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wall-e

DIÁRIO DE FILMES 2018: 15 – WALL-E
Sem borda - 05 estrelas

A Terra tomada pelo lixo e deserta: apenas um robozinho permanece limpando lixo, que forma montanhas maiores que os arranha-céus. Como uma animação de premissa tão deprê poderia funcionar numa produção a princípio infantil? Mas o protagonista tem tanto de Chaplin e de Buster Keaton que sustenta 40 minutos praticamente sem falas. Uma visão do futuro tão aterradora quanto divertida. Uma obra-prima desde o primeiro segundo, estabelecendo a relação com o musical Alô, Dolly (1969) que depois vai nortear a relação romântica com a mais avançada Eva.

Wall-E. Wall-E. Estados Unidos, 2008. Direção: Andrew Stanton. Elenco: Fred Willard. Vozes na dublagem original: Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, John Ratzenberger, Kathy Najimi, Sigourney Weaver. Vozes na dublagem brasileira: Cláudio Galvan, Sylvia Salustti, Reginaldo Primo, Guilherme Briggs, Priscila Amorim. Em DVD.

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Ratatouille

DIÁRIO DE FILMES 2018: 14 – RATATOUILLE
Sem borda - 05 estrelas

Mais de dez anos após o lançamento, Ratatouille permanece um dos melhores filmes da Pixar. Há originalidade na história de um ratinho cozinheiro, mas, sobretudo, há um roteiro bem desenhado e uma narrativa com momentos brilhantes. Como a sequência em que em um plano rápido o filme mostra que os diálogos que ouvimos dos ratinhos são “traduzidos”, a sequência em que Remy sobe por dentro das paredes de um prédio, a fuga com os documentos pelas ruas de Paris, o momento proustiano do crítico Anton Ego, sua crítica e as imagens que a acompanham.

Ratatouille. Ratatouille. Estados Unidos, 2007. Direção: Brad Bird. Vozes na dublagem original: Patton Oswalt, Lou Romano, Ian Holm, Janeane Garofalo, Peter O’Toole, Brian Dennehy. Vozes na dublagem brasileira: Philippe Maia, Thiago Fragoso, Márcio Simões, Samara Felippo, Lauro Fabiano, Carlos Gesteira. Em DVD.

Culpa E das Estrelas

DIÁRIO DE FILMES 2018: 13 – A CULPA É DA ESTRELAS
Sem borda - 03 estrelas

Doenças potencialmente fatais e romance estão por aí desde, pelo menos, A Dama das Camélias. Ingredientes embalados para leitores e espectadores jovens, a adaptação para filme funciona bem. Tem dois bons atores nos papeis principais e uma cena bonita no Museu Anne Frank.

A Culpa É das Estrelas. The Fault in Our Stars. Estados Unidos, 2014. Direção: Josh Boone. Elenco: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Willem Dafoe, Laura Dern. Na TV.

Silencio

DIÁRIO DE FILMES 2018: 12 – SILÊNCIO
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Silêncio é filme mais institucionalmente católico de Scorsese. Mostra dois jovens padres no século XVII em busca de um outro, mais velho, que desapareceu no Japão, numa época em que o Cristianismo era proibido e perseguido. Sobre o desparecido, surgem histórias de que teria renegado a fé cristã. O filme tenta muito nos convencer da importância dessa epopeia, mas esse Apocalypse Now cristão parece ter mais vontade de ser grandioso do que ter méritos para se apresentar assim. Mas visualmente é bonito e tanto o silêncio de Deus quanto a voz da fé se fazem presentes.

Silêncio. Silence. EUA/ Taiwan/ México, 2016. Direção: Martin Scorsese. Elenco: Andrew Garfield, Adam Driver, Tadanobu Asano, Issei Ogata, Liam Neeson, Ciarán Hinds. Download.

Forma da Agua - 02

Sally Hawkins e Doug Jones: com tudo o que têm direito

A FORMA DA ÁGUA
Sem borda - 04 estrelas

Testando as intolerâncias

. por Renato Félix

Guillermo del Toro é conhecido por amar monstros, mas ele ama, sobretudo, algumas facetas do cinema do passado, que ele vai revisitando em seus filmes. Ele salpica de referências seu A Forma da Água, que ganhou o Festival de Veneza e o Oscar de melhor filme (quatro, no total). A mais óbvia, claro, é que seu homem-anfíbio remete  diretamente a O Monstro da Lagoa Negra (1954), filme B que ganhou status de cult com o tempo.

A criatura desperta a empatia da faxineira muda vivida pela excelente Sally Hawkins, funcionária do laboratório secreto que o aprisiona. Ela é um tipo entre Chaplin e Amélie Poulain. O envolvimento cresce até que ela decide salvá-lo.

O coquetel de referências e citações mais e menos diretas gerou um certo debate sobre se isso diminui ou não o filme. Mesmo que isso não seja nenhuma novidade no cinema, de algumas décadas para cá. As referências a um cinema do passado são a base do cinema de Quentin Tarantino, por exemplo.

Falou-se em cópia e até em plágio. A relação entre Elisa, a personagem de Hawkins, e o homem-anfíbio vivido por Doug Jones, remete facilmente às versões de King Kong (1933/ 1976/ 2005) ou a ET (1982). E já anda na internet um meme que mostra que há muitos pontos em comum com a trama de Splash – Uma Sereia em Minha Vida (1984).

