes importantes, como Blade Runner, o Caçador de Andróides (1982) e A Testemunha (1985).
A seguir, os meus melhores filmes de 2014, apenas entre os que estiveram em cartaz nos cinemas de João Pessoa. Antes, a numeralha em torno do circuitão pessoense.
– 164 filmes estiveram em cartaz nos cinemas de João Pessoa em 2014 (379 estrearam no Brasil, segundo o levantamento da Abraccine). São 13 a mais que no ano passado, encostando no recorde de 2007 (165), marca de antes do fechamento do primeiro multiplex do MAG. O Boulevard faz esse acompanhamento desde 2006.
– A participação do cinema brasileiro é a melhor de todos os tempos. Chegou a 26,8% dos filmes em cartaz (44 no total). No ano passado, com 32 filmes, o cinema tupiniquim ficou nos 21,2%. Ainda estava bem porque, de 2010 para trás, a conta ficava nos 20 filmes e pouco mais de 10% de filmes em cartaz.
Rosamund Pike em “Garota Exemplar”
1 – GAROTA EXEMPLAR, de David Fincher
Uma trama de mistério que brilha no jogo de entregar e sonegar informação ao espectador. A plateia acompanha o tormento do marido (Ben Affleck) que pode ou não ter matado a esposa (Rosamnd Pike, excelente). E acompanha a leitura do diário dela, antes mesmo dos personagens do filme. Semanas em cartaz: duas. Crítica no Boulevard
Leonardo DiCaprio em “O Lobo de Wall Street”
2 – O LOBO DE WALL STREET, de Martin Scorsese
Scorsese ridiculariza as falcatruas do mercado financeiro e exige o máximo de Leonardo DiCaprio, talvez na melhor interpretação de sua carreira. Alucinado, é como se fosse um filme sob efeito de cocaína. Semanas em cartaz: sete.
Chiwetel Ejiofor e Michael Fassbender em “12 Anos de Escravidão”
3 – 12 ANOS DE ESCRAVIDÃO, de Steve McQueen
O vencedor do Oscar mostra um homem negro que nasceu livre e é sequestrado e vendido como escravo. Sua luta é a de não se tornar um escravo por dentro. Michael Fassbender está assustador. Semanas em cartaz: três. Crítica no Boulevard
Adèle Exarchopoulos e Léa Seydoux em “Azul É a Cor Mais Quente”
4 – AZUL É A COR MAIS QUENTE, de Abdellatif Kechiche
Dormir, comer, amar, chorar, fazer sexo: o filme de Kechiche mostra como que através de um microscópio os muitos detalhes da vida de Adéle, vivida pela revelação Adèle Exarchopoulos. Semanas em cartaz: três.
Bérenice Bejo e Ali Mosaffa em “O Passado”
5 – O PASSADO, de Asghar Farhadi
De novo Farhadi traça filme de mistério e investigação sem sair do drama familiar, com peças a juntar e personagens com algo a esconder. Passou no Festival Varilux e depois entrou em cartaz rapidamente. Semanas em cartaz: uma.
Charis Evans e Scarlett Johansson em “Capitão América 2 – O Soldado Invernal”
6 – CAPITÃO AMÉRICA 2 – O SOLDADO INVERNAL, de Anthony Russo e Joe Russo
O filme tem muita ação e movimento, mas o grande lance é o contraste entre o herói de valores antiquados em um mundo complexo. Semanas em cartaz: sete. Crítica no Boulevard
“Planeta dos Macacos – O Confronto”
7 – PLANETA DOS MACACOS – O CONFRONTO, de Matt Reeves
Esta continuação é tão boa (talvez melhor) que o primeiro filme da retomada da série. Pela primeira vez, um ator em captura de movimento surge em primeiro nos créditos. Com justiça, é Andy Serkis. Semanas em cartaz: cinco.
