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20 – O HOMEM ELEFANTE (The Elephant Man)
Em preto-e-branco, David Lynch impõe um clima de horror gótico à história real do homem deformado que tenta mostrar, na Inglaterra vitoriana, que nada mais é que um ser humano.
Reino Unido/ Estados Unidos. Direção: David Lynch. Roteiro: Christopher De Vore, Eric Bergren e David Lynch, baseado em livros de Frederick Treves e Ashley Montagu. Elenco: John Hurt, Anthony Hopkins, Anne Bancroft, John Gielgud, Freddie Jones, Wendy Hiller.
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19 – GAIJIN – OS CAMINHOS DA LIBERDADE
Tizuka Yamasaki conta a saga de um grupo de famílias japonesas que vêm tentar a vida trabalhando em uma fazenda brasileira. A dureza da imigração, geralmente contada em lentes cor-de-rosa em outras produções.
Brasil. Direção: Tizuka Yamasaki. Roteiro: Jorge Durán e Tizuka Yamasaki. Elenco: Kyoko Tsukamoto, Antônio Fagundes, Jiro Kawarazaki, Gianfrancesco Guarnieri, Álvaro Freire, Clarisse Abujamra, José Dumont, Louise Cardoso, Carlos Augusto Strasser.
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18 – EM ALGUM LUGAR DO PASSADO (Somewhere in Time)
Um filme romântico que marcou uma geração, com o Superman Reeve voltando de novo no tempo por amor. Desta vez, em sua melhor tentativa de ter uma carreira além do super-herói, ele é um personagem que vence as barreiras cronológicas para encontrar a mulher que vê numa pintura (a lindíssima Jane Seymour).
Estados Unidos. Direção: Jeannot Szwarc. Roteiro: Richard Matheson, baseado em seu romance. Elenco: Christopher Reeve, Jane Seymour, Christopher Plummer, Teresa Wright.
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17 – GENTE COMO A GENTE (Ordinary People)
Robert Redford não se escalou como ator na sua estreia na direção. Preferiu ficar só atrás das câmeras para contar a história de uma família que tenta se recuperar a morte de um filho. Amor, desamor, incomunicabilidade, depressão e um desempenho bem sensível de Timothy Hutton. Ganhou o Oscar de filme, direção e Hutton, de maneira absurda, o de ator coadjuvante quando é o protagonista do filme.
Estados Unidos. Direção: Robert Redford. Roteiro: Alvin Sargent e Nancy Dowd (não creditada), baseado em romance de Judith Guest. Elenco: Timothy Hutton, Mary Tyler Moore, Donald Sutherland, Judd Hirsch, Elizabeth McGovern, M. Emmet Walsh, Dinah Manoff.
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16 – MEMÓRIAS (Stardust Memories)
Depois de evocar Bergman em Interiores (1978), Woody Allen voltou-se para Fellini em Memórias: um diretor de cinema em crise às voltas com questões de seu passado. Mas com seus toques típicos de humor, como no encontro com alienígenas que aparecem e não só não trazem nenhuma resposta para os dilemas da humanidade como ainda dizem que gostam dos filmes dele “mas dos antigos, mais engraçados”.
Estados Unidos. Direção e roteiro: Woody Allen. Elenco: Woody Allen, Charlotte Rampling, Jessica Harper, Marie-Christine Barrault, Tony Roberts, Daniel Stern.
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15 – GLORIA (Gloria)
Gloria é, aparentemente, um trabalho mais comercial do grande nome pioneiro do cinema independente: John Cassavettes. Um filme policial nas ruas de Nova York, protagonizado por uma mulher dura na queda que protege relutantemente um garoto que tem provas contra mafiosos e teve a família assassinada. O diretor foca principalmente no relacionamento entre essas duas figuras muito diferentes. Não me surpreenderia que tivesse inspirado Central do Brasil (1998).
Estados Unidos. Direção e roteiro: John Cassavettes. Elenco: Gena Rowlands, John Adames, John Finnegan.
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14 – AGONIA E GLÓRIA (The Big Red One)
O histórico diretor Samuel Fuller não aparecia assinando um filme no cinema desde 1969. Mas o retorno foi triunfal: Fuller levou suas memórias da II Guerra ao cinema. E com sua filosofia particular a respeito: um grupo de soldados com missões a cumprir e que não têm tempo nem espaço para dramalhões e questões sobre o horror das guerras. Para isso, ninguém melhor que Lee Marvin para o papel principal.
Estados Unidos. Direção e roteiro: Samuel Fuller. Elenco: Lee Marvin, Mark Hamill, Robert Carradine, Bobby Di Cicco, Kelly Ward, Stéphane Audran.
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13 – O ÚLTIMO METRÔ (Le Dernier Metro)
Mais II Guerra, desta vez no cotidiano de uma companhia teatral em Paris, cujo chefe, judeu, está foragido dos nazistas. Na verdade, está escondido no porão do teatro e comanda a companhia em segredo através de sua esposa atriz. Requintada produção de Truffaut, com Deneuve divina e muito carinho pela arte dos palcos.
França. Direção: François Truffaut. Roteiro: François Truffaut e Suzanne Schiffman, com diálogos também de Jean-Claude Grumberg. Elenco: Catherine Deneuve, Gérard Depardieu, Jean Poiret, Jean-Louis Richard.
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12 – COMO ELIMINAR SEU CHEFE (9 to 5)
Lily Tomlin, Dolly Parton e Jane Fonda formam o grande trio que se une para a vingança contra o chefe que abusa de diferentes maneiras delas e das demais funcionárias. Por baixo da eficiente comédia, está a representação das agruras enfrentadas pela mulher no mercado de trabalho.
Estados Unidos. Direção: Colin Higgins. Roteiro: Colin Higgins e Patricia Resnick, baseado em argumento de Resnick. Elenco: Jane Fonda, Dolly Parton, Lily Tomlin, Dabney Coleman, Sterling Hayden, Marian Mercer.
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11 – KAGEMUSHA – A SOMBRA DO SAMURAI (Kagemusha)
O grande mestre Akira Kurosawa teve Coppola e George Lucas como produtores executivos para este épico suntuoso sobre um ladrão que é sósia do chefe de um clã e acaba sendo levado a assumir o posto com a morte do titular. E vai se confundindo com o papel, enquanto os eventos levam a uma gigantesca batalha, um evento real ocorrido em 1575.
Japão/ Estados Unidos. Direção: Akira Kurosawa. Roteiro: Masato Ide e Akira Kurosawa. Elenco: Tatsuya Nakadai, Tsutomo Yamasaki, Ken’ichi Hagiwara.
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10 – SUPERMAN II – A AVENTURA CONTINUA (Superman II)
Começou a ser filmado junto com Superman – O Filme (1978), teve mudança de diretor, mudança de roteiro, de tom, ator que protestou e se recusou a voltar… Mais transtornos que os causados pelos três kryptonianos que chegam à Terra para atazanar a vida do Super-Homem e fazê-lo “se ajoelhar perante Zod”. Mas ninguém pensou nisso na época, na plateia: apenas curtiu um filme vibrante, mais para o escapismo que para o tom épico do primeiro filme. Em 2006, foi lançada uma versão que aproveitava as cenas cortadas e reduzia um pouco do humor excessivo: ficou ainda melhor.
Estados Unidos/ Reino Unido/ Canadá. Direção: Richard Lester (não creditado na edição de 2006), Richard Donner (não creditado na edição de 1980). Roteiro: Mario Puzo, David Newman e Leslie Newman, com Tom Mankiewicz (não creditado), argumento de Puzo baseado em personagens de Jerry Siegel e Joe Shuster. Elenco: Christopher Reeve, Gene Hackman, Margot Kidder, Terence Stamp, Sarah Douglas, Susannah York (na edição de 1980), Jackie Cooper, Jack O’Halloran, Valerie Perrine, Ned Beatty, E.G. Marshall, Clifton James, Marc McClure, Marlon Brando (na edição de 2006).
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9 – FAMA (Fame)
As aspirações artísticas de alunos de uma escola de artes dramáticas de Nova York. A narrativa acompanha o período na escola da matrícula à formatura, como um painel ou uma crônica, sem um protagonista. Vários jovens carismáticos, ótimos momentos musicais (mesmo que não haja números musicais tradicionais). Entre os temas: dilemas artísticos, os problemas familiares, a relação com os professores, decisões equivocadas, medos, questões sociais. Rendeu uma série de TV que durou de 1982 a 1987 e teve alguns atores do filme repetindo seus papéis.
Estados Unidos. Direção: Alan Parker. Roteiro: Christopher Gore. Elenco: Irene Cara, Barry Miller, Gene Anthony Ray, Lee Currieri, Paul McCrane, Maureen Teefy, Antonia Franceschi, Laura Dean, Gene Anthony Ray.
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8 – PIXOTE – A LEI DO MAIS FRACO
Hector Babenco aparece no começo do filme fazendo uma introdução sociológica sobre as comunidades pobres das periferias brasileiras. De quebra, apresenta seu ator protagonista, o pequeno Fernando Ramos da Silva, oriundo daquela comunidade. Como Pixote, ele se agiganta numa odisseia marginal comovente com diversos degraus, como uma passagem por um reformatório e a relação com uma prostituta (Marília Pêra, em grande desempenho). Visto hoje, é impossível adicionar ao filme a camada do trágico fim do ator, que participou de alguns assaltos, e acabou morto aos 19 anos por policiais (demitidos depois por fraude processual, nesse caso em particular).
Brasil. Direção: Hector Babenco. Roteiro: Hector Babenco e Jorge Durán, baseado em livro de José Louzeiro. Elenco: Fernando Ramos da Silva, Gilberto Moura, Jorge Julião, Edilson Lino, Marília Pêra, Jardel Filho, Rubens de Falco, Elke Maravilha, Toni Tornado, Beatriz Segall, Ariclê Perez.
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7 – VESTIDA PARA MATAR (Dressed to Kill)
Um dos grandes exemplares de Brian de Palma em seu modelo homenagem-a-Hitchcock. Uma garota de programa testemunha um crime e começa a ser perseguida pela assassina misteriosa. A vítima é Angie Dickinson, cliente do psicanalista vivido por Michael Caine. Nancy Allen, linda demais, é a prostituta, em seu melhor momento no cinema. Os ecos de Psicose (1960) são muito fortes – tem até cena do chuveiro.
Estados Unidos. Direção e roteiro: Brian De Palma. Elenco: Michael Caine, Nancy Allen, Keith Gordon, Angie Dickinson, Dennis Franz.
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6 – OS IRMÃOS CARA DE PAU (The Blues Brothers)
Personagens de um quadro do Saturday Night Live, a banda The Blues Brothers lançou um disco em 1978 e protagonizou seu próprio filme dois anos depois. Com John Landis no leme, o filme reuniu um dream team do blues em participações (Aretha Franklin, Ray Charles, James Brown, Cab Calloway, John Lee Hooker), numa história louquíssima em que a banda é reunida para a missão divina de salvar um orfanato, fugindo da polícia, valentões caipiras e neonazistas. Kathleen Freeman (histórica coadjuvante dos filmes de Jerry Lewis), a supermodelo Twiggy e até Steven Spielberg também fazem pontas.
Estados Unidos. Direção: John Landis. Roteiro: John Belushi e Dan Aykroyd. Elenco: John Belushi, Dan Aykroyd, Cab Calloway, John Candy, James Brown, Carrie Fisher, Henry Gibson, Ray Charles, Aretha Franklin, Kathleen Freeman, John Lee Hooker, Pee-Wee Herman, Twiggy, Frank Oz, Steven Spielberg, Chaka Khan, Murphy Dunne, Tom Malone, Matt Murphy, Steve Cropper, Donald Dunn, Willie Hall, Lou Marini, Alan Rubin, Charles Napier, John Landis.