Mas há uma diferença fundamental. Em Splash, o “peixe” é metade Daryl Hannah, que ainda deixa de lado a cauda para se tornar totalmente Daryl Hannah nos momentos convenientes. È bem mais fácil para o público aceitar o amor entre diferentes quando eles não são assim tão diferentes: romances entre seres humanos e seres não humanos não são novidade no cinema – desde que o não humano seja, basicamente, uma figura humana.

Em A Forma da Água, Del Toro busca um equilíbrio difícil nesse sentido. Procura não facilitar tanto para a plateia, mas também não pode perdê-la. Aqui, o anfíbio ainda é uma forma humanoide, anda em duas pernas, tem dois olhos e uma boca (um  rosto reconhecível), mas as semelhanças parecem parar por aí. A pele é escamosa, os olhos são diferentes, ele não “fala”.

O filme tenta sustentar a estranheza da plateia, enquanto vai tentando vencê-la mesmo assim, através do lirismo. Elisa vai descobrindo e mostrando ao espectador que há sentimentos e inteligência ali. A Forma da Água testa o espectador, convidando a vencer a resistência a esse “amor diferente”. E nesse ponto é um amor romântico correspondido e nada de platônico, com tudo o que tem direito, inclusive sexo.

Assim, A Forma da Água não é tanto uma ficção científica ou um filme de monstro tradicionais. Testado em suas intolerâncias, cabe ao espectador embarcar ou não nessa fantasia romântica, com uma dose forte de nostalgia. Del Toro chega a incluir um número musical aos moldes dos anos 1930, outra referência cinéfila usada pelo diretor – mas, mais uma vez provocando o espectador, colocando seu monstro como um Fred Astaire.

A cena é outra referência direta, no caso ao número “Let’s face the music and dance”, com Fred e Ginger Rogers, de Nas Águas da Esquadra (1936). Vencer a estranheza é ser brindado pelo belo momento em que Elisa ganha uma voz além dela, como o musical clássico hollywoodiano costumava ser o sentimento além do sentimento.

Testado em suas intolerâncias (há paralelos com racismo e homofobia ao longo do filme, com nos personagens de Octavia Spencer e Richard Jenkins), cabe ao espectador embarcar ou não nessa fantasia romântica, com uma dose forte de nostalgia. Boa parte da trama se passa em apartamentos sobre um cinema exibindo A História de Ruth (1960) e As Noites de Mardi Gras (1958). Efetivamente, o cinema em si é o alicerce de A Forma da Água.

A Forma da Água. The Shape of Water. EUA, 2017. Direção: Guillermo del Toro. Elenco: Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Octavia Spencer, Doug Jones.

The Post

Meryl Streep e Tom Hanks: entre o furo e a prisão

THE POST – A GUERRA SECRETA
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A urgência do deadline

Para usar um termo da moda, The Post – A Guerra Secreta (2017) é uma espécie de prequel de Todos os Homens do Presidente (1976): uma continuação cuja história se passa antes do original. Enquanto o filme de Alan J. Pakula tratava da investigação do Washington Post que resultou no escândalo Watergate e na renúncia de Nixon, o filme de Spielberg em cartaz mostra o mesmo jornal às voltas com o mesmo presidente e o vazamento de documentos que mostravam que o governo americano vinha mentindo sobre o Vietnã, mesmo muitos anos antes da guerra.

Claro que Todos os Homens do Presidente já possui uma aura com a qual é muito difícil concorrer, mas The Post tomou a opção de assumir explicitamente a influência e buscar um espelho narrativo e visual – a ponto de seu último plano ser igual ao primeiro do filme de Pakula. Uma “emenda retroativa” maior até que a de Rogue One (2016)/ Guerra nas Estrelas (1977).

O filme é centrado principalmente em seus dois personagens centrais: Katharine Graham, dona do Washington Post, e Ben Bradlee, editor. Ele é vivido em Todos os Homens do Presidente por Jason Robards, mas ela não aparece no filme de Pakula. The Post busca, de certa forma, fazer justiça a Graham. Até por isso, no filme de Spielberg, Bradlee é movido pela competição e pela adrenalina da notícia – um retrato tradicional do jornalista de redações de filmes – enquanto a jornada dela é mais complexa.

Katharine é retratada como uma dondoca que herdou do pai e do marido um jornal com o qual não tem muita familiaridade e que se sente mais à vontade circulando na alta roda entre ricaços e políticos. Nos negócios, não é levada muito a sério por seus pares. Sucedendo o pai e o marido, sua presença nas mesas de reuniões parece uma anomalia. Seu personagem cresce à medida que precisa lidar com a bomba que o jornal pode detonar e precisa tomar decisões a respeito, com potencial claro de atingir, inclusive, alguns de seus amigos poderosos.

A questão central é que o New York Times teve acesso aos tais documentos comprometedores, mostrando que sucessivos governos americanos vinham mentindo sobre o Vietnã. Mas o governo entrou na Justiça e o Times teve que parar de publicar o material. O Post, que tomou o furo, correu atrás e conseguiu acesso aos mesmos documentos. Então uma decisão foi posta sobre a mesa: publicar, mesmo sabendo que isso poderia resultar na mesma censura e, talvez, em prisão?