Cate Blanchett em “Blue Jasmine”
8 – BLUE JASMINE, de Woody Allen
Cate Blanchett foi quase unanimidade como a melhor interpretação feminina de 2013 (o filme só estreou em JP este ano) como a Jasmine, meio Blanche DuBois, de Allen. E ganhou o Oscar de melhor atriz. Semanas em cartaz: três.
Zoe Saldana, Chris Pratt e Dave Bautista em “Guardiões da Galáxia”
9 – GUARDIÕES DA GALÁXIA, de James Gunn
Heróis absolutamente desconhecidos do grande público e nenhum ator famoso, a não ser na dublagem de uma árvore e de um guaxinim. Mas com ritmo e humor, o filme foi um sucesso. E ainda tinha aquele awesome mix!. Semanas em cartaz: cinco. Crítica no Boulevard
Fabio Audi, Tess Amorim e Ghilherme Lobo em “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho”
10 – HOJE EU QUERO VOLTAR SOZINHO, de Daniel Ribeiro
Uma bem sucedida versão em longa-metragem do curta Não Quero Voltar Sozinho, o filme tem um cativante trio de jovens protagonistas e é uma delicado e muito bem narrado conto sobre o primeiro amor. Semanas em cartaz: duas.
Vale lembrar também: Frozen – Uma Aventura Congelante; O Menino e o Mundo; Tatuagem; Uma Aventura Lego; RoboCop; Walt nos Bastidores de Mary Poppins; Eu, Mamãe e os Meninos; Uma Viagem Extraordinária; Em Busca de Iara; Os Filhos do Padre; Praia do Futuro; X-Men – Dias de um Futuro Esquecido; O Mercado de Notícias; Será que?; Magia ao Luar; Tim Maia; Jogos Vorazes – A Esperança: Parte 1.
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MAIS RETROPECTIVA 2014:
De outubro do ano passado até março deste ano, nossos amigos deram notas a todos os filmes que viram e que estiveram comercialmente em cartaz em João Pessoa em 2013. Foram 189, no total. As médias da soma das notas recebidas divididas pelo número de pessoas que viram o filme estabeleceram o resultado que definiram os melhores filmes do ano, segundo a eleição. Veja a seguir o resultado total, com os 130 filmes que atingiram o quórum mínimo de quatro notas. Veja aqui a análise completa, com as estatísticas da eleição.
Mads Mikkelsen e Thomas Bo Larsen, em “A Caça”: o melhor filme do ano
1 – A CAÇA, de Thomas Vinterberg – média 4,5
Um dos criadores do movimento Dogma 95, Thomas Vinterberg não precisou radicalizar para que A Caça conquistasse o posto de melhor filme exibido comercialmente nos cinemas pessoenses em 2013. Mas, curiosamente, essa exibição comercial foi um dia só – em uma mostra chamada “Fugindo do Carnaval”, que já nem teve em 2014. O filme dinamarquês foi crescendo ao longo da votação até ultrapassar Amor na reta final.
Emmanuelle Riva e Jean-Louis Trintignant, em “Amor”
2 – AMOR, de Michael Haneke – média 4,321
Haneke não é diretor de querer emocionar ninguém, mas sua história de um amor doloroso entre octogenários fez isso. Oscar, Globo de Ouro e Bafta de filme de língua não inglesa, e Palma de Ouro em Cannes.
Adam Driver e Greta Gerwig em “Frances Ha”
3 – FRANCES HA, de Noah Baumbach – média 4,294
A doçura deste filme novaiorquino que se derrama pela nouvelle vague provou ser contagiante com a grande maioria dos eleitores que o viu.
Amy Adams, Phillip Seymour Hoffman e Joaquin Phoenix, em “O Mestre”
4 – O MESTRE, de Paul Thomas Anderson – média 4,277
Paul Thomas Anderson mostra sua força como um artista admirado e formador de uma visão poderosa de personagens.
Sandra Bullock, em “Gravidade”
5 – GRAVIDADE, de Alfonso Cuarón – média 4,242
Foi o sucesso da união entre prodígio técnico, emoção e um subtexto existencial que dá um belo suporte à obra. Ganhou sete Oscars este ano.