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5 – BYE BYE BRASIL
Uma odisseia bufa pelo interiorzão do Brasil, seguindo uma trupe de artistas pé-de-chinelo: a Caravana Rolidei e seus tipos pitorescos, liderados pelos personagens de José Wilker e Betty Faria. Um road movie mambembe, tão mambembe quanto o próprio país que ele desbrava.
Brasil. Direção: Carlos Diegues. Roteiro: Carlos Diegues e Leopoldo Serran. Elenco: José Wilker, Betty Faria, Fábio Jr., Zaira Zambelli, Príncipe Nabor, Carlos Kroebber, Joffre Soares.
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4 – O ILUMINADO (The Shining)
Stephen King, autor do livro original, já reclamou da versão de Stanley Kubrick para o cinema. Problema dele. O filme é envolvente, tem um clima de desconforto realçado também pelo uso da steady-cam pelos corredores do hotel vazio (e, no fim, pelo labirinto). E cenas que extraem as vísceras de seus atores, principalmente Jack Nicholson e Shelley Duvall.
Reino Unido. Direção: Stanley Kubrick. Roteiro: Stanley Kubrick e Diane Johnson, baseado em romance de Stephen King. Elenco: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson.
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3 – APERTEM OS CINTOS! O PILOTO SUMIU… (Airplane!)
“Precisamos pousar o avião. Esta mulher precisa ser levada a um hospital”. “Hospital?! Mas o que é??”. “É um prédio grande e branco com pacientes, mas isso não é importante agora”. Apertem os Cintos! é uma joia brilhante e aloprada, que pega um filme-catástrofe metido a sério de 1957 (Entre a Vida e a Morte) e o refilma como a mais louca das comédias até então. Os atores interpretam todos com a maior seriedade os diálogos mais absurdos e os trocadilhos mais infames. É uma esculhambação genial.
Estados Unidos. Direção e roteiro: Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, baseado em roteiro anterior de Hall Bartlett, John C. Champion e Arthur Hailey. Elenco: Robert Hays, Julie Hagerty, Leslie Nielsen, Lloyd Bridges, Peter Graves, Robert Stack, Kareem Abdul-Jabbar, Lorna Patterson.
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2 – O IMPÉRIO CONTRA-ATACA ou STAR WARS – EPISÓDIO V: O IMPÉRIO CONTRA-ATACA (The Empire Strikes Back ou Star Wars – Episode V: the Empire Strikes Back)
Qual terá sido a reação das primeiras plateias do segundo Guerra nas Estrelas à cena capital do filme, “Não, Luke. Eu sou seu pai”? O capítulo do meio da primeira trilogia é, praticamente um consenso, o melhor da série. Passa a maior parte do tempo dividido em duas subtramas: Han Solo, Leia e os andróides fugindo do Império; e Luke Skywalker encontrando o mestre Yoda para virar de vez um jedi. Muito bem equilibrado entre movimento e emoção.
Estados Unidos. Direção: Irvin Kershner. Roteiro: Leigh Brackett e Lawrence Kasdan, com argumento de George Lucas. Elenco: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness, Billy Dee Williams, Anthony Daniels, David Prowse, Kenny Baker, Peter Mayhew, Jeremy Bulloch, Julian Glover, Treat Williams. Vozes: James Earl Jones, Frank Oz, Clyde Revill.
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1 – TOURO INDOMÁVEL (Raging Bull)
Diz que Scorsese foi assistir a uma luta de boxe e ficou apavorado: “Não tenho a menor ideia de como filmar esse negócio!”. Era a preparação para Touro Indomável, projeto para onde foi praticamente empurrado pelo velho amigo Robert De Niro. De alguma forma, ele encontrou seu jeito. Em preto-e-branco, com a câmera dentro do ringue, sangue e suor, a explosão de violência como válvula de escape de um homem patético e confuso que só consegue se expressar através justamente da violência.
Estados Unidos. Direção: Martin Scorsese. Roteiro: Paul Schrader e Mardik Martin, com Joseph Carter e Peter Savage, baseado na autobiografia de Jake LaMotta. Elenco: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, Nicholas Colasanto, John Turturro, Martin Scorsese.
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* Esta é uma lista pessoal. Com 100% de certeza, você não vai concordar com 100% dela. Tudo bem — eu gostaria de saber a sua lista, que filmes você tiraria e quais incluiria (me diga nos comentários!). Outra coisa: a percepção sobre os filmes mudam com o tempo. Esta é a minha percepção agora, limitada ao que vi, naturalmente — esta lista pode mudar à medida em que for revisitando alguns filmes ou assistir a outros que ainda não conheço deste ano específico.
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OUTRAS LISTAS DE MELHORES:
OS 15 MELHORES DE 1969
1 — BUTCH CASSIDY (Butch Cassidy and the Sundance Kid)
Na linhagem dos “bandidos simpáticos”, poucos se comparam à dupla formada por Newman e Redford em Butch Cassidy. O filme é de uma época em que o faroeste passava por uma revisão. Menos glamour, um pouco mais de sujeira, abraçando um pouco o que vinha sendo feito na Itália. Butch e Sundance também ganhavam uma releitura menos interessada na fidelidade histórica e mais em inseri-los no simbolismo da rebeldia dos anos 1960, um pouco como havia sido feito em Bonnie & Clyde, dois anos antes. Newman, Redford e Katharine Ross desfilam charme pelo filme todo.
Estados Unidos. Direção: George Roy Hill. Roteiro: William Goldman. Elenco: Paul Newman, Robert Redford, Katharine Ross, Strother Martin.
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2 — MEU ÓDIO SERÁ SUA HERANÇA (The Wild Bunch)
Zack Snyder devia assistir a esse filmes três vezes por dia até aprender como usar a câmera lenta para propósitos dramáticos. Numa época em que sangue não era gasto em galões no cinema, Peckinpah era conhecido como o mestre da violência. Mas também por causa de sua carga dramática. Aqui, ele um canto do cisne do faroeste, com a missão final de pistoleiros veteranos.
Estados Unidos. Direção: Sam Peckinpah. Roteiro: Walon Green e Sam Peckinpah, argumento de Walon Green e Roy N. Sickner. Elenco: William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O’Brien, Warren Oates, Strother Martin.
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3 — Z (Z)
Costa-Gavras se tornou conhecido por um cinema fortemente político. E aqui ele denuncia a ditadura militar grega, através de um jornalista que investiga o assassinato de um líder da oposição. Foi o primeiro filme de língua não inglesa indicado ao Oscar de melhor filme.
França/ Argélia. Direção: Costa-Gavras. Roteiro: Costa-Gavras e Ben Barzman, dialogos de Jorge Semprún, baseado em romance de Vasilis Vasilikos. Elenco: Yves Montand, Irene Papas, Jean-Louis Trintignant, François Pérrier, Jacques Perrin.
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4 — PERDIDOS NA NOITE (Midnight Cowboy)
Jon Voight chega a Nova York para ganhar a vida como prostituto. O ingênuo caipira encontra um trapaceiro de rua, o “Ratso” Rizzo vivido por Dustin Hoffman. Os dois atores comandam este, que foi o primeiro filme para maiores de 18 a vencer o Oscar. Um filme sobre amizade na sarjeta. E tem aquele improviso maravilhoso de Hoffman com o taxi: “Hey, I’m walking here!”.
Estados Unidos. Direção: John Schlesinger. Roteiro: Waldo Salt, baseado em romance de James Leo Herlihy. Elenco: Jon Voight, Dustin Hoffman, Sylvia Miles, Brenda Vaccaro, Jennifer Salt.
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5 — CHARLIE E SNOOPY ou CHARLIE BROWN E SNOOPY ou UM GAROTO CHAMADO CHARLIE BROWN (A Boy Named Charlie Brown)
A turma da tira Peanuts, escrita e desenhada por Charles M. Schulz, já aparecia na TV em especiais de pouco mais de 20 minutos desde 1965, com O Natal de Charlie Brown, no ritmo de uma ou duas vezes por ano. Em 1969, Charlie, Lucy, Linus e o cãozinho Snoopy chegavam às telonas em um longa que mantinha o estilo simples das produções para a TV e os mesmos temas recorrentes da frustração e medo da rejeição.
Estados Unidos. Direção: Bill Melendez. Roteiro: Charles M. Schulz, baseado em sua própria tira de quadrinhos. Vozes na dublagem original: Peter Robbins, Pamelyn Ferdin, Glenn Gilger.
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6 — MACUNAÍMA
O romance modernista de Mário de Andrade ganhou uma versão irreverente pelas mãos de Joaquim Pedro de Andrade, com dois atores-ícones do cinema nacional dividindo o papel-título (Grande Otelo e Paulo José) e ainda Dina Sfat.
Brasil. Direção e roteiro: Joaquim Pedro de Andrade, baseado em romance de Mário de Andrade. Elenco: Grande Otelo, Paulo José, Dina Sfat, Jardel Filho, Milton Gonçalves, Joanna Fomm, Zezé Macedo, Wilza Carla.
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7 — 007 A SERVIÇO SECRETO DE SUA MAJESTADE (On Her Majesty’s Secret Service)
O senso comum aponta George Lazenby como o pior ator a encarnar James Bond. É difícil discordar. O interessante é que isso acontece em um ótimo exemplar da série, que tenta humanizar um pouco o agente 007 e tem Diana Rigg como uma das melhores bondgirls (ou bondwoman, como se diz hoje).
Reino Unido. Direção: Peter Hunt. Roteiro: Richard Maibaum, com diálogos adicionais por Simon Raven, baseado em romance de Ian Fleming. Elenco: George Lazenby, Telly Savallas, Diana Rigg, Gabriele Ferzetti, Lois Maxwell, Bernard Lee, Desmond Llewelyn.
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8 — O DRAGÃO DA MALDADE CONTRA O SANTO GUERREIRO
Glauber voltou aqui ao personagem mítico Antônio das Mortes, de Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964), alçando-o ao papel principal e fazendo-o refletir sobre sua atividade de matador de cangaceiros. Ganhou melhor direção em Cannes.
França/ Brasil/ Alemanha Ocidental/ Estados Unidos. Direção e roteiro: Glauber Rocha. Elenco: Maurício do Valle, Odete Lata, Othon Bastos, Hugo Carvana, Jofre Soares.
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9 — SEM DESTINO (Easy Rider)
Emblemático talvez seja a melhor palavra para Sem Destino. Um filme que, em sua história dos motoqueiros que viajam pelos EUA, resume em si um espírito daquela época no que diz respeito à contracultura. A própria produção do filme foi louquíssima, como eram os personagens e aqueles dias.
Estados Unidos. Direção: Dennis Hopper. Roteiro: Peter Fonda, Dennis Hopper e Terry Southern. Elenco: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson, Phil Spector.
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10 — UM ASSALTANTE BEM TRAPALHÃO (Take the Money and Run)
Primeiro filme valendo pontos de Woody Allen como diretor, é uma comédia rasgada sobre um assaltante de banco que não tinha nada de gênio do crime. Allen já mostrava que tinha vontade de ir além, ao brincar um pouco com a narrativa dos documentários, inserindo depoimentos para contar a história.
Estados Unidos. Direção: Woody Allen. Roteiro: Woody Allen e Michael Rose. Elenco: Woody Allen, Janet Margolin, Michael Hillaire.
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11 — A NOITE DOS DESESPERADOS (They Shoot Horses, Don’t They?)
O filme se passa nos anos 1930, época da Grande Depressão nos EUA, e o cenário é uma desumana maratona de dança onde personagem sem qualquer esperança jogam suas últimas fichas em busca de uma virada na vida — ou morrer. Tambpem marcou uma virada na carreira de Jane Fonda em busca de papéis mais fortes — no ano anterior, ela havia feito Barbarella!
Estados Unidos. Direção: Sydney Pollack. Roteiro: James Poe e Robert E. Thompson, baseado em romance de Horace McCoy. Elenco: Jane Fonda, Michael Sarrazin, Susannah York, Gig Young, Red Button, Bonnie Bedelia, Bruce Dern.