Na primeira metade do filme, o emaranhado de nomes pode ser um pouco confuso para quem não está familiarizado com a história da politica e imprensa americanas. Spielberg também opta muitas vezes por distribuir a informação aos poucos.

Por exemplo, Katharine tem um encontro para o almoço. A conversa se desenrola e boa parte do público (possivelmente a maior parte) provavelmente não saberá de cara com quem ela afinal está almoçando. Mas, no meio da cena, a plateia descobre que trata-se do editor do concorrente, o New York Times. É de se esperar que o diretor esteja contando com certa desorientação da plateia, antes de dar os dados para que ela volte ao prumo.

Spielberg, porém, não deixa de derrapar na falta de sutileza. Katharine precisa verbalizar com todas as letras as condições de uma mulher no mercado de trabalho nos anos 1960. Mais à frente, ela é ignorada pela imprensa após uma batalha nos tribunais, os repórteres preferem as declarações dos homens. Mas ela desce as escadas lá fora sob o olhar de admiração e reverência de outras mulheres enfileiradas.

Mas o diretor também exibe sua habitual destreza com a câmera, mesmo buscando se manter preso à estética sóbria herdada de Todos os Homens do Presidente. Spielberg toma bom partido do cenário da redação e flui a câmera em planos-sequência de maneira tão natural que o público pode não perceber, uma marca sua. E cria um ritmo empolgante à medida em que o deadline se aproxima.

Ele já declarou que se trata de um filme de urgência: ele se apropria dessa história dos anos 1960 para fazer comentários sobre hoje, com respeito à liberdade de imprensa, mentiras governamentais e afirmação do lugar da mulher na sociedade. Curioso como, nesse sentido, Todos os Homens do Presidente era um filme que falava, também com urgência, sobre a própria época em que foi feito: Nixon havia renunciado apenas dois anos antes do lançamento da produção, como resultado da investigação que a história contava. Em comum, ambos os filmes precisaram ser feitos logo, como se tivessem que cumprir, cada um, o seu deadline.

The Post – A Guerra Secreta. The Post. Reino Unido/ EUA, 2017. Direção: Steven Spielberg. Elenco: Maryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk. No cinema.

* Versão estendida da crítica publicada no Correio da Paraíba de 31/03/2018

Eu Daniel Blake

DIÁRIO DE FILMES 2018: 11 – EU, DANIEL BLAKE
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Em uma poderosa denúncia sobre um sistema que esmaga pessoas, Ken Loach mostra a crueldade da lógica da desumanização dos serviços em uma sociedade tida por muitos como um paraíso desejado. Daniel Blake é jogado em um labirinto burocrático kafkiano, onde sua médica o proíbe de voltar ao trabalho após um ataque cardíaco, mas a empresa que avalia o seguro-saúde para o governo britânico nega a ele o benefício. Ainda assim, ele encontra tempo e disposição para ajudar uma mãe e os filhos dela que parecem em situação ainda pior. Sóbrio, mas muito contudente.

Eu, Daniel Blake. I, Daniel Blake. Reino Unido/ França/ Bélgica, 2016. Direção: Ken Loach. Elenco: Dave Johns, Hayley Squires, Brianma Shann, Sharon Percy. Na Netflix.

The Post

DIÁRIO DE FILMES 2018: 10 – THE POST – A GUERRA SECRETA
Sem borda - 04 estrelas

Spielberg já declarou que este é “um filme de urgência” para ele. Aproveitou a história sobre liberdade de imprensa e mentiras governamentais sobre a Guerra do Vietnã para falar de hoje. Para tanto, aproveitou também a relação direta com Todos os Homens do Presidente (1976) para se inspirar no filme de Pakula, funcionando como um prelúdio, a ponto do final emendar com o começo do outro, que era sobre o Watergate. Resulta num clássico “drama de redação”,  com algumas observações das relações pouco institucionais da imprensa com o poder e da afirmação da mulher no mercado de trabalho. O começo é meio embaralhado para quem não conhece todos aqueles nomes e Tom Hanks está mais careteiro que o normal, mas o filme cresce bem na metade final.

The Post – A Guerra Secreta. The Post. Reino Unido/ EUA, 2017. Direção: Steven Spielberg. Elenco: Maryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk. No cinema.

Viva - 02

Miguel e a bisavó Lupita: indo além do esperado

VIVA – A VIDA É UMA FESTA
Estrelas-04 e meia juntas-site

Saudade é vida

. por Renato Félix

Se existe vida além da morte, o que seria “a morte da morte”? Viva – A Vida É uma Festa (2017) dá sua visão: é o esquecimento. Nossos mortos continuam vivos em nossas memórias. Se nos esquecemos deles, eles deixam de existir. Com essa base, o estúdio de animação – que tem alternado seus melhores momentos com continuações meio no piloto automático – volta à sua melhor forma.

E essa melhor forma vem principalmente da combinação de roteiro e animação para esculpir personagens que conseguem transmitir grandes e complexas emoções, por mais que o filme não perca de vista o público infantil e o alto astral. Então, mais uma vez, humor, música e cores (mesmo no mundo dos mortos) são colocados como a base em que, quando menos se percebe, é construído algo que vai além.