“Caverna dos Sonhos Esquecidos”
6 – CAVERNA DOS SONHOS ESQUECIDOS, de Werner Herzog – média 4,2
Herzog dirigiu o melhor documentário do ano e ainda mostrou que o 3D pode servir a mais que filmes de ação e animações.
Gael García Bernal, em “No”
7 – NO, de Pablo Larraín – média 4,153
O cinema latino marca presença no top 10 com a visão de um momento histórico aliada a uma sacada visual.
Ben Affleck, em “Argo”
8 – ARGO, de Ben Affleck – média 4,142
O vencedor do Oscar em 2013 enfrentou algumas restrições, mas a reconstituição de um resgate no Irã dos anos 1970 acabou aprovado pela assembleia.
Min-soo Jo e Jung-Jin Lee em “Pieta”
Barbara Sukowa em “Hannah Arendt”
9 – PIETA, de Ki-duk Kim – média 4,125
– HANNAH ARENDT, de Margarethe von Trotta – média 4,125
Empatados em nono lugar, ficaram o pesado drama mãe-filho coreano e a “biografia de uma ideia” (a filósofa alemã desenvolvendo a teoria da banalidade do mal)
Gustavo Jahn e Irma Brown, em “O Som ao Redor”, brasileiro de maior média no ano
Estes próximos quase chegaram ao top 10. Três deles ainda conseguiram fica no grupo da média 4. Inclusive o melhor brasileiro do ano, O Som ao Redor (ele é seguido por dois documentários: O Dia que Durou 21 Anos e Elena). Tarantino e Ron Howard conseguiram emplacar bem seus Django Livre e Rush. O primeiro blockbuster propriamente dito ficou só em 20º este ano (Círculo de Fogo, que é seguido por Além da Escuridão – Star Trek e Jogos Vorazes – Em Chamas).
11 – O Som ao Redor – média 4,12
12 – Os Suspeitos – média 4
– Capitão Phillips – média 4
14 – Django Livre – média 3,945
15 – Rush – No Limite da Emoção – média 3,944
16 – As Vantagens de Ser Invisível – média 3,909
17 – O Dia que Durou 21 Anos – média 3,875
18 – Cirque du Soleil – Outros Mundos – média 3,8
– A Datilógrafa – média 3,8
20 – Círculo de Fogo – média 3,789
“Universidade Monstros”, animação de maior média no ano
Do 21º ao 40º ainda é uma colocação de bastante respeito no nosso universo de 130 filmes. Está aqui a melhor animação do ano (Universidade Monstros, seguida por Detona Ralph e, mais longe, Meu Malvado Favorito 2). Diretores consagrados estão aqui: Sokurov (Fausto), Spielberg (Lincoln), Kathryn Bigelow (A Hora Mais Escura), Costa-Gravas (O Capital). Mas nem tudo é aclamação: aqui estão outras grandes polêmicas, mas que ainda tiveram saldo bem positivo (Os Miseráveis; O Lado Bom da Vida).