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12 — FLOR DE CACTO (Cactus Flower)
Adaptação de uma comédia de sucesso da Broadway, revelou Goldie Hawn, que acabou ganhando um Oscar de coadjuvante. Walter Matthau é o protagonista do roteiro maluquete, sobre um dentista que finge que é casado pra não ter que firmar compromisso com a “amante”. Mas aí sua enfermeira, vivida por Ingrid Bergman, precisa fingir que é a esposa.
Estados Unidos. Direção: Gene Saks. Roteiro: I.A.L. Diamond, baseado em peça de Abe Burrows, por sua vez versão da peça francesa de Pierre Barillet e Jean-Pierre Grédy. Elenco: Walter Matthau, Ingrid Bergman, Goldie Hawn.
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13 — ALÔ, DOLLY! (Hello, Dolly!)
Barbra Streisand pós Oscar por A Garota Genial é a grande estrela deste musical da Broadway dirigido no cinema por Gene Kelly – um dos maiores astros e coreógrafos do gênero, aqui ele só é diretor (foi indicado ao Globo de Ouro). Barbra e Walter Matthau não se deram e o filme tem coisa demais, mas ainda é bem divertido. E ainda tem a aparição de Louis Armstrong, sua última no cinema.
Estados Unidos. Direção: Gene Kelly. Roteiro: Ernest Lehman, baseado na peça musical de Michael Stewart, por sua vez baseado na peça de Thornton Wilder, por sua vez versão da peça francesa de Johann Nestroy. Elenco: Barbra Streisand, Walter Matthau, Michael Crawford, Marianne McAndrew.
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14 — MATOU A FAMÍLIA E FOI AO CINEMA
Exemplar do cinema marginal brasileiro, terceiro longa de Bressane. Parte da premissa literal do título, um rapaz que mata os pais e vai ao cinema, para outros contos curtos de violência, como o das meninas que se apaixonam e matam a mãe de uma delas. Teve uma refilmagem muito ruim em 1991, com Cláudia Raia.
Brasil. Direção e roteiro: Júlio Bressane. Elenco: Márcia Rodrigues, Renata Sorrah, Vanda Lacerda, Antero de Oliveira.
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15 — BRAVURA INDÔMITA (True Grit)
Garota determinada procura um profissional que a ajude a prender o homem que matou seu pai. Consegue o xerife bebum, caolho e decadente vivido por John Wayne. Um papel longe dos costumeiros papéis invencíveis do astro, o que rendeu a ele um Oscar. Bem bom, rendeu uma refilmagem ainda melhor, dirigida pelos irmãos Coen em 2010.
Estados Unidos. Direção: Henry Hathaway. Roteiro: Marguerite Roberts, baseado no romance de Charles Portis. Elenco: John Wayne, Kim Darby, Glen Campbell, Robert Duvall, Dennis Hopper, Strother Martin.
Esta é uma lista pessoal. Com 100% de certeza, você não vai concordar com 100% dela. Tudo bem — eu gostaria de saber a sua lista, que filmes você tiraria e quais incluiria (me diga nos comentários!). Outra coisa: a percepção sobre os filmes mudam com o tempo. Esta é a minha percepção agora, limitada ao que vi, naturalmente — esta lista pode mudar à medida em que for revisitando alguns filmes ou assistir a outros que ainda não conheço deste ano específico.
OUTRAS LISTAS:
OS 20 MELHORES DE 1989
1 — FAÇA A COISA CERTA (Do the Right Thing)
O caldeirão multicultural em Bed-Stuy está fervilhando no dia mais quente do ano e a intolerância racial está em ebulição. Lee, em seu quarto longa, traça um mosaico complexo e sem resolução fácil, sustentado por personagens marcantes. Seu filme termina com citações de Martin Luther King e Malcolm X, historicamente líderes que lutavam pela mesma causa, mas divergiam sobre o uso da violência.
Estados Unidos. Direção e roteiro: Spike Lee. Elenco: Danny Aiello, Spike Lee, John Tuturro, Rosie Perez, Sameul L. Jackson, Ossie Davis, Ruby Dee, Bill Nunn, Martin Lawrence, John Savage.
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2 — HARRY E SALLY, FEITOS UM PARA O OUTRO (When Harry Met Sally…)
O filme que redefiniu a comédia romântica tem um quê de inspiração em Woody Allen, brinca com o documentário (com atores interpretando depoimentos de histórias que, na verdade, são reais), tem diálogos ótimos (como a discussão sobre existir ou não amizade entre homem e mulher), momentos de improviso (a cena imortal do orgasmo fingido no restaurante foi sugestão de Meg Ryan; a fala final dessa cena foi sugestão de Billy Crystal), telas divididas espertas (homenageando Indiscreta, 1958, e Confidências à Meia-Noite, 1959). A trama é a do homem e da mulher que se detestam à primeira vista, depois ficam amigos, depois se apaixonam.
Estados Unidos. Direção: Rob Reiner. Roteiro: Nora Ephron. Elenco: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby.
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3 — ILHA DAS FLORES
Histórico curta que começa bem-humorado ao narrar a trajetória de um tomate através de hiperlinks com fatos históricos e científicos (técnica narrativa que fez sucesso de novo anos depois em O Fabuloso Destino de Amélie Poulain) e personagens fictícios (o fazendeiro que cria os tomates, o quitandeiro que vende, a dona de casa que compra e cozinha). Para, no fim, dar um belo soco de realidade.
Brasil. Direção e roteiro: Jorge Furtado. Narração: Paulo José.
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4 — SOCIEDADE DOS POETAS MORTOS (Dead Poets Society)
Robin Williams em todas as suas potencialidades cômicas e dramáticas num filme sobre o poder transformador da arte. Filme obrigatório também sobre a arte de ensinar.
Estados Unidos. Direção: Peter Weir. Roteiro: Tom Schulman. Elenco: Robin Williams, Ethan Hawke, Robert Sean Leonard, Josh Charles, Norman Lloyd.
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5 — SPLENDOR (Splendor)
Lançado meses depois de Cinema Paradiso, foi meio eclipsado pelo filme de Tornatore, mas é outro grande filme sobre o amor ao cinema. E o final ainda é citação direta de A Felicidade Não Se Compra.
Itália/ França. Direção e roteiro: Ettore Scola. Elenco: Marcello Mastroianni, Massimo Troisi, Marina Vlady.
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6 — A PEQUENA SEREIA (The Little Mermaid)
O filme que simboliza a renascença da Disney, após um período de filmes de pouco sucesso. O estúdio retornou à seara das princesas com algumas atualizações, caprichou na animação deslumbrante do fundo do mar e nas canções, com as ótimas “Part of your world” e “Kiss the girl” e a maravilhosa “Under the sea”.
Estados Unidos. Direção e roteiro: John Musker, Ron Clements. Vozes na dublagem original: Jodi Benson, Pat Carroll, Kenneth Mars.
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7 — INDIANA JONES E A ÚLTIMA CRUZADA (Indiana Jones and the Last Crusade)
Spielberg resolveu pegar mais leve na terceira parte da franquia, que volta ao esquema do primeiro: uma corrida contra os nazistas por um tesouro místico. O golpe de mestre foi incluir o pai de Indy na trama, vivido na medida por Sean Connery (e os filmes de James Bond não são o “pai” dos de Indiana Jones, afinal de contas?). Vale o destaque para o prólogo com River Phoenix vivendo o jovem Indy.
Estados Unidos. Direção: Steven Spielberg. Roteiro: Jeffrey Boam. Elenco: Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliot, Alison Doody, John Rhys-Davies, Julian Glover, River Phoenix.
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8 — CRIMES E PECADOS (Crimes and Misdemeanors)
Como em Hannah e Suas Irmãs, Woody divide o filme em drama e comédia. E de novo equilibra bem as duas tramas que se entrelaçam. Se inspirou em Crime e Castigo e voltará a isso em Match Point (2006).
Estados Unidos. Direção e roteiro: Woody Allen. Elenco: Martin Landau, Woody Allen, Anjelica Huston, Alan Alda, Mia Farrow, Claire Bloom.
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9 — HENRIQUE V (Henry V)
Em seu primeiro filme como diretor, Branagh mostrou uma grande força criativa e narrativa nesta adaptação da peça de Shakespeare. A sequência da batalha de Azincourt é um grande momento, onde o ufanismo que Laurence Olivier usou como tom no filme de 1944 é trocado pela tragédia.
Reino Unido. Direção e roteiro: Kenneth Branagh. Elenco: Kenneth Branagh, Ian Holm, Brian Blessed, Emma Thompson, Derek Jacobi.
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10 — SEXO, MENTIRAS E VIDEOTAPE (Sex, Lies and Videotape)
Em um período onde o cinema independente não aparecia com tanto destaque, o filme de Soderbergh mostrou a força criativa que existia fora dos grandes estúdios.
Estados Unidos. Direção e roteiro: Steven Soderbergh. Elenco: James Spader, Andie MacDowell, Peter Gallagher, Laura San Giacomo.
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11 — TEMPO DE GLÓRIA (Glory)
A história do primeiro pelotão de soldados negros na Guerra Civil Americana, e o preconceito que enfrentaram até de seu próprio exército.
Estados Unidos. Direção: Edward Zwick. Roteiro: Kevin Jarre. Elenco: Matthew Broderick, Denzel Washington, Cary Elwes, Morgan Freeman.
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12 — DE VOLTA PARA O FUTURO — PARTE II (Back to the Future — Part II)
O divertidíssimo segundo filme tem três momentos: mostra o futuro prometido no final do primeiro, depois volta a 1985 alterado (como o mundo em que George não existiu em A Felicidade Não Se Compra, 1946) e volta a 1955, onde a nova trama tem momento de interseção com a do primeiro filme. Engenhoso e com efeitos especiais que hoje, na era do CGI, são corriqueiros, mas foram surpreendentes na época.
Estados Unidos. Direção: Robert Zemeckis. Roteiro: Robert Zemeckis e Bob Gale. Elenco: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Thomas F. Wilson, Elisabeth Shue, Billy Zane, Elijah Wood.
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13 — ARQUITETURA DA DESTRUIÇÃO (Undergângens Arkitektur)
O ideal estético do nazismo, da raça pura e da arte “não degenerada”, é analisada nesse excelente documentário. A visão estética deformada do III Reich se refletiu em sua odiosa política higienista, onde a ideia de uma “arte degenerada” refletia o preconceito com doentes mentais e uma obsessão com uma suposta pureza que gerou o Holocausto.
Suécia. Direção: Peter Cohen.
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14 — BLACK RAIN — A CORAGEM DE UMA RAÇA (Kuroi Ame)
Uma visão dramática e poderosa, em preto-e-branco, da cidade de Hiroshima depois da explosão da bomba atômica jogada pelos americanos no final da II Guerra.
Japão. Direção: Shohei Imamura. Roteiro: Shohei Imamura e Toshiro Ishido. Elenco: Yoshiko Tanaka, Kazuo Kitamura, Etsuko Ichihara.
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15 — EU SOU O SENHOR DO CASTELO (Je Suis le Seigneur du Château)
Filmes com criança nem sempre são filmes infantis. Aqui, o filho do dono de uma mansão empreende uma rivalidade feroz contra o filho da empregada.
França. Direção: Régis Wargnier. Roteiro: Alain Le Henry e Régis Wargnier. Elenco: Régis Arpin, David Behar, Jean Rochefort, Dominique Blanc.
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16 — CAMPO DOS SONHOS (Field of Dreams)
Um dos melhores feel good movies, que aposta numa história difícil de levar a sério: um fazendeiro que ouve vozes que dizem para construir um campo de beisebol no meio de um milharal. E aí grandes jogadores do passado aparecem do além para bater uma bolinha. Mas, embarcando, é uma delícia de ver.
Estados Unidos. Direção e roteiro: Phil Alden Robinson. Elenco: Kevin Costner, Amy Madigan, Ray Liotta, James Earl Jones, Burt Lancaster, Gaby Hoffmann.