O tema –  a morte –  é delicado e complexo, tanto que o marketing tentou desviar do assunto o melhor que pôde. O título brasileiro, então, exagera desnecessariamente na alegria. A vida não é uma festa para Miguel, o protagonista. O garoto quer ser músico, mas a família é contra: quer que ele siga a tradição sem graça dos parentes e seja um sapateiro.

O que ajuda o filme é que evidentemente a trama se passa no México, onde o Dia de Finados é encarado de uma maneira muito particular. Segundo a tradição, é o dia em que os mortos têm a permissão de visitar os parentes e amigos vivos. Enquanto a família tem um altar com fotos dos parentes que já se foram, Miguel tem o seu particular para Ernesto de la Cruz, um antigo ídolo da música.

Uma situação limite o leva, vivo, ao mundo dos mortos. E para voltar antes do fim do dia, o garoto vai ter que repensar valores familiares, sua vocação e descobrir segredos do passado. Conhece os antepassados, mas sua volta está ligada ao seu futuro e o levará ao encontro do ídolo em quem se espelha. Na jornada, terá a ajuda de Hector, uma caveira que parece ser apenas um alivio cômico, mas é o personagem em que Viva vai se apoiar para chegar mais longe.

O visual do mundo dos mortos é impressionante, começando pela ponte de pétalas que o liga ao mundo dos vivos e as plataformas inspiradas nas pirâmides astecas. Ter que conseguir o “visto de imigração” para passar “para o nosso lado” é uma situação que não pode estar ali por acaso.

E a animação aproveita para muitas brincadeiras visuais, lembrando tanto clássicos da Warner Bros. quanto o curta A Dança dos Esqueletos (1929), uma das primeiras Silly Symphonies da Disney.

A aventura misturada com comédia familiar começa a abraçar outras emoções quando entra em cena a possibilidade do esquecimento desses personagens mortos, mas com tanta vida, por parte de quem ficou por aqui (através da saudade). Coco, o título original (de que a Disney Brasil teve tanto medo de um trocadilho infame), se refere a personagem da bisavó, já sofrendo do mal de Alzheimer. É uma pena que o título brasileiro tenha desperdiçado essa relação com a personagem.

Linhas se cruzam e surgem algumas soluções que são mais fáceis e certos segredos que podem ser previstos a uma boa distância pelo espectador. Mas nada disso chega a ser um problema. As qualidades do filme de Lee Unkrich (é se segundo longa como diretor; o primeiro foi Toy Story 3) compensam, como centrar em dois personagens até então coadjuvantes (Hector e Coco, que aqui no Brasl foi rebatizada como Lupita) para construir uma cena de dimensão tão grande, que já está no rol daquelas da Pixar que arrancam lágrimas do espectador.

Viva! – A Vida É uma Festa. Coco. EUA, 2017. Direção: Lee Unkrich, Adrian Molina. Vozes na dublagem original: Anthony Gonzalez, Gael García Bernal, Benjamin Bratt, Alanna Ubach, Renee Victor, Alfonso Arau. Vozes na dublagem brasileira: Arthur Salerno, Leandro Luna, Nando Prado, Adriana Quadros.

* Crítica estendida da original publicada no Correio da Paraíba, em 13 de janeiro de 2018.

Touro Ferdinando

DIÁRIO DE FILMES 2018: 9 – O TOURO FERDINANDO
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A história é bem conhecida, seja pelo livro de Munro Leaf (ilustrado por Robert Lawson), de 1936, ou pelo curta animado da Disney, vencedor do Oscar, de 1938. O desafio da Blue Sky e do diretor Carlos Saldanha foi ampliar a trama. Esse trabalho é bem feito, adicionando uma fuga, uma vida paralela, mas o retorno ao andamento básico da trama: picado por uma abelha, o gentil Ferdinando sai doido e é confundido com um touro bravo, indo parar numa arena. O clímax contra o toureiro é muito bom. Uma coisa que atrapalha é o excesso de personagens: não basta ter um ouriço malandro, são três; não basta ter um cavalo arrogante, são três!

O Touro Ferdinando. Ferdinand. EUA, 2017. Direção: Carlos Saldanha. Vozes na dublagem original: John Cena, Kate McKinnon, Lily Day, David Tennant, Gina Rodriguez, Jeremy Sisto. Vozes na dublagem brasileira: Thalita Carauta, Maísa Silva, Otaviano Costa. No cinema.

Bee Movie

DIÁRIO DE FILMES 2018: 8 – BEE MOVIE – A HISTÓRIA DE UMA ABELHA
Estrelas-03 e meia juntas-site

Arthur voltou a assistir Bee Movie e eu com ele. É meio consenso que essa animação podia ter rendido mais, mas acho, no geral, bastante boa, com boas ideias e alguns momentos acima da média. Como virar um filme de tribunal em certo momento, com destaque para o depoimento de Sting. Ou o mosquito advogado: “Eu já era um grande sanguessuga, mesmo”. Uma coisa interessante é que, sendo um projeto concebido e estrelado por Jerry Seinfeld, a persona do comediante é figura forte para quem vai assistir ao filme e gosta da série: a dublagem em português não consegue corresponder a isso. Não por deficiência no trabalho do grande Guilherme Briggs, claro, mas porque são vozes bem diferentes e o efeito se perde. Provavelmente, uma perda inevitável, assim como muitos trocadilhos intraduzíveis do original (já começa no título: Bee Movie lembra “B movie” ou “filme B”).