21 – Fausto – média 3,777
22 – Além da Escuridão – Star Trek – média 3,772
23 – Elena – média 3,769
24 – Depois de Lucia – média 3,75
– A Visitante Francesa – média 3,75
26 – Dentro da Casa – média 3,714
27 – Universidade Monstros – média 3,687
28 – Detona Ralph – média 3,666
– Infância Clandestina – média 3,666
30 – Lincoln – média 3,636
31 – Sete Psicopatas e um Shih Tzu – média 3,615
32 – Killer Joe – média 3,6
– Adeus, Minha Rainha – média 3,6
– O Capital – média 3,6
35 – A Hora Mais Escura – média 3,571
36 – Jogos Vorazes – Em Chamas – média 3,555
37 – Os Miseráveis – média 3,545
38 – Invocação do Mal – média 3,533
39 – O Lado Bom da Vida – média 3,514
40 – Flores Raras – média 3,5
– Metallica – Through than Never – média 3,5
Chris Hemsworth em “Thor – O Mundo Sombrio”: o melhor filme de super-heróis do ano vem só em 48º
A turma do meião, aqueles filmes que, em geral, não chegaram a desgradar a maioria do que os viram, mas também não foram tudo isso (Hitchcock; O Hobbit – A Desolação de Smaug; Wolverine Imortal; Faroeste Caboclo). Aqui também entram algumas polêmicas do ano (Camille Claudel 1915). Febre do Rato, muito elogiado pela crítica, também veio parar aqui. Também só aqui aparece o melhor filme de super-heróis do ano, segundo a eleição: Thor – O Mundo Sombrio (e os dois seguintes: Wolverine Imortal e Homem de Ferro 3).
42 – A Vida Secreta de Walter Mitty – média 3,444
43 – Meu Malvado Favorito 2 – média 3,437
44 – Tese sobre um Homicídio – média 3,428
– Rota de Fuga – média 3,428
46 – A Luz do Tom – média 3,4
– Dossiê Jango – média 3,4
48 – Thor – O Mundo Sombrio – média 3,391
49 – Camille Claudel 1915 – média 3,375
– Família do Bagulho – média 3,375
51 – O Hobbit – A Desolação de Smaug – média 3,333
52 – Febre do Rato – média 3,3
53 – Anna Karenina – média 3,272
54 – Anos Incríveis – média 3,25
– O Verão da Minha Vida – média 3,25
56 – Terapia de Risco – média 3,2
57 – Wolverine – Imortal – média 3,19
58 – Faroeste Caboclo – média 3,181
59 – A Busca – média 3,166
60 – Homem de Ferro 3 – média 3,148
61 – O Grande Gatsby – média 3,142
– Serra Pelada – média 3,142
63 – Elysium – média 3,137
64 – Hitchcock – média 3,105
65 – Velozes e Furiosos 6 – média 3,1
66 – Se Beber, Não Case 3 – média 3,076
Henry Cavill e Amy Adams, em “O Homem de Aço”: polêmico, ficou só no 88º lugar
Da média 3 para baixo, filmes que já tiveram mais notas abaixo da média que acima. Aqui, alguns até conquistaram um ou outro, mas, em geral, amargaram notas baixas (O Homem de Aço) ou ficaram mesmo sempre na mesma média (Oz, Mágico e Poderoso).
67 – A Viagem – média 3
– 2 Dias em Nova York – média 3
– Parker – média 3
– Os Croods – média 3
– Alvo Duplo – média 3
– Chamada de Emergência – média 3
– RED 2 – Aposentados e Ainda Mais Perigosos – média 3
– As Bem-Armadas – média 3
– Mato sem Cachorro – média 3
– Meu Passado Me Condena – média 3
– Jovem e Bela – média 3
– Os Belos Dias – média 3
79 – Cine Holliúdy – média 2,944
80 – Invasão à Casa Branca – média 2,909
81 – É o Fim – média 2,9
82 – Oz, Mágico e Poderoso – média 2,866
83 – Bem Amadas – média 2,833
– Ender’s Game – O Jogo do Exterminador – média 2,833
85 – Elefante Branco – média 2,8
86 – Guerra Mundial Z – média 2,791
87 – Somos Tão Jovens – média 2,777
88 – O Homem de Aço – média 2,758
89 – Renoir – média 2,75
– Prenda-me – média 2,75
– Percy Jackson e o Mar de Monstros – média 2,75
92 – Como Não Perder Essa Mulher – média 2,714
93 – O Último Desafio – média 2,7
94 – Minha Mãe É uma Peça – média 2,692
95 – Sem Dor, sem Ganho – média 2,6
– Sobrenatural – Capítulo 2 – média 2,6
97 – Mama – média 2,583
98 – Truque de Mestre – média 2,538
99 – João e Maria, Caçadores de Bruxas – média 2,533
Armie Hammer e Johnny Depp, em “O Cavaleiro Solitário”; convenceu muito pouca gente
Estes próximos filmes não ficaram nem entre os cem melhores. Alguns pecaram por buscarem “arte” demais (o pernambucano Boa Sorte, Meu Amor), outros por não conseguirem convencer muito nem as plateias dos blockbusters (Oblivion). Aventuras adolescentes parece que es esgotaram de vez (A Hospedeira; Dezesseis Luas) e comédias nacionais têm local cativo aqui (O Concurso e Giovanni Improtta quase ficaram entre os dez piores do ano). E alguns filmes parecem simplesmente errados desde o projeto (Jack, o Caçador de Gigantes; O Cavaleiro Solitário; Jobs).