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17 — SHIRLEY VALENTINE (Shirley Valentine)
Russell adapta a própria peça de sucesso, com a mesma Pauline Collins, que ganhou um Tony pelo papel: uma dona-de-casa inglesa tão solitária que dá bom dia às paredes e quebra a quarta parede para conversar com o espectador. Nada que uma viagem à Grécia não mude. Gilbert digiriu três filmes de 007 nos anos 1960 e 1970.
Reino Unido/ Estados Unidos. Direção: Lewis Gilbert. Roteiro: Willy Russell. Elenco: Pauline Collins, Tom Conti, Joanna Lumley.
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18 — MEU PÉ ESQUERDO (My Left Foot — The Story of Christy Brown)
A história real de Christy Brown, que nasceu com paralisia cerebral e descobriu como escrever e pintando com a única parte do corpo que conseguia controlar: o pé esquerdo. O primeiro dos três Oscars de Day-Lewis.
Irlanda/ Reino Unido. Direção: Jim Sheridan. Roteiro: Shane Connaughton e Jim Sheridan. Elenco: Daniel Day-Lewis, Brenda Fricker, Alison Whelan, Fiona Shaw.
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19 — BATMAN (Batman)
A primeira grande adaptação do Homem-Morcego para os cinemas detonou uma batmania mundial. O filme é cheio de senões (o Coringa ser responsável pela morte dos pais do Batman, pro exemplo), muita gente reclamou de Keaton como o herói, mas o Coringa de Nicholson é brilhante e Burton conseguiu impor sua marca autoral, isso não se pode negar.
Estados Unidos. Direção: Tim Burton. Roteiro: Sam Hamm, Warren Skaaren. Elenco: Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger, Jack Palance, Billy Dee Williams.
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20 — VÍTIMAS DE UMA PAIXÃO (Sea of Love)
Al Pacino encerrou um hiato de quatro anos sem um filme com esse noir moderno, em que é um policial que investiga assassinatos e se envolve com uma mulher que pode ser a culpada. Nesse papel, está Ellen Barkin, em seu papel mais memorável e sexy.
Estados Unidos. Direção: Harold Becker. Roteiro: Richard Price. Elenco: Al Pacino, Ellen Barkin, John Goodman, Michael Rooker, Richard Jenkins, William Hickey, Samuel L. Jackson.
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OS 10 PIORES
1 — ORQUÍDEA SELVAGEM
Uma advogada é levada a um turismo erótico pelo Rio de Janeiro por um milionário. Produtor e roteirista de 9 1/2 Semanas de Amor (1986), King tentou reproduzir o sucesso com o mesmo Mickey Rourke e a modelo Carré Otis, linda, mas inexpressiva, no lugar de Kim Basinger. O resultado foi péssimo, onde pessoas dobrando uma esquina no Rio e saindo em Salvador era o de menos.
Estados Unidos. Direção: Zalman King. Roteiro: Patricia Louisianna Knope e Zalman King. Elenco: Carré Otis, Mickey Rourke, Jacqueline Bisset, Assumpta Serna, Milton Gonçalves.
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2 — O JUSTICEIRO (The Punisher, Austrália/ Estados Unidos) Direção: Mark Goldblatt. Elenco: Dolph Lundgren, Louis Gossett Jr. Versão podreira muito longe do que a Marvel é hoje no cinema.
3 — DOIDA DEMAIS (Brasil) Direção: Sergio Rezende. Elenco: Vera Fischer, Paulo Betti, José Wilker. Aventura que tenta usar a sensualidade de Vera Fischer e não muito mais.
4 — A MOSCA II (Estados Unidos) Direção: Chris Walas. Elenco: Eric Stoltz, Daphne Zuniga. Caça-níquel total.
5 — CONDENAÇÃO BRUTAL (Lock Up, Estados Unidos). Direção: John Flynn. Elenco: Sylvester Stallone, Donald Sutherland, Tom Sizemore. Um dos piores filmes de Stallone e essa é uma escolha difícil
6 — GUERREIRO AMERICANO III (American Ninja III Blood Hunt, Estados Unidos/ Canadá/ África do Sul). Direção: Cedric Sundstrom. Elenco: David Bradley, Steve James. Essa série foi uma praga com toda a cara da produtora Golan-Globus.
7 — LOUCADEMIA DE POLÍCIA VI — CIDADE EM ESTADO DE SÍTIO (Police Academy VI City Under Siege, Estados Unidos) Direção: Peter Bonerz. Elenco: Michael Winslow, G.W. Bailey, Bubba Smith, David Graf, George Gaynes, Leslie Easterbrook, Marion Ramsey. Steve Gutenberg já tinha pulado fora dois filmes atrás e a série não aprendeu com o filme anterior que era hora de acabar.
8 — MATADOR DE ALUGUEL (Road House, Estados Unidos). Direção: Rowdy Herrington. Elenco: Patrick Swayze, Kelly Lynch, Sam Elliott, Ben Gazzara. Patrick Swayze como leão de chácara. Pior que Dirty Dancing.
9 — OS TRAPALHÕES NA TERRA DOS MONSTROS (Brasil) Direção: Flávio Migliaccio. Elenco: Renato Aragão, Dedé Santana, Mussum, Zacarias, Angélica, Conrado, Gugu Liberato, Vanessa de Oliveira. Os Trapalhões têm filmes bons e ruins. Mas esse aqui sofre com péssimos monstrinhos (e falo também das atuações de Angélica, Conrado e Gugu).
10 — CONFUSÕES DE UM SEDUTOR (Skin Deep, Estados Unidos). Direção: Blake Edwards. Elenco: John Ritter, Vincent Gardenia, Nina Foch. Deve ser o pior filme da carreira de Blake Edwards. Ele parece ter feito esse filme antes e muito melhor.
EDIÇÕES:
Em 15/5/2020: Sai Ata-me, que entrou para a lista de 1990. Entrou Ilha das Flores, em 3º. E Sexo, Mentiras e Videotape caiu de 6º para 10º.
Esta é uma lista pessoal. Com 100% de certeza, você não vai concordar com 100% dela. Tudo bem — eu gostaria de saber a sua lista, que filmes você tiraria e quais incluiria. Outra coisa: a percepção sobre os filmes mudam com o tempo. Esta é a minha percepção agora, limitada, claro, aos filmes que vi — esta lista pode mudar à medida em que for revisitando alguns filmes dessa lista ou assistir a outros que ainda não conheço deste ano.
OUTRAS LISTAS:
Amy Adams em “That’s how you know”, de “Encantada” (2007)
120. ‘I LOVE LOUISA’, de A Roda da Fortuna (1953)
Com Fred Astaire, Nanette Fabray, Oscar Levant, Cyd Charisse. Direção: Vincente Minnelli. Coreografia: Michael Kidd. Canção de Arthur Schwartz e Howard Dietz.
Fred Astaire havia cantado “I love Louisa” em um musical da Broadway de 1931, que levava o mesmo nome original (The Band Wagon) e que Fred protagonizou com sua irmã, Adele (no último musical que fizeram juntos, antes de ela deixar a carreira para se casar). Foi uma das três canções que sobreviveram da trilha da peça para esta versão do cinema, que criou uma história nova (no teatro, o show era de esquetes). Essa brincadeira alemã, no filme, está na festinha com que a equipe da versão musical de Fausto alivia o clima de uma estreia desastrosa. Às vezes, basta uma música ótima, um grande diretor, um coreógrafo que faça dançar um quarto lotado e um gigantesco talento para que um número seja uma delícia. Só isso. More beer!
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119. ‘SEASONS OF LOVE’, de Rent — Os Boêmios (2005)
Com Anthony Rapp, Adam Pascal, Rosario Dawson, Jesse L. Martin, Tracie Thoms, Idina Menzel, Wilson Jermaine Heredia, Taye Diggs. Direção: Chris Columbus. Canção de Jonathan Larson.
“Seasons of love” é uma canção tão poderosa que, no musical de teatro, está localizada no meio da apresentação e o filme a trouxe para os créditos de abertura (cantada por seus oito personagens principais num palco, diante de uma plateia vazia). Uma decisão que funciona muito bem: a letra funciona como uma carta de intenções do que virá pela frente, nesta modernização de La Bohème para a era da Aids. Como você mede os quinhentos e vinte cinco mil e seiscentos minutos que vive num ano?
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118. ‘HAIR’, de Hair (1979)
Com Don Dacus, Treat Williams e Dorsey Wright. Direção: Milos Forman. Coreografia: Twyla Tharp. Canção de Galt McDermot, Gerome Ragni e James Rado.
Um canto de amor aos cabelos longos que marcavam o movimento hippie, a ponto de ter batizado o musical histórico que o retratou nos palcos e no cinema. No filme, é um momento delirante dentro de um presídio, combinado com cenas da rua com Williams e muitos cabelos ao vento.
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117. ‘CAI CAI’, de Uma Noite no Rio (1941)
Com Carmen Miranda. Direção: Irving Cummings. Canção de Roberto Martins.
Embora as coreografias sejam assinadas por Hermes Pan, muito dificilmente ele deu algum pitaco aqui. Carmen, em seu segundo filme, faz aquilo que sabia fazer como ninguém e fazia desde sua carreira no Rio de Janeiro: movia as mãos, usava expressões faciais, ia pra lá e pra cá e, combinando isso, brilhava. Em Serenata Tropical, seu primeiro filme, o diretor Irving Cummings parece não saber muito como filmar aquilo: a prendia num cenário e desperdiçava closes em vez de flagrar o máximo de seus movimentos. Ele melhora muito no seguinte: ainda é sempre basicamente Carmen cantando para uma plateia, mas Cummings abre a câmera e a mostra inteira ou de meio corpo, com edição e câmera discretas que bastam segui-la.
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116. ‘SHALL WE DANCE?’, de O Rei e Eu (1956)
Com Deborah Kerr (com voz de Marni Nixon) e Yul Brynner. Direção: Walter Lang. Coreografia: Jerome Robbins. Canção de Richard Rogers e Oscar Hammerstein II.
Esta visão eurocêntrica de como uma professora inglesa ajudou o Rei do Sião a se modernizar inclui esta bela cena de aula de dança, onde uma alta voltagem sexual (para a época e para o tipo de filme) aparece.
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115. ‘SHAKE YOUR TAIL FEATHER’, de Os Irmãos Cara de Pau (1980)
Com Ray Charles e The Blues Brothers. Direção: John Landis. Coreografia: Carlton Johnson. Canção de Otha Hayes, Andre Williams e Verlie Rice.
Essa canção dos anos 1960 ganha versão de Ray Charles em uma das participações especiais de Os Irmãos Cara de Pau. A música irresistível tem ótima participação cênica da Blues Brothers Band e “contamina” a vizinhança, com as pessoas numa divertida coreografia na frente da loja do Ray. Seria um flashmob?
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114. ‘THE LONELY GOATHERD’, de A Noviça Rebelde (1965)
Com Julie Andrews, Angela Cartwright, Charmian Carr, Heather Menzies, Nicholas Hammond, Duane Chase, Debbie Turner e Kym Karath. Direção: Robert Wise. Canção de Richard Rogers e Oscar Hammerstein II.
Bil Baird e Cora Baird, famosos manipuladores de marionetes nos EUA, são os grandes protagonistas ocultos desse adorável número em que Maria e as crianças fazem um show de bonecos para uma seleta plateia. Marc Breaux assina a coreografia do filme. Terá feito também a coreografia dos bonequinhos?
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113. ‘CIRCLE OF LIFE’, de O Rei Leão (1994)
Com Carmen Twillie, Lebo M e côro. Direção: Roger Allers e Rob Minkoff. Canção de Elton John e Tim Rice.
Um dos melhores começos de filmes de todos os tempos, “Circle of life” introduz o espectador, sem qualquer diálogo, ao mundo africano onde o leão é o rei, os outros animais são os súditos, e um príncipe é apresentado. Antológico.
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112. ‘THAT’S HOW YOU KNOW’, de Encantada (2007)
Com Amy Adams e Patrick Dempsey. Direção: Kevin Lima. Canção de Alan Menken e Stephen Schwartz.