Bee Movie – A História de uma Abelha. Bee Movie. Estados Unidos, 2007. Direção: Simon J. Smith, Steve Hickner. Vozes da dublagem original: Jerry Seinfeld, Renée Zellweger, Matthew Broderick, Patrick Warburton, John Goodman, Chris Rock, Kathy Bates, Barry Levinson, Larry King, Ray Liotta, Sting, Oprah Winfrey, Megan Mullaly, Rip Torn, Michael Richards. Vozes na dublagem brasileira: Guilherme Briggs, Fernanda Baronne, Alexandre Moreno. Em DVD.

Com Amor Van Gogh 2

DIÁRIO DE FILMES 2018: 6 – COM AMOR, VAN GOGH
Sem borda - 04 estrelas

Todo animado a partir de pinturas a óleo, o filme da polonesa Dorota Kobiela e do britânico Hugh Welchman é um evento visual. A narrativa bebe na fonte de Cidadão Kane para recontar os últimos dias do pintor holandês. Mais detalhes na minha crítica.

Com Amor, Van Gogh. Loving Vincent. Reino Unido/ Polônia, 2017. Direção: Dorota Kobiela, Hugh Welchman. Vozes na dublagem original: Douglas Booth, Robert Gulaczyk, Saoirse Ronan. No cinema.

Viva

DIÁRIO DE FILMES 2018: 5 – VIVA – A VIDA É UMA FESTA
Estrelas-04 e meia juntas-site

A Pixar hoje parece dividida em dois modelos de produção: as continuações feitas meio no piloto automático para lucrar com os personagens já conhecidos; e a pérolas genuínas do estúdio, feitas com risco e aprofundamento. Viva está no segundo tipo, que já nos deu obras-primas como Procurando Nemo (2003), Ratatouille (2007), Wall-E (2008) e Divertida Mente (2015). A trama sobre um garoto mexicano que quer ser músico contra a posição da família e vai parar no mundo dos mortos, com muita cor e humor, vai se desenrolando sobre temas mais complexos, como saudade e o que seria “a morte dos mortos”: o esquecimento. Visualmente, é bem elaborado, e há momentos especialmente tocantes.

Viva! – A Vida É uma Festa – Coco. EUA, 2017. Direção: Lee Unkrich, Adrian Molina. Vozes na dublagem original: Anthony Gonzalez, Gael García Bernal, Benjamin Bratt, Alanna Ubach, Renee Victor, Alfonso Arau. Vozes na dublagem brasileira: Arthur Salerno, Leandro Luna, Nando Prado, Adriana Quadros. No cinema.

Com Amor Van Gogh

Metalinguagem do filme evoca estilo de Van Gogh

COM AMOR, VAN GOGH
Sem borda - 04 estrelas

Um mundo pintado a óleo

por Renato Félix

É difícil não se impressionar. Uma equipe de 100 artistas, comandados pelos diretores Dorota Kobiela e Hugh Welchman, pintou centenas e centenas de quadros a óleo que foram animados para gerar Com Amor, Van Gogh (2017), filme em que o jovem filho de um carteiro é encarregado de entregar uma carta do pintor holandês, um ano após a morte dele. Viajando à procura da família de Van Gogh, vai conhecendo pessoas que o conheceram e foram retratadas por ele.

Começa aí um processo narrativo semelhante ao de Cidadão Kane (1941). O jovem Armand ouve de cada um versões sobre a vida de Van Gogh, passando pela infância e pelo episódio dramático do corte da própria orelha. Mas os relatos são especialmente sobre seus últimos dias, que desembocaram no tiro que deu contra si mesmo, resultando na morte do pintor dois dias depois.

Armand questiona a versão do suicídio – ele terá mesmo se matado ou terá sido assassinado? – e procura entender o intenso artista e seus tormentos. A narrativa segue o modelo de Cidadão Kane de perto, com cada depoimento puxando uma cena do passado (mostradas em preto-e-branco). Através delas, quadros de Van Gogh são recriados quando surgem os personagens com quem ele conviveu e pintou.

Não é uma narrativa que busca inovação e talvez até seja didática demais. Mas o projeto todo é comovente pelo carinho pelo seu personagem, que transborda de cada cena. Muito, claro, pelo esforço em narrar tudo seguindo o estilo visual de Van Gogh. Uma metalinguagem e tanto.

A técnica fica mais evidente nos momentos coloridos e, curiosamente, as cenas  com “movimento de câmera” dão uma curiosa sensação de que é o cenário que está se movimentando, não os personagens. As cenas em preto-e-branco “escondem” mais as pinceladas. Mas a graça, claro, não é escondê-las, mas que a técnica esteja bem evidente. Um retrato visual fiel da realidade, afinal, não era pretendido por Van Gogh e, também não o é pelo filme.