100 – Boa Sorte, Meu Amor – média 2,5
– A Hospedeira – média 2,5
– Oblivion – média 2,5
– Riddick 3 – média 2,5
104 – Meu Namorado É um Zumbi – média 2,444
105 – Jack, o Caçador de Gigantes – média 2,428
106 – As Neves do Kilimanjaro – média 2,4
– Dezesseis Luas – média 2,4
– Vai que Dá Certo – média 2,4
109 – Caça aos Gangsters – média 2,375
110 – Os Estagiários – média 2,333
– Última Viagem a Vegas – média 2,333
112 – O Cavaleiro Solitário – média 2,285
113 – GI Joe – Retaliação – média 2,25
– Uma Ladra sem Limites – média 2,25
115 – Jobs – média 2,222
116 – Carrie, a Estranha – média 2,214
117 – Jack Reacher – O Último Tiro – média 2,2
– Os Smurfs 2 – média 2,2
119 – O Concurso – média 2,142
120 – Giovanni Improtta – média 2
Kevin James, David Spade, Chris Rock e Adam Sandler, em “Gente Grande 2”: o pior filme do ano
Seguem os dez piores do ano. Blockbusters caras de pau (o quinto Duro de Matar, já praticamente nada mais a ver com o original; Depois da Terra, com Shyamalan no fundo do poço), aventuras adolescentes que não convenceram (Instrumentos Mortais), besteiróis que passaram da conta (Para Maiores; Gente Grande 2) e sobrou até para animação japonesa (Dragon Ball) e filmes francês (O Homem que Ri).
121 – Duro de Matar – Um Bom Dia para Morrer – média 1,875
122 – Para Maiores – média 1,8
– Depois da Terra – média 1,8
– Os Instrumentos Mortais – Cidade dos Ossos – média 1,8
– Dragon Ball Z – A Batalha dos Deuses – média 1,8
126 – A Fuga – média 1,75
– O Homem que Ri – média 1,75
– O Massacre da Serra Elétrica – A Lenda Continua – média 1,75
129 – R.I.P.D. – Agentes do Além – média 1,666
130 – Gente Grande 2 – média 1,25
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MAIS RETROSPECTIVA 2013:
– Meus melhores filmes do ano
– Musas do ano
– 50 filmes não exibidos em João Pessoa
Para não ser uma peça de museu
Capitão América (Evans) e a Viúva Negra (Scarlett): o herói tenta compreender o mundo atual sem perder seus valores
O primeiro Capitão América da Marvel Studios, em 2011, usou muito bem a ambientação anos 1940 da história da origem do personagem. Com o diretor Joe Johnston, evocou o sabor de aventuras antigas com um ótimo resultado final. O desfecho, porém, já era no século XXI, em ligação com Os Vingadores – The Avengers (2012). O segundo, Capitão América 2 – O Soldado Invernal (Captain America – The Winter Soldier, EUA, 2014), conseguiu a proeza de adaptar muito bem o herói para uma aventura na atualidade.