O barato em Encantada é que é uma sátira, mas também uma afirmação carinhosa dos contos-de-fadas da Disney. E isso implica, claro, em um número musical que invada o mundo real, capitaneado por uma luminosa Amy Adams.
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111. ‘I’M THRU WITH LOVE’, de Todos Dizem Eu Te Amo (1997)
Com Goldie Hawn e Woody Allen. Direção: Woody Allen. Coreografia: Graciela Daniele. Canção de Gus Kahn, Matty Malneck e Fud Livingston.
Esta canção dos anos 1930 (que Marilyn já havia cantado na tela em Quanto Mais Quente Melhor) é recorrente nesse musical leve, divertido e propositalmente meio desajeitado de Woody Allen. E a ela é reservado o belo momento final, cantada por uma adorável Goldie Hawn, que, à beira do Sena, dança e flutua.
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A última impressão é a que fica? Aqui está uma lista de meus 50 finais preferidos de filmes.
50. NOIVO NEURÓTICO, NOIVA NERVOSA. Woody Allen, 1977
ALVY: “Eu, eu pensei naquela velha piada, sabe, um, um cara vai a um psiquiatra e diz: ‘Doutor, hã, meu irmão está louco. Ele pensa que é uma galinha’. E, hã, o doutor diz: ‘Bem, por que você não o interna?’. E o cara diz: ‘Eu ia, mas eu preciso dos ovos’. Bem, acho que isso é muito como eu me sinto sobre relacionamentos. Você sabe, eles são totalmente irracionais e loucos e absurdos e… mas, hã, acho que continuamos com eles porque, hã, a maioria de nós precisa dos ovos”.
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49. O BEBÊ DE ROSEMARY. Roman Polanski, 1968
ROSEMARY: “Você está balançando muito rápido”.
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48. A DOCE VIDA. Federico Fellini, 1960
MARCELLO: “Não consigo escutar!”.
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47. O SÉTIMO SELO. Ingmar Bergman, 1957
JOF: “E a Morte, a mestre severa, os convida para dançar”.
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46. OS INTOCÁVEIS. Brian de Palma, 1987
ELLIOT NESS: “Acho que vou tomar um drinque”.
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45. CHINATOWN. Roman Polanski, 1974
WALSH: “Esqueça, Jake. É Chinatown”.
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44. BONEQUINHA DE LUXO. Blake Edwards, 1961
HOLLY: “O Gato… Onde está o Gato?…”
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43. A SEPARAÇÃO. Asghar Farhadi, 2011
JUIZ: “Você quer que eles esperem lá fora, se for difícil para você?
TERMEH: “Eles podem?”
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42. A VIDA DE BRIAN. Terry Jones, 1979
SR. FRISBEE: “Olhe sempre o lado bom da vida”.
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41. CLUBE DOS CINCO. John Hughes, 1985
BRIAN: “Mas o que descobrimos é que cada um de nós é um cérebro…”
ANDREW: “…e um atleta…”
ALLISON: “…e uma inútil…”
CLAIRE: “…e uma princesa…”
BENDER: “…e um criminoso.”
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41. PACTO DE SANGUE. Billy Wilder, 1944
KEYES: “Você não vai chegar nem ao elevador”.
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40. BUTCH CASSIDY. George Roy Hill, 1969
BUTCH: “Tenho uma grande ideia de onde deveríamos ir depois daqui”.
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39. A MONTANHA DOS SETE ABUTRES. Billy Wilder, 1951
CHUCK: “Gostaria de ganhar mil dólares por dia, Sr. Boot? Sou um jornalista que vale mil dólares por dia. Pode ficar comigo por nada”.
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38. DEUS E O DIABO NA TERRA DO SOL. Glauber Rocha, 1964
CORISCO: “Mais fortes são os poderes do povo!”.
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37. OS BONS COMPANHEIROS. Martin Scorsese, 1990
HENRY: “Sou um ninguém. Vou viver o resto da minha vida como um merda”.
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36. TOY STORY 3. Lee Unkrich, 2010
WOODY: “Até mais, parceiro”.
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35. CAVADORAS DE OURO DE 1933. Mervyn LeRoy, 1933
CAROL: “Lembre-se do meu homem esquecido”.
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34. HOMEM DE FERRO. Jon Favreau, 2008
TONY STARK: “Eu sou o Homem de Ferro”.
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33. DONA FLOR E SEUS DOIS MARIDOS. Bruno Barreto, 1976
TRILHA SONORA: “O que será, que será, que andam suspirando pelas alcovas?”
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32. SOCIEDADE DOS POETAS MORTOS. Peter Weir, 1989
KEATING: “Obrigado, garotos. Obrigado”.
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31. OURO E MALDIÇÃO. Erich von Stroheim, 1924
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29. A PRINCESA E O PLEBEU. William Wyler, 1953
ANN: “Muito feliz, Sr. Bradley”.
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28. A MALVADA. Joseph L. Mankiewicz, 1950
ADDISON: “Você deve perguntar à Srta. Harrington como conseguir um. A Srta. Harrington sabe tudo sobre isso”.
Assista!
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27. 8 ½. Federico Fellini, 1963
GUIDO: “Esta confusão… sou eu”.
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26. INIMIGO PÚBLICO. 1931
MIKE: “Mãe, estão trazendo Tom para casa!”.
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25. OS INCOMPREENDIDOS. François Truffaut, 1959
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24. THELMA & LOUISE. Ridley Scott, 1991
THELMA: “Apenas vamos em frente”.
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23. TEMPOS MODERNOS. Charles Chaplin, 1936
CARLITOS: “Sorria!”
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22. OS SUSPEITOS. Bryan Singer, 1995
VERBAL: “O maior truque do diabo foi convencer o mundo de que ele não existe”.
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21. CINEMA PARADISO. Giuseppe Tornatore, 1988
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20. …E O VENTO LEVOU. Victor Fleming, 1939
RHETT: “Francamente, minha querida, estou cagando pra isso”.
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19. OS PÁSSAROS. Alfred Hitchcock, 1963
CATHY: “Posso levar os periquitos, Mitch? Eles não machucaram ninguém”.
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18. LADRÕES DE BICICLETA. Vittorio de Sica, 1948
BRUNO: “Papai! Papai!”
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17. SE MEU APARTAMENTO FALASSE. Billy Wilder, 1960
FRAN KUBELIK: “Cale a boca e dê as cartas”.
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16. CASABLANCA. Michael Curtiz, 1942
RICK: “Louis, acho que este é o início de uma bela amizade”.
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15. O PLANETA DOS MACACOS. Franklin J. Schaffner, 1968
GEORGE TAYLOR: “Seus maníacos! Vocês estragaram tudo! Malditos sejam!”.
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14. A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM. Mike Nichols, 1967
TRILHA SONORA: “Olá, escuridão, velha amiga”.
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13. DE VOLTA PARA O FUTURO. Robert Zemeckis, 1985
DOUTOR BROWN: “Ruas? Para onde vamos não precisamos… de ruas”.
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12. 2001 – UMA ODISSEIA NO ESPAÇO. Stanley Kubrick, 1968
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11. BONNIE AND CLYDE – UMA RAJADA DE BALAS. Arthur Penn, 1967
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10. RASTROS DE ÓDIO. John Ford, 1956
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9. CIDADÃO KANE. Orson Welles, 1941
JERRY THOMPSON: “Talvez ‘Rosebud’ seja alguma coisa que ele não conseguiu. Ou algumas coisa que ele perdeu”.
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8. PSICOSE. Alfred Hitchcock, 1960
NORMA BATES: “Ele vão dizer: ‘Ela não mataria uma mosca’…”.
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7. QUANTO MAIS QUENTE MELHOR. Billy Wilder, 1959
OSGOOD: “Ninguém é perfeito”.
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6. NOITES DE CABÍRIA. Federico Fellini, 1957
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5. MANHATTAN. Woody Allen, 1979
TRACY: “Nem todo mundo se corrompe. Você tem que ter um pouco de fé nas pessoas”.
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4. A FELICIDADE NÃO SE COMPRA. Frank Capra, 1946
HARRY: “Ao meu irmão George: o homem mais rico da cidade”.
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3. O PODEROSO CHEFÃO. Francis Ford Coppola, 1972
KAY: “É verdade? É?”
MICHAEL: “Não”.
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2. CREPÚSCULO DOS DEUSES. Billy Wilder, 1950
NORMA DESMOND: “Está bem, Sr. DeMille, estou pronta para o meu close-up”.
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1. LUZES DA CIDADE. Charles Chaplin, 1931
CARLITOS: “Você consegue ver agora?”
FLORISTA: “Sim, eu consigo ver agora”.
Justin Timberlake, Kate Winslet e Juno Temple: tragédia pairando no ar
ROGA GIGANTE
A roda viva traçada por Woody Allen
por Renato Félix
Em determinado momento de Roda Gigante, o salva-vidas Mickey (Justin Timberlake), que quer ser escritor, dá a Carolina (Juno Temple), a jovem que está se escondendo do marido gangster, um livro que analisa o teatro de Eugene O’Neill. É a senha da inspiração de Woody Allen para sua nova crônica das tragédias humanas: o ótimo Roda Gigante (2017).
O’Neill faz parte de um time de dramaturgos americanos que exploraram as entranhas das famílias americanas e suas relações. Sua peça mais conhecida é Longa Jornada Noite Adentro, um texto de 1941, que o dramaturgo manteve lacrada em um cofre com instruções para ser montada apenas após sua morte (provavelmente por retratar as disfunções de sua própria família em 1912). Ele morreu em 1953 , a primeira montagem é de 1956 e rendeu um Pulitzer póstumo a O’Neill.
O filme de Woody Allen se passa nos anos 1950, década da morte de O’Neill e da montagem póstuma. As tragédias criadas por nós mesmos, que se tornam prisões das quais alguns não conseguimos escapar, são os temas deste novo filme. Mas nem Mickey e nem Carolina são os grandes protagonistas de Roda Gigante. Este papel cabe a Ginny, mais um grande personagem feminino de Woody Allen e mais uma grande interpretação feminina em um de seus filmes: Kate Winslet.
Ginny é uma garçonete que vive em Coney Island e cujo marido que ela não ama, Humpty (Jim Belushi), trabalha no carrossel do histórico parque de diversões do lugar – ambiente que ela odeia e que a deixa com constantes dores de cabeça. O casal vive ainda com Richie (Jack Gore), filho do primeiro casamento de Ginny, e que tem um estranho impulso incendiário.
É uma vida quase miserável para Ginny, mas duas coisas acontecem: ela começa um caso com Mickey que devolve a ela o prazer de viver; e Carolina, filha de Humpty, reaparece, pedindo abrigo para se esconder, depois de ter delatado o marido. Quando Carolina também se interessa por Mickey e ele por ela, Ginny vê sua tábua de salvação para fora daquela vida afundar passo a passo.
A tragédia está pairando no ar. E a irresistível vontade de Richie de colocar fogo nas coisas pode ser uma metáfora de que uma hora essas pequenas fogueiras podem sair do controle.
É visualmente um dos filmes mais bonitos de Woody Allen – fotografia formidável de Vittorio Storaro, que usa de maneira impressionante o visual de parque de diversões como fundo melancólico para dramas humanos, assim como a luz dos neons, da noite, do entardecer.
A fotografia é beneficiada pela opção de Allen de usar menos os planos sequência de que tanto gosta: os longos diálogos sem cortes, muitas vezes com um dos personagens falando fora do enquadramento. Os diálogos aparecem em plano e contraplano mais que o usual para um filme de Allen dos anos 1980 para cá. Isso deixa Storaro livre para compor a luz das imagens de maneira a irem mudando durante o plano. O rosto de Winslet às vezes está sob a luz amarela de um farol, para depois ser banhada pelo azul da noite.