Com Amor, Van Gogh. Loving Vincent. Reino Unido/ Polônia, 2017. Direção: Dorota Kobiela, Hugh Welchman. Vozes na dublagem original: Douglas Booth, Robert Gulaczyk, Saoirse Ronan. No cinema.

Star Wars - Os Ultimos Jedi - 32

Daisy Ridley e Mark Hamill: ela é a protagonista

STAR WARS – OS ÚLTIMOS JEDI
Sem borda - 04 estrelas

Passagem de bastão

por Renato Félix

Na sua origem, a saga Star Wars é uma colcha de retalhos de referências. Aos antigos seriados de cinema de Flash Gordon dos anos 1930,  a filmes japoneses de samurai, a faroestes e filmes de capa-e-espada da Hollywood clássica. A trilogia original é bem isso e, agora, ela própria é uma fonte de referências. E, assim, na nova trilogia, do qual Star Wars – Os Últimos Jedi (2017) é o novo capítulo,  a série faz referência principalmente a si mesma.

Assim, qualquer razoável iniciado em Star Wars vai encontrar ecos de episódios passados por todo o novo filme (como já acontecia em O Despertar da Força, 2015, o filme anterior). Desde o começo em alta voltagem com uma batalha espacial, visto antes em Ataque dos Clones (2002), ao muitos elementos e situações que citam diretamente O Retorno de Jedi (1983). Ou na busca por um mestre distante e há muito isolado, vista em O Império Contra-Ataca (1980).

O segundo filme desta nova trilogia também reafirma que os grandes personagens clássicos não são os protagonistas: são, na verdade, um forte apoio para os novos rostos. Sim, Luke Skywalker (Mark Hamill) está de volta e tem alguns grandes momentos reservados a ele, mas seu principal papel é encaminhar Rey (Daisy Ridley) nas artes jedi. O filme, e isso é ainda mais claro que em O Despertar da Força, é uma passagem de bastão.

Uma parte considerável do filme se detém nos esforços de Rey para convencer Luke a sair da toca e ajudar a Resistência, em vias de ser erradicada. Enquanto Luke tem sua crise com o passado e suas crenças, ela tem diálogos à distância com seu grande inimigo, Kylo Ren (Adam Driver), um recurso dramático muito bem conduzido.

A trama se separa em dois outros núcleos dramáticos: em um, a General Leia (Carrie Fisher) precisa conduzir a fuga da Resistência, acossada pelas forças da Primeira Ordem, e domar a impetuosidade de seu melhor piloto, Poe (Oscar Isaac, que ganha mais espaço); no outro, Finn (John Boyega) e uma nova personagem, Rose (Kelly Marie Tran), vão a um planeta-cassino à procura de um decodificador para ajudar a despistar a Primeira Ordem.

Nesse segmento, aparecem umas pequenas tintas políticas. Rose aponta o dedo para aquela elite, afirmando que “ninguém ganha tanto dinheiro assim se não for com a guerra”.  Comentários sociais que vão reverberar nos belos momentos finais do filme.

A sequência também serve ao (lento) desenvolvimento do personagem de Boyega e introduz o de Benicio del Toro, um malandro pouco confiável, mas com uma visão de mundo bem-vinda a Star Wars.

A saga sempre se banhou na maniqueísmo, contrapondo um lado claramente bom e outro claramente mau. Ao conduzir a história, George Lucas procurou borrar essas fronteiras em O Retorno de Jedi (1983) ao tratar da redenção de Darth Vader e, desajeitadamente, na trilogia-prelúdio, ao narrar a queda de Anakin Skywalker.

Mas derrapou feio quando sua sanha revisionista mudou, em 1997, a cena em que Han Solo atira a sangue-frio e à traição no caçador de recompensas Greedo, em Guerra nas Estrelas (1977). Lucas não resistiu à tentação de “desborrar” a fronteira, primeiro fazendo Solo “atirar depois” e, depois, “atirar ao mesmo tempo”.

DJ, o personagem de Del Toro, em certo momento rouba a nave de um comerciante de armas, de quem tanto os vilões da Primeira Ordem quanto os mocinhos da Resistência usaram os serviços. Um tímido, mas eloquente, tom de cinza em uma saga que prima pelo preto no branco.

O filme tem momentos de visual arrebatador (principalmente a luta na sala vermelha e o combate no planeta coberto de sal) e humor (em situações inesperadas, inclusive). Também contraria um artifício narrativo tradicional na série, que é ignorar o fato de que o som não se propaga no espaço para gerar mais emoção nos combates espaciais. Desta vez, em uma cena chave (envolvendo a sempre ótima Laura Dern), o diretor Rian Johnson optou por retirar o som e gerar a emoção pela ausência dele.

Parênteses: O fato de que cinemas tiveram que colocar avisos para que a plateia soubesse que isso é de propósito faz pensar a que ponto de emburrecimento chegou uma parcela do público dos cinemas. Fecha parênteses.

E, algo que faz diferença tanto em como o filme foi feito quanto como ele é assistido, Os Últimos Jedi marca a despedida de Carrie Fisher.

A atriz morreu em dezembro de 2016, cerca de um ano antes da estreia do filme. Mas já tinha filmado todas as suas cenas para Os Últimos Jedi. O filme, então, e a plateia minimamente informada são conscientes o tempo todo dessa despedida. Não dá para não ter atenção sobre como Leia é tratada e como o filme resolveu ou não seu desfecho na trama.