O filme começa situando Steve Rogers (Chris Evans), em Washington, e não por acaso, já que é a sede do governo americano. É uma bonita e significativa sequência em que ele dá uma corrida em torno do espelho d’água que liga o Monumento a Washington ao Memorial de Lincoln e faz amizade com o ex-aviador Sam Wilson (Anthony Mackie). Rogers, é bom lembrar, não tem identidade secreta: Wilson reconhece logo que se trata do Capitão América (e é uma ótima representação do herói Falcão, parceiro de longa data do Capitão nas HQs e um dos poucos heróis negros de destaque nos quadrinhos).
A rotina é logo interrompida por uma beldade em um carrão: a Viúva Negra (Scarlett Johansson), que o busca para mais uma missão a serviço da organização SHIELD, bastante secreta até para quem trabalha para ela. Até aí, o filme também já tratou de situar Rogers como um homem ainda precisando se adaptar a um tempo que não é o seu. Por enquanto, no que diz respeito a referências culturais (ele precisa anotar sobre Guerra nas Estrelas e Marvin Gaye em um caderninho) e maneira de lidar com as mulheres (tema de conversa com a colega agente).
Mais tarde, essa inadequação vai se fazer mais presente, e de maneira mais geral, na contraposição entre um herói “antiquado” que vê (ou se esforça para continuar vendo) as coisas em termos claros de certo e errado (como na II Guerra, onde o “errado”, pelo menos, era fácil de reconhecer) e um mundo que insiste em dizer a ele que já não é bem assim, com certo e errado se embaralhando.
Isso é temperado pelo surgimento do Soldado Invernal (Sebastian Stan), um assassino supereficiente que está disposto a macular para valer a agência. Muita coisa nessa história vai remeter ao passado do Capitão, passado emblematizado numa bonita sequência de uma exposição sobre sua história no museu (sequência que também serve bem para contextualizar a história toda para quem está chegando agora).
O filme dos irmãos Anthony e Joe Russo mostra exatamente o herói tentando não se tornar uma peça de museu, mas ainda mantendo seus valores e ideais (caminho pelo qual O Homem de Aço deveria ter seguido e não o fez). O Capitão América é um sujeito simples e direto em um mundo complexo e ambíguo, mas em nenhum momento pensa em se deixar dobrar.
Os irmãos diretores, incrível, não comandavam um filme desde 2006 – a comédia ruim Dois É Bom, Três É Demais. Desde então, se dedicaram à TV, principalmente à série Community, para a qual dirigiram 21 episódios. Em Capitão América 2, eles abandonaram o clima de seriado dos anos 1940, que Joe Johnston imprimiu em O Primeiro Vingador, e optaram por aproximar o filme dos thrillers políticos dos anos 1970, o que funcionou muito bem.
Talvez não seja por acaso a presença de Robert Redford, portanto, que dá peso extra a um filme de super-heróis e que ajuda na construção da nova atmosfera. Embora, claro, com o molho dos filmes de ação bem século XXI. O filme vai dosando esses momentos com o Capitão superando seguidos desafios até a reta final. Aí, há muito movimento e barulho, como esperado, mas, felizmente, nada que ofusque a história.
E a ação se dirige a um ponto em que, em boa medida, não se sabe mais quem é aliado ou inimigo, e rumos importantes do universo Marvel nos cinemas são sensivelmente alterados (atenção para a cena pós-créditos, primeira menção a um certo tipo importante de personagem que ainda não havia aparecido nos filmes do Marvel Studios). Em um ponto onde os filmes de super-heróis poderiam estar saturados, Capitão América 2 – O Soldado Invernal mostra que dá para misturar o “à moda antiga” e a “modernidade”.
Capitão América 2 – O Soldado Invernal. Capitain America – The Winter Soldier. Estados Unidos, 2014. Direção: Anthony Russo, Joe Russo. Elenco: Chris Evans, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Robert Redford, Sebastian Stan, Anthonie Mackie, Cobie Smulders, Emily VanCamp, Hayley Atwell, Toby Jones, Stan Lee. Voz: Gary Sinise.