Mas os planos-sequência estão lá, surgindo em momentos-chave. Em um monólogo de Winslet confrontando acusações de seu amante. Num emocionalmente caótico, mas visualmente bem coreografado ajuste de contas da família. Na tocante imagem final, em que velhos diálogos são repetidos como se fossem o cotidiano, mas o desespero é transmitido pelo olhar.
O sabor do teatro é constante no filme. É fácil imaginar tudo aquilo acontecendo em um palco. Mickey, que narra o filme, até começa a contar a história por uma rubrica de texto tetral: “Entra Carolina”. Allen sai poucas vezes do registro mais direto para um mais figurativo (quando os efeitos dos analgésicos em Ginny são mostrados pela ausência do som dos brinquedos do parque de diversões, que a atormentam).
O aspecto teatral certamente beneficia Kate Winslet e sua grande composição de uma mulher rumo ao desequilíbrio – há um pouco de Blue Jasmine (e, portanto, da Blanche DuBois de Um Bonde Chamado Desejo, de Tennessee Williams) em Ginny. Não só ela, mas também Caroline, passam o filme tentando lidar com o resultado de suas escolhas e de como elas as encarceraram numa vida da qual as duas mulheres tentam escapar por alguma brecha.
Roda Gigante. Wonder Wheel. EUA, 2017. Direção: Woody Allen. Elenco: Kate Winslet, Justin Timberlake, Jim Belushi, Juno Temple.
DIÁRIO DE FILMES 2018: 1 – RODA GIGANTE
Woody Allen situa seu filme nos anos 1950, em uma decadente, mas ainda barulhenta Coney Island, com seus parques de diversões, neons e praias. Aí, trama um entrelaçado de tragédias humanas centrado principalmente na infeliz Ginny (Kate Winslet). Seu caso com o salva-vidas vivido por Justin Timberlake e a vaga esperança de escapar de sua vida miserável junto ao marido bruto que ela não ama e o parque de diversões que ela odeia passam a ser ameaçada pela aparição da filha do marido, fugindo do marido gangster e que também se interessa pelo salva-vidas. A luz incrível de Vittorio Storaro faz deste um dos filmes visualmente mais bonitos de Allen. O diretor reduz os planos-sequência, usando mais os planos e contraplanos, deixando os planos mais longos para monólogos de Winslet e uma grande de desestabilização da família. A inspiração teatral está sempre presente, assim como o ar de tragédia.
Roda Gigante. Wonder Wheel. EUA, 2017. Direção: Woody Allen. Elenco: Kate Winslet, Justin Timberlake, Jim Belushi, Juno Temple. No cinema, 3/1
O novo filme de Woody Allen, Roda-Gigante, é um drama com elementos de filme noir que se passa em Coney Island, nos anos 1950. Kate Winslet é a esposa do operador de carrossel vivido por Jim Belushi. Ela se apaixona pelo salva-vidas da praia, papel de Justin Timberlake. E aparece na vida de todos a filha de seu marido, vivida por Juno Temple, perseguida por gangsters. É a primeira vez que Kate é dirigida por Woody e a segunda colaboração do diretor com o diretor de fotografia Vittorio Storaro. Estreia no Brasil: 28 de dezembro.
uem me conhece sabe que acho chuva um saco. Mas, em um fenômeno possivelmente interessante (mas provavelmente não), eu gosto de muitas cenas de filmes onde a chuva é um elemento importante – seja como composição do cenário, seja como simbolismo. Isso nos leva a mais um top 10.
10 – A NOVIÇA REBELDE (1965)
“You are sixteen going on seventeen” canta o carteiro Rowlf para Liesl, sua namoradinha que deu aquela escapada do jantar em família para namorarem em segredo no jardim da casa. No meio do canto e dança, cai aquela chuvarada e eles se refugiam no solário.
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9 – QUATRO CASAMENTOS E UM FUNERAL (1994)
Um personagem no meio do filme diz que sonha com uma paixão que o atinja como um relâmpago. No fim do filme, passados os quatro casamentos e o funeral, os personagens de Hugh Grant e Andie MacDowell têm o seu clímax: sob a chuva que providencia o simbólico relâmpago.
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8 – NÁUFRAGO (2000)
É debaixo de uma chuva torrencial que o personagem de Tom Hanks reencontra a esposa (bem, ex-esposa) vivida por Helen Hunt, anos após viver isolado em uma ilha. É uma cena difícil e dolorosa, com todos os elementos de “o que poderia ter sido e não foi”, conduzida por dois grandes atores.
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7 – HOMEM-ARANHA (2002)
Um beijo que já está virando um clássico. Depois de salvar Mary Jane (Kirsten Dunst) de bandidos em uma rua escura, o Homem-Aranha (Tobey Maguire) desde sobre ela pendurado de cabeça para baixo na teia. Ela baixa parte da máscara dele e…
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6 – MATCH POINT (2005)
Woody Allen não é exatamente conhecido por dirigir cenas sensuais. Também por isso, a cena em que Scarlett Johansson e Jonathan Rhys Meyers se rendem ao desejo proibido no campo, sob muita água, se destaca na filmografia do diretor.
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5 – BLADE RUNNER, O CAÇADOR DE ANDRÓIDES (1982)
A chuva é constante na Los Angeles do futuro, cenário de Blade Runner. É também o cenário do clímax do filme, com o monólogo do replicante vivido por Rutger Hauer, no confronto decisivo por o caçador de andróides vivido por Harrison Ford.
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4 – BONEQUINHA DE LUXO (1961)
Frustrada por seus sonhos de riqueza naufragarem e sem aceitar qualquer vínculo emocional, Holly Golightly (Audrey Hepburn) reage à declaração amorosa de Paul (George Peppard) expulsando seu fiel companheiro Gato de um taxi para um beco, debaixo do maior pé d’água. Logo se arrepende – e a procura pelo gato, sob água e a música de Henry Mancini, é um terno simbolismo do reencontro consigo mesma.
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3 – INIMIGO PÚBLICO (1931)
A chuva cai forte, mas o personagem de James Cagney não dá a mínima. Na cena, já um poderoso gangster, ele está esperando na rua o momento de entrar sozinho em um restaurante e acertar as contas ele mesmo com uma gangue rival. O tiroteio é acompanhado pelo espectador do lado de fora, ouvindo os tiros e apenas aguardando quem sairá vivo pela porta.
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2 – OS SETE SAMURAIS (1954)
O confronto final entre a pobre aldeia, liderada pelos sete samurais contratados, contra os bandidos que rotineiramente a atacam, acontece debaixo de um dos maiores pés d’água já vistos no cinema, o que torna tudo ainda mais desafiador, épico e dramático neste clássico de Kurosawa.
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Antes do primeiro colocado, algumas menções honrosas: Deus desafiado em Forrest Gump, o Contador de Histórias (1994); visibilidade zero em Psicose (1960); a mensagem fatídica em Casablanca (1942); os créditos de abertura de Os Guarda-Chuvas do Amor (1964); fuga sob a chuva em Um Sonho de Liberdade (1995); um beijo de Depois do Vendaval (1952); e o sexo na escadaria de 9½ Semanas de Amor (1986).
1 – CANTANDO NA CHUVA (1952)
Dizem que Gene Kelly estava com 38 graus de febre no dia em que filmou a cena mais icônica de Cantando na Chuva: seu personagem deixa a namorada em casa, parece que todos os seus problemas estão resolvidos e ele está tão feliz que não se importa com o aguaceiro: fecha o guarda-chuva, canta e sapateia pela rua. Leite foi misturado na água para que os pingos ficassem mais visíveis na filmagem. Kelly improvisou uma parte do número. E tudo foi feito em poucos e longos planos, que mostram a perícia não só de Kelly como da equipe inteira.
Woody Allen visita a Hollywood dos anos 1930 em seu novo filme, Café Society. A ambientação é um prato cheio para inspirar o diretor. A trama é centrada em Jesse Eisenberg, novaiorquino que sonha em vencer no mundo do cinema, mas encontra em los Angeles um mundo diferente do que esperava (e também se apaixona). No elenco também estão Kristen Stewart, Steve Carrell, Blake Lively e Parker Posey. Estreia no Brasil: 25 de agosto.
O Lobo de Wall Street estreou em janeiro e, na nossa votação em que cada mês vai sendo votado de cada vez, ele assumiu a primeira posição já ali e nunca mais a largou. O filme de Martin Scorsese chegou a ter O Passado e Garota Exemplar empatados com ele, mas sempre desempatou à frente e chegou confortável à vitória.
Veja a lista completa e comentada dos 114 filmes na página da votação.
Ele agora integra o rol de que fazem parte Boa Noite e Boa Sorte, de George Clooney (2006), Ratatouille, de Brad Bird (2007), Batman, o Cavaleiro das Trevas, de Christopher Nolan (2008), Quem Quer Ser um Milionário?, de Danny Boyle (2009), Toy Story 3, de Lee Unkrich (2010), Meia-Noite em Paris, de Woody Allen (2011), A Separação, de Asghar Farhadi (2012), e A Caça, de de Thomas Vinterberg (2013).
Até outubro, quando vai começar o nosso 10º Melhores do Ano.
— MAIS RETROSPECTIVA 2014:
– Meus melhores filmes de 2014
– Musas/ cinema em JP
– 50 filmes que não foram exibidos em João Pessoa
– A foto mostra o top 10 da nossa eleição até agora. Até agora (de janeiro a julho, meses abertos à votação) foram computados 102 filmes que estrearam em João Pessoa. Desses, 55 atingiram o quórum mínimo de quatro notas. Um índice muito alto de “abstenção”, quase 50%.
– Após o empate, ‘O Lobo de Wall Street’, de Martin Scorsese, voltou à liderança por microscópica margem. ‘O Passado’ está somente 0,008 atrás.
– A grande novidade da lista é ‘Guardiões da Galáxia’, filme de julho que já aparece em 3º. Aliás, mostra o poder da Marvel no cinema atualmente: três filmes baseados em HQs da editora estão no top 10: ‘Capitão América 2’ está em 5º e ‘X-Men – Dias de um Futuro Esquecido’ em 10º. A decepção é ‘O Espetacular Homem-Aranha 2’, amargando apenas um 40º lugar.
– O pessoal continua preferindo o primeiro ‘Ninfomaníaaca’ (22º, média 3,318) ao segundo (31º, média 2,952).
— Top 25 (até agora): —
O Lobo de Wall Street – 4,28
O Passado – 4,272
Guardiões da Galáxia – 4,181
Blue Jasmine – 4,083
12 Anos de Escravidão – 4,074
Capitão América 2 – O Soldado Invernal – 4,047
Hoje Eu Quero Voltar Sozinho – 4
O Menino e o Mundo – 3,833
Praia do Futuro – 3,818
X-Men – Dias de um Futuro Esquecido – 3,789
Tatuagem – 3,785
Azul É a Cor Mais Quente – 3,739
Frozen – Uma Aventura Congelante – 3,7
Planeta dos Macacos – O Confronto – 3,555
Como Treinar Seu Dragão 2 – 3,5
Uma Aventura Lego – 3,454
Trapaça – 3,4
Sem Escalas – 3,4
No Limite do Amanhã – 3,4
Eu, Mamãe e os Meninos – 3,375
Noé – 3,272
Ninfomaníaca – Volume 1 – 3,318
A Culpa É das Estrelas – 3,222
Um Amor em Paris – 3,2
Uma Relação Delicada – 3,166
– Entraram no top 25: ‘Guardiões da Galáxia’ (3º), ‘Planeta dos Macacos – O Confronto’ (14º), ‘Como Treinar Seu Dragão 2’ (15º), ‘No Limite do Amanhã’ (17º).
– Saíram do top 25: ‘Malévola’ (caiu de 25º para 26º), ‘RoboCop’ (de 21º para 27º), ‘Walt nos Bastidores de Mary Poppins’ (de 22º para 28º) e ‘As Aventuras de Peabody e Sherman’ (de 23º para 30º).