Há outras coisas, mas isso, sem dúvida, tornou a experiência de Os Últimos Jedi diferente.

Star Wars – Os Últimos Jedi. Star Wars – The Last Jedi. EUA, 2017. Direção: Rian Johnson. Elenco: Daisy Ridley, Mark Hamill, Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac, Carrie Fisher, Anthony Daniels, Gwendoline Christie, Benicio del Toro, Laura Dern. Voz: Frank Oz. Em captura de movimento: Lupita Nyong’o, Andy Serkis.

* Versão estendida da crítica publicada no Correio da Paraíba, em 20/12/2017

Roda Gigante 2

Justin Timberlake, Kate Winslet e Juno Temple: tragédia pairando no ar

ROGA GIGANTE
Sem borda - 04 estrelas

A roda viva traçada por Woody Allen

por Renato Félix

Em determinado momento de Roda Gigante, o salva-vidas Mickey (Justin Timberlake), que quer ser escritor, dá a Carolina (Juno Temple), a jovem que está se escondendo do marido gangster, um livro que analisa o teatro de Eugene O’Neill. É a senha da inspiração de Woody Allen para sua nova crônica das tragédias humanas: o ótimo Roda Gigante (2017).

O’Neill faz parte de um time de dramaturgos americanos que exploraram as entranhas das famílias americanas e suas relações. Sua peça mais conhecida é Longa Jornada Noite Adentro, um texto de 1941, que o dramaturgo manteve lacrada em um cofre com instruções para ser montada apenas após sua morte (provavelmente por retratar as disfunções de sua própria família em 1912). Ele morreu em 1953 , a primeira montagem é de 1956 e rendeu um Pulitzer póstumo a O’Neill.

O filme de Woody Allen se passa nos anos 1950, década da morte de O’Neill e da montagem póstuma. As tragédias criadas por nós mesmos, que se tornam prisões das quais alguns não conseguimos escapar, são os temas deste novo filme. Mas nem Mickey e nem Carolina são os grandes protagonistas de Roda Gigante. Este papel cabe a Ginny, mais um grande personagem feminino de Woody Allen e mais uma grande interpretação feminina em um de seus filmes: Kate Winslet.

Ginny é uma garçonete que vive em Coney Island e cujo marido que ela não ama, Humpty (Jim Belushi), trabalha no carrossel do histórico parque de diversões do lugar – ambiente que ela odeia e que a deixa com constantes dores de cabeça. O casal vive ainda com Richie (Jack Gore), filho do primeiro casamento de Ginny, e que tem um estranho impulso incendiário.

É uma vida quase miserável para Ginny, mas duas coisas acontecem: ela começa um caso com Mickey que devolve a ela o prazer de viver; e Carolina, filha de Humpty, reaparece, pedindo abrigo para se esconder, depois de ter delatado o marido. Quando Carolina também se interessa por Mickey e ele por ela, Ginny vê sua tábua de salvação para fora daquela vida afundar passo a passo.

A tragédia está pairando no ar. E a irresistível vontade de Richie de colocar fogo nas coisas pode ser uma metáfora de que uma hora essas pequenas fogueiras podem sair do controle.

É visualmente um dos filmes mais bonitos de Woody Allen – fotografia formidável de Vittorio Storaro, que usa de maneira impressionante o visual de parque de diversões como fundo melancólico para dramas humanos, assim como a luz dos neons, da noite, do entardecer.

A fotografia é beneficiada pela opção de Allen de usar menos os planos sequência de que tanto gosta: os longos diálogos sem cortes, muitas vezes com um dos personagens falando fora do enquadramento. Os diálogos aparecem em plano e contraplano mais que o usual para um filme de Allen dos anos 1980 para cá. Isso deixa Storaro livre para compor a luz das imagens de maneira a irem mudando durante o plano. O rosto de Winslet às vezes está sob a luz amarela de um farol, para depois ser banhada pelo azul da noite.

Mas os planos-sequência estão lá, surgindo em momentos-chave. Em um monólogo de Winslet confrontando acusações de seu amante. Num emocionalmente caótico, mas visualmente bem coreografado ajuste de contas da família. Na tocante imagem final, em que velhos diálogos são repetidos como se fossem o cotidiano, mas o desespero é transmitido pelo olhar.

O sabor do teatro é constante no filme. É fácil imaginar tudo aquilo acontecendo em um palco. Mickey, que narra o filme, até começa a contar a história por uma rubrica de texto tetral: “Entra Carolina”. Allen sai poucas vezes do registro mais direto para um mais figurativo (quando os efeitos dos analgésicos em Ginny são mostrados pela ausência do som dos brinquedos do parque de diversões, que a atormentam).

O aspecto teatral certamente beneficia Kate Winslet e sua grande composição de uma mulher rumo ao desequilíbrio – há um pouco de Blue Jasmine (e, portanto, da Blanche DuBois de Um Bonde Chamado Desejo, de Tennessee Williams) em Ginny. Não só ela, mas também Caroline, passam o filme tentando lidar com o resultado de suas escolhas e de como elas as encarceraram numa vida da qual as duas mulheres tentam escapar por alguma brecha.

Roda Gigante. Wonder Wheel. EUA, 2017. Direção: Woody Allen. Elenco: Kate Winslet, Justin Timberlake, Jim Belushi, Juno Temple.

Ultimo Desafio - 01

DIÁRIO DE FILMES 2018: 4 – O ÚLTIMO DESAFIO
Sem borda - 2,5 estrelas

Me lembro quando Rodrigo Santoro falou sobre este filme, que quis fazer porque era um sonho de fã fazer um filme com Schwarzenegger. Todo o filme, na verdade, emite essa aura de fã pelo velho Schwarza, dando a ele algumas frases legais (“Você ferrou o meu carro!”, diz o bandido; “Você ferrou o meu dia de folga”, ele responde) e o situando numa atmosfera de faroeste: um xerife que, com seus poucos ajudantes, tenta impedir a fuga de um bandido. Não dá pra não pensar em John Wayne em Onde Começa o Inferno (1959).

O Último Desafio. The Last Stand. EUA, 2013. Direção: Jae-woo Kim. Elenco: Arnold Schwarzenegger, Forest Whitaker, Jaimie Alexander, Rodrigo Santoro, Peter Stormare, Johnny Knoxville, Luis Guzman, Eduardo Noriega, Harry Dean Stanton. Na TV, 7/1

Missao Madrinha de Casamento - 03

DIÁRIO DE FILMES 2018: 3 – MISSÃO MADRINHA DE CASAMENTO
Sem borda - 2,5 estrelas

Foi boa a revisão de Missão Madrinha de Casamento, o filme subiu um pouco no meu conceito. A parte referente à trama do casamento, mesmo, aquela rivalidade entre Kristen Wiig (a velha melhor amiga de vida bagunçada) com Rose Byrne (a nova melhor amiga perfeitinha) continua me parecendo bem bobo, rotineiro e sem graça. Mas quando o filme foca só em Kristen melhora muito. Um destaque é a cena em que a personagem, confeiteira que desistiu da profissão e está bem pra baixo em casa, é mostrada preparando a massa, colocando pra cozinhar e decorando um único cupcake pra ela mesma.

Missão Madrinha de Casamento. Bridesmaids. EUA, 2011. Direção: Paul Feig. Elenco: Kristen Wiig, Rose Byrne, Maya Rudolph, Melissa McCarthy, Chris O’Dowd, Ellie Kemper, Wendi McLendon Covey, Jill Clayburgh. Na TV, 6/1

Murder on the Orient Express (2017) Kenneth Branagh

DIÁRIO DE FILMES 2018: 2 – ASSASSINATO NO EXPRESSO DO ORIENTE
Estrelas-03 e meia juntas-site

Das dezenas de romances de mistério que Agatha Christie escreveu, Assassinato no Expresso do Oriente é um dos mais populares, e com seu personagem mais popular, Hercule Poirot, detetive que rivaliza com Sherlock Holmes, se não no tamanho da fama além da literatura, certamente em capacidade dedutiva e excentricidades. Mas Kenneth Branagh estava disposto a não retratar este apenas como apenas mais um caso para Poirot. Ao contrário da (ótima) versão de 1974 de Sidney Lumet, o detetive é abalado em suas certezas pela trama que vai descobrindo a partir do assassinato de um sujeito condenável a bordo do Expresso do Oriente, que acaba preso no meio de seu trajeto por uma avalanche. Não por acaso, começa como em um filme de James Bond, com Poirot desvendando um caso em jerusalém que não tem nada a ver com a história central, a não ser por mostrar a absoluta confiança que o detetive tem em si mesmo.

Assassinato no Expresso do Oriente. Murder on the Orient Express. EUA/ Malta, 2017. Direção: Kenneth Branagh. Elenco: Kenneth Branagh, Michelle Pfeiffer, Judi Dench, Daisy Ridley, Penépole Cruz, Willem Dafoe, Johnny Depp, Derek Jacobi. No cinema, 3/1

Roda Gigante

DIÁRIO DE FILMES 2018: 1 – RODA GIGANTE
Sem borda - 04 estrelas

Woody Allen situa seu filme nos anos 1950, em uma decadente, mas ainda barulhenta Coney Island, com seus parques de diversões, neons e praias. Aí, trama um entrelaçado de tragédias humanas centrado principalmente na infeliz Ginny (Kate Winslet). Seu caso com o salva-vidas vivido por Justin Timberlake e a vaga esperança de escapar de sua vida miserável junto ao marido bruto que ela não ama e o parque de diversões que ela odeia passam a ser ameaçada pela aparição da filha do marido, fugindo do marido gangster e que também se interessa pelo salva-vidas. A luz incrível de Vittorio Storaro faz deste um dos filmes visualmente mais bonitos de Allen. O diretor reduz os planos-sequência, usando mais os planos e contraplanos, deixando os planos mais longos para monólogos de Winslet e uma grande de desestabilização da família. A inspiração teatral está sempre presente, assim como o ar de tragédia.

Roda Gigante. Wonder Wheel. EUA, 2017. Direção: Woody Allen. Elenco: Kate Winslet, Justin Timberlake, Jim Belushi, Juno Temple. No cinema, 3/1

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