– Filmes com três notas (faltando uma para o quórum): ‘Caminhando com Dinossauros’, ‘Namoro ou Liberdade’, ‘O Grande Herói’, ‘Um Plano Perfeito’, ‘Uma Viagem Extraordinária’, ‘Antes do Inverno’, ‘Inatividade Paranormal 2’, ‘Em Busca de Iara’, ‘Junho – O Mês que Abalou o Brasil’ e ‘O Homem das Multidões’.
A seguir, os meus melhores filmes de 2014, apenas entre os que estiveram em cartaz nos cinemas de João Pessoa. Antes, a numeralha em torno do circuitão pessoense.
– 164 filmes estiveram em cartaz nos cinemas de João Pessoa em 2014 (379 estrearam no Brasil, segundo o levantamento da Abraccine). São 13 a mais que no ano passado, encostando no recorde de 2007 (165), marca de antes do fechamento do primeiro multiplex do MAG. O Boulevard faz esse acompanhamento desde 2006.
– A participação do cinema brasileiro é a melhor de todos os tempos. Chegou a 26,8% dos filmes em cartaz (44 no total). No ano passado, com 32 filmes, o cinema tupiniquim ficou nos 21,2%. Ainda estava bem porque, de 2010 para trás, a conta ficava nos 20 filmes e pouco mais de 10% de filmes em cartaz.
Rosamund Pike em “Garota Exemplar”
1 – GAROTA EXEMPLAR, de David Fincher
Uma trama de mistério que brilha no jogo de entregar e sonegar informação ao espectador. A plateia acompanha o tormento do marido (Ben Affleck) que pode ou não ter matado a esposa (Rosamnd Pike, excelente). E acompanha a leitura do diário dela, antes mesmo dos personagens do filme. Semanas em cartaz: duas. Crítica no Boulevard
Leonardo DiCaprio em “O Lobo de Wall Street”
2 – O LOBO DE WALL STREET, de Martin Scorsese
Scorsese ridiculariza as falcatruas do mercado financeiro e exige o máximo de Leonardo DiCaprio, talvez na melhor interpretação de sua carreira. Alucinado, é como se fosse um filme sob efeito de cocaína. Semanas em cartaz: sete.
Chiwetel Ejiofor e Michael Fassbender em “12 Anos de Escravidão”
3 – 12 ANOS DE ESCRAVIDÃO, de Steve McQueen
O vencedor do Oscar mostra um homem negro que nasceu livre e é sequestrado e vendido como escravo. Sua luta é a de não se tornar um escravo por dentro. Michael Fassbender está assustador. Semanas em cartaz: três. Crítica no Boulevard
Adèle Exarchopoulos e Léa Seydoux em “Azul É a Cor Mais Quente”
4 – AZUL É A COR MAIS QUENTE, de Abdellatif Kechiche
Dormir, comer, amar, chorar, fazer sexo: o filme de Kechiche mostra como que através de um microscópio os muitos detalhes da vida de Adéle, vivida pela revelação Adèle Exarchopoulos. Semanas em cartaz: três.
Bérenice Bejo e Ali Mosaffa em “O Passado”
5 – O PASSADO, de Asghar Farhadi
De novo Farhadi traça filme de mistério e investigação sem sair do drama familiar, com peças a juntar e personagens com algo a esconder. Passou no Festival Varilux e depois entrou em cartaz rapidamente. Semanas em cartaz: uma.
Charis Evans e Scarlett Johansson em “Capitão América 2 – O Soldado Invernal”
6 – CAPITÃO AMÉRICA 2 – O SOLDADO INVERNAL, de Anthony Russo e Joe Russo
O filme tem muita ação e movimento, mas o grande lance é o contraste entre o herói de valores antiquados em um mundo complexo. Semanas em cartaz: sete. Crítica no Boulevard
“Planeta dos Macacos – O Confronto”
7 – PLANETA DOS MACACOS – O CONFRONTO, de Matt Reeves
Esta continuação é tão boa (talvez melhor) que o primeiro filme da retomada da série. Pela primeira vez, um ator em captura de movimento surge em primeiro nos créditos. Com justiça, é Andy Serkis. Semanas em cartaz: cinco.
Cate Blanchett em “Blue Jasmine”
8 – BLUE JASMINE, de Woody Allen
Cate Blanchett foi quase unanimidade como a melhor interpretação feminina de 2013 (o filme só estreou em JP este ano) como a Jasmine, meio Blanche DuBois, de Allen. E ganhou o Oscar de melhor atriz. Semanas em cartaz: três.
Zoe Saldana, Chris Pratt e Dave Bautista em “Guardiões da Galáxia”
9 – GUARDIÕES DA GALÁXIA, de James Gunn
Heróis absolutamente desconhecidos do grande público e nenhum ator famoso, a não ser na dublagem de uma árvore e de um guaxinim. Mas com ritmo e humor, o filme foi um sucesso. E ainda tinha aquele awesome mix!. Semanas em cartaz: cinco. Crítica no Boulevard
Fabio Audi, Tess Amorim e Ghilherme Lobo em “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho”
10 – HOJE EU QUERO VOLTAR SOZINHO, de Daniel Ribeiro
Uma bem sucedida versão em longa-metragem do curta Não Quero Voltar Sozinho, o filme tem um cativante trio de jovens protagonistas e é uma delicado e muito bem narrado conto sobre o primeiro amor. Semanas em cartaz: duas.
Vale lembrar também: Frozen – Uma Aventura Congelante; O Menino e o Mundo; Tatuagem; Uma Aventura Lego; RoboCop; Walt nos Bastidores de Mary Poppins; Eu, Mamãe e os Meninos; Uma Viagem Extraordinária; Em Busca de Iara; Os Filhos do Padre; Praia do Futuro; X-Men – Dias de um Futuro Esquecido; O Mercado de Notícias; Será que?; Magia ao Luar; Tim Maia; Jogos Vorazes – A Esperança: Parte 1.
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MAIS RETROPECTIVA 2014:
Mais uma semana de votação, filmes de abril incluídos, e Capitão América 2 – O Soldado Invernal já entra em segundo no nosso ranking. Com média 4,142, está 0,191 atrás do líder, que ainda é O Lobo de Wall Street, de Martin Scorsese. A animação nacional O Menino e o Mundo subiu muito de média e chegou também ao top 5, empatado com o francês (de diretor iraniano) O Passado. É interessante notar a diferença de médias entre os volumes 1 e 2 de Ninfomaníaca: o primeiro tem 3,125; o segundo nem chega ao top 25, com 2,363.
Ao todo 36 filmes conseguiram o quórum mínimo até agora. A seguir, nosso top 25:
O Lobo de Wall Street – 4,333
Capitão América 2 – O Soldado Invernal – 4,142
Blue Jasmine – 4,055
O Menino e o Mundo – 4
O Passado – 4
12 Anos de Escravidão – 3,928
Frozen – Uma Aventura Congelante – 3,812
Hoje Eu Quero Voltar Sozinho – 3,8
Azul É a Cor Mais Quente – 3,733
Tatuagem – 3,727
Sem Escalas – 3,5
Walt nos Bastidores de Mary Poppins – 3,4
Trapaça – 3,375
Uma Aventura Lego – 3,375
Eu, Mamãe e os Meninos – 3,25
RoboCop – 3,181
Ninfomaníaca – Volume 1 – 3,125
Caçadores de Obras-Primas – 3
Noé – 3
Uma Relação Delicada – 3
Confissões de Adolescente – 2,8
Divergente – 2,75
A Menina que Roubava Livros – 2,666
Frankenstein – Entre Anjos e Demônios – 2,6
Operação Sombra – Jack Ryan – 2,571
Os seis piores do ano até agora:
300 – A Ascensão do Império – 2
Rio 2 – 2
Atividade Paranormal – Marcados pelo Mal – 2
Muita Calma Nessa Hora 2 – 1,8
Pompeia – 1,5
S.O.S. – Mulheres ao Mar – 1,25
Cinco filmes estão com três notas, falta uma para o quórum: Caminhando com Dinossauros; As Aventuras de Peabody e Sherman; Need for Speed – O Filme; O Grande Herói; Um Amor em Paris.
A verdadeira magia
Colin Firth e Emma Stone: o contraste entre o arrogante e a espontânea
Toda vez que Woody Allen faz um filme de menor pretensão – o que se tornou bastante comum após sua fase de ouro nos anos 1980 – é a mesma coisa: os cinéfilos se dividem entre aquele que acreditam que a criatividade do cineasta acabou e aqueles que defendem que mesmo um filme menor de Woody é melhor do que a maioria (se você ainda não percebeu, este crítico costuma ser da segunda turma).
A verdade é que Magia ao Luar (Magic on the Moonlight, Estados Unidos, 2014) está consideravelmente distante dos momentos mais inspirados de Allen (o último desses momentos foi Meia-Noite em Paris, de 2011). Mas é preciso ter em mente que esses “momentos mais inspirados” são coisas para entrar no panteão do cinema. Assim, não falta com o que se deleitar neste novo filme.
A história começa com Stanley (Colin Firth), um mágico inglês que se apresenta nos palcos de Paris como chinês. Uma noite, ele recebe um colega (Simon McBurney) que o convida a ir à Riviera desmascarar uma falsa vidente (Emma Stone) que está claramente enganando uma rica família americana que caiu de amores por ela e suas previsões. Apesar de trabalhar apresentando mágica às plateias (ou até por causa disso), Stanley é um cético terminal e tem muito orgulho disso, sem fazer o menor esforço para esconder sua desagradável arrogância. O contraste com o jeito espontâneo de Sophie, a vidente, e a complexidade crescente do relacionamento que se forma entre eles dá seguimento à trama.
Trata-se de uma comédia romântica aparentemente bastante simples, temperada com um pouquinho de mistério (não muito, qualquer cinéfilo experiente mata logo a dúvida se a personagem de Emma Stone é ou não uma impostora). Acontece que, embora seja o fio condutor da trama, esse mistério importa menos do que a visão de Woody sobre um de seus assuntos preferidos: a dúvida se existe ou não um mundo além do que este em que vivemos.
O cineasta costuma paradoxalmente ser um cético que sempre coloca em seus filmes magia como sendo algo que existe, à revelia do que acreditam seus personagens (e do que ele mesmo, ateu de carteirinha, acredita). Há exemplos disso em filmes tão diferentes como Sonhos Eróticos de uma Noite de Verão (1982), Contos de Nova York (1989), Simplesmente Alice (1990), Neblina e Sombras (1991) e Scoop – O Grande Furo (2006).
Aqui, quando menos se espera, Woody mostra que está menos fazendo um filme de mistério e mais fabulando sobre o que ele acredita ser a magia verdadeira da vida. E isso ainda é emoldurado pelo sul da França e o tradicional e delicioso jazz de suas trilhas (em Magia ao Luar, ele nos faz querer ouvir mais das big bands de Leo Reisman e de Bix Beiderbeicke). Combinar esses elementos não deixa de ser – menor aqui, maior ali – uma magia que Woody Allen sabe bem como fazer.
Magia ao Luar – Magic in the Moonlight. Estados Unidos, 2014. Direção: Woody Allen. Elenco: Colin Firth, Emma Stone, Símon McBurney, Marcia Gay Harden.
* Versão estendida de crítica publicada no Correio da Paraíba.
Leve passeio
Penélope Cruz (falando em italiano) é a espetacular garota de programa que aparece no quarto de um recém-casado interiorano
Woody Allen ter escolhido narrar pequenos contos em Para Roma, com Amor (To Rome, with Love, EUA/ Itália/ Espanha, 2012) não é por acaso. Mesmo narrados paralelamente, as histórias (independentes entre si) remetem aos filmes em episódios do cinema italiano dos anos 1960, como Boccaccio’ 70 (1962) ou Ontem, Hoje e Amanhã (1963). As quatro tramas formam um conjunto coerente, leve e muito agradável.
Mesmo com a referência do formato e a trilha sonora (que já começa com o indefectível “Volare”), desta vez a visão de Allen não está intrinsecamente ligada à alma cultural da cidade, como aconteceu no excelente Meia-Noite em Paris (2011). Em um filme bem menos ambicioso, Roma é, basicamente, um cenário de tirar o fôlego para histórias de comédia e romance que poderiam se passar em qualquer outro lugar. Uma cinecittà e tanto.
Duas delas envolvem turistas americanos. Allen e Judy Davis são o casal que vão à capital italiana para conhecer os pais do noivo da sua sua filha – e descobrem que o pai dele é um excelente cantor de ópera, mas só no chuveiro. Woody volta a atuar depois de seis anos, e que bom: ele está muito engraçado como o diretor de ópera aposentado, que sempre foi “à frente de seu tempo”, como repete a personagem de Judy Davis (também ótima como a esposa psicanaista que analisa o marido o tempo todo). O clímax dessa história é o grande momento cômico do filme.
Na outra, Alec Baldwin é o arquiteto que lembra quando morou na cidade, testemunhando o nascimento do romance entre um jovem estudante (Jesse Eisenberg) e uma atriz (Ellen Page). É a melhor das histórias, muito porque Woody não escancara o que ela realmente é, fazendo com que o público tenha que raciocinar um pouquinho para ligar os pontos.
As duas tramas são com personagens italianos. Os recém-casados que chegam a Roma vindos do interior e se metem em confusão (a jovem esposa se perde na cidade e esbarra em uma filmagem; o marido vê em sua porta uma garota de programa – a deslumbrante Penélope Cruz – enviada a seu quarto por engano) lembra alguns filmes de Fellini – em especial, o primeiro que ele assina sozinho, Abismo de um Sonho (1952), onde também uma esposa do interior acaba envolvida pelo clima de uma produção (no caso, a de uma fotonovela).
E há a história estrelada por Roberto Benigni, a do homem absolutamente comum que, de uma hora para outra, vira uma celebridade e nem entende a razão. Os brasileiros torcem o nariz para Benigni desde que seu A Vida É Bela derrotou nosso Central do Brasil no Oscar, em 1999, mas sua força continua a mesma: a combinação de um histrionismo tipicamente italiano com um quê chapliniano. E a trama – com seu final patético que deveria ser assistido por todos os ex-participantes de reality shows – joga com um realismo fantástico que sempre é revisitado por Allen.
O filme ainda rende outras homenagens ao cinema italiano na participação discreta de alguns ícones dos filmes de lá, como a sempre bela Ornella Muti, como uma atriz famosa, e Giuliano Gemma, astros dos faroestes-spaghetti, em um hotel. Ninguém é gênio todo dia, logo não se pode cobrar de Allen um acerto da magnitude de Meia-Noite em Paris ano após ano. Mas Para Roma, com Amor também é um acerto de sensibilidade e bom humor.
Para Roma, com Amor. To Rome, with Love. Estados Unidos/ Itália/ Espanha, 2012. Direção: Woody Allen. Elenco: Woody Allen, Roberto Benigni, Penélope Cruz, Alec Baldwin, Jesse Eisenberg, Ellen Page, Judy Davis, Ornella Muti, Giuliano Gemma.
Veja aqui um preview do que vai rolar no Trilha Sonora de hoje – Especial Woody Allen. Jazz, a Filarmônica de Nova York, e as vozes de Goldie Hawn, Ewan McGregor, Diane Keaton e… Woody Allen! Às 20h na Tabajara FM (105.5, em João Pessoa) ou pelo site da rádio.
Igual, mas diferente
A pupila e o mestre: quem ensina quem?
Quem conhece a obra de Woody Allen sabe que a velha piada de que ele faz sempre o mesmo filme não corresponde à verdade. Mas no ritmo de um filme por ano (este é seu 40º), ideias são naturalmente revisitadas e pensamentos reafirmados. Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works, Estados Unidos, 2009), a volta de Woody a Nova York após quatro filmes na Europa, usa elementos que o cineasta já usou e os mistura e modifica para criar um novo filme.
Ancorado na relação acidental entre Boris (Larry David), um ex-professor de física grosseiro e que não vê sentido na vida, e Melody (Evan Rachel Wood), uma garota do interior muitos anos mais nova e um QI bem menor, o filme mostra como esse encontro totalmente casual influi drasticamente em suas vidas e nas de todos em volta. A sorte, mais uma vez, como em Ponto Final – Match Point (2005). Woody também já usou a relação professor-pupila como assunto amoroso (em Manhattan, 1979, Hannah e Suas Irmãs, 1986, e Maridos e Esposas, 1993), mas desta vez o professor também tem a aprender.
E o recurso de falar para a câmera já apareceu em filmes como Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977), mas repare como as pessoas na rua estranham como Larry David fala com a plateia neste filme. O que poderia ser só um recurso de estilo é amarrado com extrema esperteza no desfecho, numa saborosa cumplicidade entre personagem e público.
David, no caso, assume “o papel” de Woody no filme: neurótico, hipocondríaco (tipos que Allen gosta de interpretar na tela), mas muito mais rude, desagradável. Melody – com um sotaque impagável – é a jovem que vem fazê-lo reencontrar o prazer de viver, que vem suavizá-lo, mesmo contra a vontade dele.
É um filme leve e sem grandes pretensões, mas com uma visão de mundo bastante clara. É uma obra com algo a dizer: veja como Woody sempre trata em seus filmes do passo seguinte, mostrando que o fim de um relacionamento é dureza, mas não o fim do mundo.
É isso o que está em Tudo Pode Dar Certo, em meio a muitas piadas muito engraçadas, divididas entre os imprompérios de Boris e as tentativas de Evan de explicar o que sente usando teorias da física que ouviu dele – os melhores momentos do filme. Uma delícia.
Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works). Estados Unidos, 2009. Direção: Woody Allen. Elenco: Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Ed Begley Jr., Henry Cavill, Jessica Hecht.
Zelig (Zelig, 1983). Direção e roteiro de Woody Allen.
"Eu te amo... Mas chega de panquecas..."
Leonard Zelig (Woody Allen) é um homem-camaleão: um distúrbio o faz ficar parecido com quem quer que esteja à sua volta – física e psicologicamente. Quem o trata é a doutora Eldora Fletcher (Mia Farrow), que se isola com ele numa casa de campo, esperando conseguir respostas através da hipnose. Depois de dias de uma convivência próxima, mas sem conseguir avanços, ela finalmente consegue hipnotizá-lo.
ELDORA – Você será totalmente sincero. Está em transe profundo. Será não quem pensa que quero que seja, mas você mesmo. Agora, você gosta daqui?
ZELIG – É horrível… Odeio o campo… Odeio a grama e os mosquitos… E a comida… Sua comida é horrível… Suas panquecas… Eu as jogo no lixo quando você não está olhando… E as piadas que tenta contar, quando acha que é divertida, são longas e sem sentido… Não acabam nunca…
ELDORA – (levemente constrangida) Entendo… O que mais?
ZELIG – Quero dormir com você…
ELDORA – (surpresa e constrangida) Bem, isso… Isso me surpreende… Achei que não gostasse muito de mim…
ZELIG – Eu te amo…
ELDORA – Ama?
ZELIG – Você é muito meiga… porque não é tão esperta quanto acha que é… Você é toda enrolada… Você é nervosa e você é uma péssima cozinheira… Aquelas panquecas… Eu te amo… Quero cuidar de você. Mas chega de panquecas…
A cena começa a 3min15 no vídeo abaixo:
Declaração anterior: Desfile de Páscoa
35 – “Sonhos de um Sedutor” (1972)
35 – SONHOS DE UM SEDUTOR (1972), de Herbert Ross
34 – “Tootsie” (1982)
34 – TOOTSIE (1982), de Sydney Pollack
33 – “Aladdin” (1992)
33 – ALADDIN (1992), de John Musker e Ron Clements
32 – “Romeu & Julieta” (1968)
32 – ROMEU E JULIETA (1968), de Franco Zefirelli
31 – “Jules e Jim – Uma Mulher para Dois” (1961)
31 – JULES E JIM – UMA MULHER PARA DOIS (1961), de François Truffaut
30 – “Bonnie & Clyde – Uma Rajada de Balas” (1967)
30 – BONNIE & CLYDE – UMA RAJADA DE BALAS (1967), de Arthur Penn
29 – “Desencanto” (1945)
29 – DESENCANTO (1945), de David Lean
28 – “Sabrina” (1954)
28 – SABRINA (1954), de Billy Wilder
27 – “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain” (2001)
27 – O FABULOSO DESTINO DE AMÉLIE POULAIN (2001), de Jean-Pierre Jeunet
26 – “Ritmo Louco” (1935)
26 – RITMO LOUCO (1935), de George Stevens
25 – “Forrest Gump, o Contador de Histórias” (1994)
25 – FORREST GUMP, O CONTADOR DE HISTÓRIAS (1994), de Robert Zemeckis
24 – “A Felicidade Não Se Compra” (1946)
24 – A FELICIDADE NÃO SE COMPRA (1946), de Frank Capra
23 – “A Dama e o Vagabundo” (1955)
23 – A DAMA E O VAGABUNDO (1955), de Clyde Geronimi, Wifred Jackson e Hamilton Luske
22 – “Todas as Mulheres do Mundo” (1967)
22 – TODAS AS MULHERES DO MUNDO (1967), de Domingos Oliveira
21 – “Se Meu Apartamento Falasse” (1960)
21 – SE MEU APARTAMENTO FALASSE (1960), de Billy Wilder
20 – “Antes do Amanhecer” (1994)
20 – ANTES DO AMANHECER (1994), de Richard Linklater
19 – “Cupido É Moleque Teimoso” (1937)
19 – CUPIDO É MOLEQUE TEIMOSO (1937), de Leo McCarey
18 – “Aconteceu Naquela Noite” (1934)
18 – ACONTECEU NAQUELA NOITE (1934), de Frank Capra
17 – “Quatro Casamentos e um Funeral” (1994)
17 – QUATRO CASAMENTOS E UM FUNERAL (1994), de Mike Newell
16 – “A Bela e a Fera” (1991)
16 – A BELA E A FERA (1991), de Gary Trousdale e Kirk Wise
15 – “Amor, Sublime Amor” (1961)
15 – AMOR, SUBLIME AMOR (1961), de Robert Wise e Jerome Robbins
14 – “Quem Quer Ser um Milionário?” (2008)
14 – QUEM QUER SER UM MILIONÁRIO? (2008), de Danny Boyle
13 – “…E o Vento Levou” (1939)
13 – …E O VENTO LEVOU (1939), de Victor Fleming
12 – “Muito Barulho por Nada” (1993)
12 – MUITO BARULHO POR NADA (1993), de Kenneth Branagh
11 – “Manhattan” (1979)
11 – MANHATTAN (1979), de Woody Allen
10 – “Bonequinha de Luxo” (1961)
10 – BONEQUINHA DE LUXO (1961), de Blake Edwards
9 – “Wall-E” (2008)
9 – WALL-E (2008), de Andrew Stanton
8 – “O Feitiço de Áquila” (1985)
8 – O FEITIÇO DE ÁQUILA (1985), de Richard Donner
7 – “Depois do Vendaval” (1952)
7 – DEPOIS DO VENDAVAL (1952), de John Ford
6 – “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças” (2004)
6 – BRILHO ETERNO DE UMA MENTE SEM LEBRANÇAS (2004), de Michel Gondry
5 – “Luzes da Cidade” (1931)
5 – LUZES DA CIDADE (1931), de Charles Chaplin
4 – “Harry e Sally, Feitos um para o Outro” (1989)
4 – HARRY E SALLY, FEITOS UM PARA O OUTRO (1989), de Rob Reiner
3 – “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa” (1977)
3 – NOIVO NEURÓTICO, NOIVA NERVOSA (1977), de Woody Allen
2 – “A Princesa e o Plebeu” (1953)
2 – A PRINCESA E O PLEBEU (1953), de William Wyler
1 – “Casablanca” (1942)
1 – CASABLANCA (1942), de Michael Curtiz
